Categoría: Cannes

Hace ya muchos años, Lars von Trier hizo una pequeña película titulada Las cinco condiciones, basada en otro film anterior de Jorgen Leth, titulada El humano perfecto.

Había una frase en el film de Leth que se repetía una y otra vez. Era algo así como: “Esta experiencia es algo que ustedes comprenderán más tarde”.

Una frase que puede aplicarse al último largometraje del genio danés. Es algo que el mundo comprenderá mucho más tarde, y cuyo valor no somos capaces de apreciar desde el presente en su totalidad, en esta mañana de mayo junto al mar.

El film es el terror absoluto, al que el director nos obliga a mirar de frente en unas secuencias insoportables donde se narran al detalle los brutales asesinatos de un hombre que padece un trastorno obsesivo compulsivo. Perfecta es la interpretación de Matt Dillon, con todo lo que el calificativo significa en este contexto.

Las imágenes pueden herir verdaderamente la sensibilidad del espectador.

El film se estructura en cinco incidentes y un epílogo-catabasis conducidos por un diálogo en off entre el protagonista y un hombre denominado Verge. Parece que caminan juntos. Aunque las preguntas están permitidas, las respuestas sólo serán una posibilidad. Sin embargo, la escucha está garantizada. Es un discurso antiguo: el de la crueldad humana. Los incidentes son el relato de algunos de los crímenes cometidos por Jack. Comenzando con una descripción exhaustiva del primer encuentro, poco a poco la narración va aligerándose y las muertes se convertirán en algo anecdótico, si tal mostración de sadismo y vísceras puede denominarse así.

El deseo último de Jack es construir una casa propia (de ahí el título del film). Una casa que será derribada una y otra vez hasta la obra final.

La transición entre los incidentes, perversamente puntuados por la música y las imágenes en blanco y negro de un Glenn Gould absorto al piano, son una reflexión sobre el papel moral del objeto artístico, y del hecho creador como manifestación de grandes megalomanías en pro de lo bello. La búsqueda de un material con voluntad propia subyace en buena parte de este discurso, en el que Hitler es el principal epígono. Verge llegará a afirmar que Jack “lee el arte del mismo modo que el diablo lee la Biblia”.

Creo profundamente que Lars von Trier es el gran moralista de nuestro tiempo, una suerte de visionario como lo fueron otros grandes artistas, cineastas y pintores en esencia. ¿Deberíamos vetar hoy las Pinturas Negras de Goya?

Si la palabra, la fábula, los cuentos morales, no son suficientes para hacernos entender que el espacio interior, -del que por cierto también hablaba Bergman expresamente en el documental de Magnusson-, se ha de construir desde el bien, Lars von Trier, en absoluta contradicción con los discursos habituales, decide en La casa que construyó Jack azotar psíquicamente al espectador, insiste en trazar un camino a la inversa: es el asesino psicópata el que se siente como pez en el agua entre el horror del mundo, quien en sus instantes de lucidez, lo revela y describe ante el espectador impasible.

Señalar brevemente dos reflexiones especialmente emocionantes en el film: la primera nace de un castaño en el campo de concentración de Buchenwald. Este árbol fue testigo de los mayores horrores cometidos por el ser humano, pero también su sombra dio cobijo al pensamiento de uno de los grandes humanistas europeos, J.W.Goethe.

La segunda reflexión trata de la creación de iconos en nuestro imaginario; aquí se habla en concreto de los iconos de maldad y perversión que perviven en la memoria colectiva, sin ser muy conscientes de cuáles son las consecuencias de estos gestos . Valga como ejemplo el diseño del sonido de los bombarderos Stuke. Fue efectivamente un acto de guerra psicológico. También llamados “las trompetas de Jericó», helaban la sangre de los civiles. Nadie que los haya escuchado podría olvidarlos.

El sustrato del film sobre conceptos estrechamente ligados al cristianismo se enuncia expresamente. Bellísima la secuencia de la respiración de los espigadores donde se menciona la ausencia de castigo. Tampoco hay arrepentimiento, y por tanto, no habrá perdón.

El descenso a los infiernos y su sonido ensordecedor recuerda el final del Fausto de Sokurov, – también a alguna de las increíbles instalaciones de Bill Viola-. Es un final sin esperanza ninguna.

El puente que permitía salir del averno fue volado hace tanto tiempo que ni siquiera lo llegó a conocer el propio Verge.

El fuego eterno, la fascinación por esa luz oscura que se trasluce de los negativos fotográficos de Jack, terminará por devorarlo.

Ahora, Godard diría: À quoi ça sert, l’Amour? ( para qué sirve el Amor?)

Si este hubiera venido a Cannes, tendrían mucho de qué hablar.

Esmeralda Barriendos para zinema.com

El segundo documental dedicado a Ingmar Bergman en esta edición del Festival de Cannes se proyectó ayer tarde con la presencia en la sala de su directora, la gran cineasta Margarethe von Trotta, el grandísimo director de fotografía y también cineasta Stig Björkman presentados por Thierry Frémaux.

Bergman, que recibió la Palma de Palmas honorífica en el año 1997 es uno de los cineastas fundamentales de la historia del cine. Su trabajo artístico fue para sí mismo una suerte de terapia frente a la soledad confesa, a los terrores que le asaltaban en plena noche, en la hora del lobo.

El film de von Trotta recoge algo de material de archivo pero en esencia ofrece el testimonio de la propia directora, -cuyo film Los años del plomo, si no recuerdo mal se hallaba el primero entre la lista de las diez películas favoritas de Bergman según una edición del festival de cine de Göteborg en 1994-. Los encuentros de von Trotta con familiares, amigos, amantes, actores y cineastas que conocieron al maestro van dibujando el perfil del Bergman “personaje“: de cómo su obra fue reivindicada por los cineastas de la Nouvelle Vague, de su admiración por Sjöstrom a quien rindió un hermoso tributo en Fresas Salvajes, de su pasión por La carreta fantasma, que veía al menos una vez todos los veranos en su casa de Färo, de cómo Rashomon le inspiró El manantial de la doncella…

De especial interés son las aportaciones al film del crítico y cineasta francés Olivier Assayas, asi como de Jean-Claude Carrière.

El cine de Bergman en su origen está muy próximo a la idea de Dios aunque va evolucionando hacia el ser humano. Sus películas son una cuestión continua sobre la condición humana. Es el cine de la modernidad en el que principalmente los personajes son femeninos: Liv Ullman, Harriet Anderson, Ingrid Thulin, dieron vida a estas mujeres luminosas y libres que seguramente existían en la sociedad sueca pero sólo la sensibilidad de Bergman se atrevió a mostrar. Toda una novedad en aquellos días.

Siguiendo una cita de Büchner mencionada en el film, cada hombre es un abismo, da vértigo si se mira en su interior.

Von Trotta ha esbozado un delicado retrato de ese hombre frágil que nunca quiso abandonar el cuarto de su infancia.

Esmeralda Barriendos para zinema.com

Mirai es una delicada película de animación, que ha emocionado a los asistentes esta mañana, en el teatro de la Croissette.

Kun es un niño feliz hasta la llegada de Mirai, su hermana pequeña. Celoso del bebé que monopoliza la atención de sus padres, se encierra poco a poco en si mismo.

En el jardín donde se refugia a menudo, encuentra un árbol genealógico mágico.

De repente, Kun se encontrará en un mundo fantástico en el que se mezclan pasado y futuro. En el encontrará a sus parientes en las diferentes edades de la vida: su madre de niña, su bisabuelo en su trepidante juventud y su hermanita adolescente.

Kun descubrirá su propia historia a través de estas aventuras.

Mamoru Hosoda recoge el legado de Miyazaki y Takahata para regalarnos una pelicula entrañable en la que la fantasía se inscribe en la realidad como no puede ser de otro modo, fiel reflejo del universo de la infancia.

Esmeralda Barriendos

El director americano David Robert Mitchell, aclamado por la crítica gracias a su obra maestra de terror It Follows, llega al Festival de Cine de Cannes por primera vez con Under the Silver Lake, comedia negra que relata la búsqueda de Riley Keough por el protagonista, encarnado por Andrew Garfield, y aborda el tema de la iniciación y de la búsqueda de la madurez a través de un personaje en el paro y con un único sueño: el de convertirse en una celebridad. La repentina desaparición de su joven y enigmática vecina, abre para él una oportunidad de partir a la aventura lanzándose en su búsqueda. La jornada se completa con En Guerre (At War), drama social dirigido por Stéphane Brizé y protagonizado por Vincent Lindon, quien interpreta a uno de los empleados de la fábrica Perrin, cuya dirección decide proceder al cierre total de la planta a pesar de los grandes sacrificios financieros por parte de los empleados y de los extraordinarios beneficios de la empresa. Liderados por su portavoz sindical, los 1100 empleados, víctimas de acuerdos pisoteados y de promesas no cumplidas, rechazan esta decisión e intentan proteger su trabajo por todos los medios. Con esta película, rodada en 23 días, Brizé enfrenta dos puntos de vista, la dimensión humana frente a la dimensión económica, y analiza los fallos sociales y políticos del siglo XXI. Además, en la Quincena de los Realizadores, Arantxa Echevarría llega con su historia de amor de dos gitanas, Carmen y Lola, que es recibida con muchos aplausos en el primer pase oficial.

Spike Lee retorna al Festival de Cine de Cannes con el thriller BlacKkKlansman, que gira en torno al Ku Klux Klan. El director estadounidense adapta la historia de Ron Stallworth, un policía negro de Colorado Springs, infiltrado al más alto nivel en la organización xenófoba y publicada en 2014. La película, interpretada por John David Washington (hijo de Denzel Washington), narra la historia rocambolesca del detective que logró, hacia finales de los años 70, unirse a la estructura del Ku Klux Klan de su localidad y a través de muchas argucias, el afroamericano alcanzó la cima de la organización supremacista blanca fundada en 1865, logrando desenmascarar muchas de sus acciones, sin que nadie pusiera en duda el color de su piel. Por otro lado, Ryusuke Hamaguchi adapta una novela de Tomoka Shibasaki en Netemo Sametemo (Asako I & II), en la que relata la historia de una joven en contacto con un amor de doble cara. Dos años después de quedar desamparada por la pérdida de su primer gran amor, Asako conoce a su doble idéntico y se deja seducir. Sin embargo, poco a poco se da cuenta de que el hombre que ama ahora no se parece en nada al hombre que amó apasionadamente. Finalmente, fuera de competición, Cannes vuelve a declara «persona grata» a Lars Von Trier, quien presenta su último trabajo, The House That Jack Built, en la que conduce al espectador tras los pasos de un asesino en serie en los Estados Unidos de los años setenta. Jack, interpretado por Matt Dillon, quien concibe cada asesinato como una obra, fijándose como objetivo alcanzar la perfección absoluta con el último. El film está impregnado de violencia, pero también es un relato que coquetea con el cuento filosófico.

Con Manbiki Kazoku (Shoplifters), el director japonés Hirokazu Kore-Eda se aleja de las relaciones paterno-filiales para explicar la historia de Shibata Osamu (Lily Franky) y los suyos, conmocionados por su encuentro con Hojo Juri (Sasaki Miyu), una niña maltratada. La familia se vuelve a encontrar en el centro de su obra, aunque tal vez menos intimista y más iracundo que de costumbre. La presente jornada dominical del Festival de Cine de Cannes se completa en su sección oficial con la película de la joven cineasta italiana Alice Rohrwacher, Lazzaro Felice (Happy As Lazzaro), un delicado largometraje que traza un paralelo entre dos épocas gracias al viaje a través del tiempo de su antihéroe. En una aldea lejana de Italia vive Lazzaro, un joven campesino de cuya bondad se aprovechan todos los habitantes de la aldea. Un verano, Lazzaro entabla una amistad con el arrogante Tancredi, hijo de la marquesa propietaria de las tierras que cultivan los campesinos de la Inviolata. Esta amistad le llevará en un viaje a través del tiempo, al corazón del mundo moderno. El cierre semanal se produce la proyección de una versión restaurada de 2001: Una odisea en el espacio, de Stanley Kubrick, con motivo del cincuenta aniversario de su estreno. El Festival rememora la creación de esta película de culto que transformó para siempre el género de la ciencia ficción.

La jornada de este sábado está protagonizada por el ecuentro virtual con Jean-Luc Godard debido a que no se encuentra presente en esta edición del Festival de Cine de Cannes. «Yo soy un fabricante de películas«, afirma el cineasta a sus 87 años con su eterno puro en la mano. «Hay mucha piedad y poca inteligencia«, sentencia el realizador, para añadir que «hay que pensar con las manos y no solo con la cabeza«. Así mismo, y preguntado poe el rótulo «Homenaje a Cataluña» que aparece en su filme, Godard indica que «el cine como yo lo concibo es una pequeña Cataluña que tiene dificultades para existir«. En la sección oficial a concurso el iraní Jafar Panahi. vuelve a Cannes tras Esto no es una película (2011) con Se Rokh (3 Faces) en la que muestra el destino de tres actrices, tres mujeres de edades y trayectorias distintas que se entrecruza. Una de ellas, procedente de la época prerrevolucionaria, se ve obligada a dejar de actuar. La segunda es una estrella popular de la actualidad, conocida en todo el país, y la tercera es una joven en la flor de la vida, que desea ingresar en una escuela de teatro. Por otro lado, en Les Filles du soleil (Girls of the Sun), Eva Husson trata el tema de la reconquista desde la perspectiva de un batallón esencialmente femenino dirigido por Golshifteh Farahani. Husson ha reunido horas de testimonios para nutrir su relato, directamente inspirado en la actualidad reciente y muestra a las combatientes kurdas movilizadas contra el Estado Islámico en Irak y Siria.

Jean-Luc Godard vuelve a sus 87 años de edad a la sección oficial del Festival de Cine de Cannes con Le Livre d’image, una obra que sigue los pasos de sus anteriores ensayos cinematográficos, en la que a través de imágenes de ficciones y documentales, reflexiona, entre otros temas, sobre el mundo árabe. Retorna cincuenta años después de mayo del 68, donde fue uno de los agitadores que reclamó la anulación del Festival y se levantó en armas contra un cine desconectado de la realidad. Por otro lado, Jia Zhang-ke llega a la competición por quinta vez con Jiang Hu Er Nv (Ash Is The Purest White), una película sobre la mafia en que la heroína está encarnada por su actriz fetiche Zhao Tao. La historia de Qiao, el personaje protagonista, es la de una mujer en un mundo de hombres, un personaje complejo surgido de la imaginación de Jia Zhang-ke al hacer memoria sobre las escenas cortadas de sus películas precedentes con Zhao Tao. Finalmente, fuera de concurso, en un relato autobiográfico apasionante, Another Day of Life narra la pesadilla de la guerra angoleña en 1975 a través de los ojos de uno de los periodistas más grandes de la historia, el polaco Ryszard Kapuściński. En formato de documental y película de animación, se trata de una adaptación del libro Un día más con vida, la obra más personal del periodista convertido en escritor, realizada a lo largo de diez años por Raúl de la Fuente y Damian Nenow, que han trabajado codo con codo para contar esta historia real.

Cinco años después de Ida, Pawel Pawlikowski regresa al Festival de Cine de Cannes y al mismo periodo doloroso de la historia de su país. Zimna Wojna (Cold War) cuenta el idilio imposible de una pareja en un contexto político eléctrico, y retoma algunos preceptos visuales que contribuyeron a la magia de Ida. El largometraje ha sido rodado en blanco y negro y en un formato 4/3 entre París, Lodz y Wroclaw. En estos lugares acontece, entre 1949 y 1964, esta historia de amor apasionada pero imposible, en parte inspirada por la de los padres del director. En el reparto figura Joanna Kulig, que ya colaboró con Pawlikowski en La mujer del quinto (2011) e Ida, además de Agata Kulesza. Por otro lado, Christophe Honoré también vuelve a Cannes con El primer amor y el último amor, en la que muestra las primeras emociones amorosas para Arthur (Vincent Lacoste), estudiante bretón, y las últimas para Jacques (Pierre Deladonchamps), un escritor en el crepúsculo de la vida. Estos dos personajes se encuentran en el verano de 1990, en París, en un ambiente decididamente pop. En esta ocasión, Christophe Honoré incorpora su vida, su pasado y sus experiencias en el relato, invocando aquel estudiante bretón que solía ser en los años 1990, que leía a Jean-Luc Lagarce, escuchaba a Noir Désir, y vivía en contacto con el pánico del Sida.

“No hay un solo tema en Petra. Cada espectador lo definirá para sí mismo. Pero la identidad es importante. También el destino y el enfrentamiento entre el bien y el mal. La trama está impregnada de un hálito trágico a lo largo de todo el metraje. Si tuviera que resumir la temática de Petra, diría que es una película de búsqueda y redención.”(1)

Jaime Rosales ha vuelto de nuevo a Cannes. Su primer largometraje, Las Horas del Día, fue premio Fipresci en la Quincena de los Realizadores en 2003. La Soledad se presentó en el año 2003 en la sección Un Certain Regard. También sus filmes Sueño y Silencio (2012) y Hermosa Juventud (2014) se estrenaron aquí.

Me gustaría no desvelar siquiera el argumento. Porque Rosales, que experimenta continuamente con la forma, nos regala una composición temporal de una belleza extraordinaria. Y no saber nada, nada de nada de la trama, otorga al desarrollo de la película y a la emoción del espectador una fuerza inusitada.

En el coloquio posterior a la proyección en Cannes, y desvelando su método de trabajo, el director insiste en los continuos ensayos, haciendo las repeticiones necesarias hasta que los actores han interiorizado sus personajes de tal modo que, cuando la escena se filma, el guión desaparece y los diálogos son otros. Son los personajes descritos quienes al fin se encarnan en las voces y los gestos de los actores. Las escenas crean un mundo propio a partir de esa escritura inicial, pero en ellas prevalece la espontaneidad por encima de todo.

La gran Marisa Paredes ha confesado públicamente en el Teatro de la Croissette esta mañana que ha sido muy enriquecedor trabajar con Rosales, y que sus ensayos han sido sorprendentes.

Expresa Jaime Rosales la intención dramática del texto, en el que subyace la idea de tragedia griega, donde la sucesión hechos-deseos-consecuencias, viene determinada por una cierta fatalidad de destino. Pero todo su trabajo, según sus propias palabras al final de la proyección se asienta sobre dos pilares: el dramatúrgico (que permite el desarrollo del conflicto y los personajes) y un segundo aspecto, esencial, que es el fílmico. La pregunta es una: ¿qué puede hacer el cine para dar vida a este conflicto?

Aquí entra en juego toda la sabiduría, todas las señas de identidad del director. Esta búsqueda de los recursos fílmicos necesarios para expresar el conflicto en Petra, mantiene fuertes vínculos con otras películas anteriores del cineasta, no sólo en la elección de los actores sino esencialmente en la obsesión confesa de Rosales por el transcurso del tiempo en aquellos lugares donde los humanos ya no están, donde ya no se comparte ese tiempo común.

Esos espacios en los que discurre el tiempo de la ausencia es un rasgo que comparte con Ozu. Porque el maestro japonés también filmaba los espacios de la intimidad vacíos; la cámara permanecía en ellos de un modo menos señalado que en el cine de Rosales. También en sus encuadres tímidos los protagonistas solos, enmarcados por las puertas de las habitaciones, continuaban silenciosamente con sus rutinas diarias.

Pero en Petra, la cámara de Rosales es además pura magia. No era necesario que lo desvelara él mismo, pero hermosamente se ha referido a “la mirada del ángel”: esa certeza de que las cosas suceden por mediación de algo que no es del todo humano, esa compañía invisible, divinidad, ángel o fantasma… Esta es su cámara. La cámara y con ella, los lugares y las cosas, que guardan eternos el secreto de la tragedia. Lo inmanente del ser frente al desastre, y cómo no, frente a los instantes amorosos tan bellos que protagonizan Bárbara Lennie y Alex Brendemühl. Toda mi admiración hacia este último, uno de los grandes actores de nuestro cine. No se la pierdan.

(1) Fragmento de las declaraciones de Jaime Rosales para el dossier de prensa

Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Arrancan las proyecciones de la sección oficial a concurso tras la resaca inaugural con el cineasta ruso Kirill Serebrennikov, que filma la emergencia de la escena rock underground soviética a través del prisma de dos de sus iconos emblemáticos. Rodada en blanco y negro, Leto también narra las esperanzas de una generación en busca de un nuevo comienzo en los albores de la Perestroika. Dos años después de Uchenik (The student), una crítica incisiva contra el fanatismo religioso presentada en la sección «Una cierta mirada«, Serebrennikov vuelve con algo un poco más ligero para narrar la eclosión de este movimiento musical del que Viktor Tsoï y Mike Naoumenko fueron sus dos principales puntas de lanza. El rodaje de Leto tuvo que interrumpirse en sus últimos instantes, en agosto de 2017, tras el arresto y el posterior arresto domiciliario del director en Moscú por orden del poder ruso. Por otro lado, el cineasta egipcio Abu Bakr Shawky cuestiona la injusta marginación de los leprosos de su país en Yomeddine, una road-movie tragicómica repleta de historias auténticas, que cuenta la odisea de un enfermo sobre las huellas de su pasado. Tras pasar por el documental y los clips publicitarios, Abu Bakr Shawky aborda en su primer largometraje uno de los tabús de la sociedad egipcia. Rodada entre El Cairo y la frontera con Sudán, sobre las tierras remotas que bordean el río Nilo, Yomeddine basa su autenticidad en los bocetos de los retratos realizados por el cineasta en la leprosería de Abu Zaabal para su primera película: The Colony, un cortometraje documental acabado en 2008.

Un Tribunal rechaza la demanda de Paulo Branco y su sociedad de producción Alfama Films Production que pretendía prohibir la proyección de The Man Who Killed Don Quixote, de Terry Gilliam, en la velada de clausura del Festival de Cine de Cannes, el próximo sábado 19 de mayo. Las exigencias de indemnización han sido desestimadas, aunque los demandantes no han dudado en difamar al Festival tanto en la prensa como en las redes sociales, afirmando que los organizadores del mismo no tenían derecho a seleccionar el filme para presentarlo al púbico de Cannes. A través de su decisión, el juez ha confirmado que el Festival no ha pretendido en ningún momento estar por encima de la ley ni ha intentado imponerse por la fuerza.

En la provincia de Gansu, en el noroeste de China, los huesos de innumerables prisioneros fallecidos a causa del hambre hace más de sesenta años están esparcidos por el desierto del Gobi.

Tachados de “ultra-derechistas” durante la campaña política contra algunas gentes conservadoras en 1957, la inmensa mayoría murió en los campos de concentración, -denominados por el poder como campos de “reeducación”- en Jiabiangou y Mingshui.

La película, tan hermosa y tan dolorosa a un tiempo, nos propone un encuentro con los supervivientes de la barbarie: quiénes fueron estos desconocidos que narran ante la cámara las penurias que sufrieron, y cuál fue su desgraciado destino.

Este encuentro con el espectador fue filmado por el maestro Bing a lo largo del tiempo; al menos más de una década transcurre entre algunas de las entrevistas y su proyección hoy. Uno de los protagonistas, fue internado en uno de los campos exactamente tal día como hoy, -el de la proyección en el Festival de Cannes 2018-, hace 50 años.

Filmado con ese amor y esa cercanía de la que fueron precedentes, – al menos para la que esto escribe- los retratos de mujeres que registró la cámara de Alain Cavalier, las ocho horas de proyección transcurren en un estado de revelación del que sólo cierto cine es capaz; terroríficas son las descripciones de la mayoría de los supervivientes, salvados en su mayoría por trabajar en las cocinas, donde robaban un poco más de alimento, cantidades miserables.

La cámara de Bing les otorga el tiempo necesario para que sean sus gestos, sus rostros, los que nos sacudan con esa verdad del ser humano en su intimidad más impúdica y vulnerable. Así, la confesión no se limita en realidad a una exposición de los hechos, sino una suerte de almas desnudas.

Era tanto el hambre que los propios internos, que terminaban por dormir en pequeñas cuevas (trogloditas, eremitas) excavadas con sus propias manos, ocultaban la muerte de sus compañeros para obtener una ración extra de alimento. Esta declaración es en cierto modo similar a la del tirano de la gran novela de Gogol, Almas Muertas, de la que quizás toma el nombre sin saberlo. Aunque con un fin muy distinto, el Kane de Gogol compraba los nombres de los campesinos muertos para que el estado le asignara una extensión mayor de terreno.

Me invade una sensación extraña, por partida doble. Todos estos ancianos hablan de su suerte, puesto que salieron con vida de semejantes actos de crueldad. Pero cuando la cámara de Bing los muestra hoy, nos desvela que todos han muerto, que este discurso tan intensamente doloroso, tan revelador de una deshumanización absoluta, ha concluido para siempre. “La vida es un circo”, afirma uno de ellos.

Por otra parte, el film muestra con certeza que la fuerza del pensamiento de algunos de los supervivientes mantiene una estrecha relación causa-efecto con el hecho de seguir con vida: la mente vuela por encima de los acontecimientos. Esas declaraciones extraordinarias tan vinculadas al pensamiento mágico, – a la fe, al destino, al amor-, son las que les han permitido volver a estar hoy aquí, en la sala de la Soixantième de Cannes, entre nosotros. Perdurarán en nuestra memoria.

Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Treinta y seis años después de la proyección de 1982, que fue decisiva para la película y para la trayectoria de su autor, A Ilha dos Amores (La Isla de los Amores) vuelve a Cannes como un “clásico”. Hay que celebrar este regreso, recordando su modernidad radical y ese gesto inmenso de cine poético que subraya tanto la singularidad de un contexto (el cine portugués en los años siguientes a “la revolución de los claveles” y las creaciones auténticamente libres de algunos de sus principales cineastas) como la filmografía extraordinaria de su autor.

Esta proeza cuya preparación duró una década y media, es el punto de partida de los caminos que constituyen la base de la obra de Paulo Rocha, fundador del “Cinema Novo” portugués que desde su origen se sintió atraido por las pulsiones al límite de la cultura popular por una parte, y por otra, por la cultura asiática, principalmente la japonesa.

Rodada en Japón y Portugal, preparada durante más de una década, el autor trata en esta película la vida y obra de una de las figuras históricas que más le atraían, el escritor y oficial de marina Wenceslao de Moraes (muerto en Japón en 1929). Es decir, tal y como sucede con frecuencia en el cine de Rocha, alguien que representa una ambición humana y cultural que no se restringe a las fronteras del propio país, y permite al cineasta afrontar tensiones propias, siempre dividido entre sus fuertes raíces locales y la necesidad de alejamiento de las mismas.

Es uno de los ejemplos de puesta en escena, de dirección rigurosa y sofisticada de Rocha, así como uno de los grandes trabajos del actor Luis Miguel Cintra, un gran nombre del teatro portugués de las últimas décadas; su cuerpo y su voz se hallan en el corazón del cine portugués de la modernidad.

Traducción del texto introductorio de José Manuel Costa. Director de la Cinemateca Portuguesa-Museu do Cinema.

Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Beatriz Moreno
P H O T O G R A P H E
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La 71 edición del Festival de Cine de Cannes comienza con la producción española español Todos lo saben, dirigida por el iraní Asghar Farhadi y protagonizada por Javier Bardem, Penélope Cruz, Ricardo Darín, Eduard Fernández y Bárbara Lennie, que desfilan por la alfombra roja. El escándalo Weinstein que sigue latiendo y podría ser la consecuencia del significativo acento feminista de esta edición; la ausencia de Netflix en la sección oficial; la prohibición de hacerse selfies en la alfombra roja y la nueva normativa para la prensa acreditada en favor del público marcan el arranque de la presente edición. La presencia de producciones españolas alcanza un mayor protagonismo este año con sendas películas en la inauguración, Todos lo saben, y clausura, El hombre que mató a Don Quijote, de Terry Gilliam. Fuera de competición se estrena Un día más con vida, del español Raúl de la Fuente y el polaco Damian Nenow, y a la Quincena Jaime Rosales, llega Petra, mientras que Arantxa Echevarría presenta Carmen y Lola, los amores lésbicos de dos chicas gitanas. El jurado, presidido por la actriz Cate Blanchett y con mayoría de representación femenina, está conformado por las actrices Kristen Stewart y Léa Seydoux, la guionista Ava DuVernay y la cantante Khadja Nin; así como el actor Chang Chen y los directores Andrei Zviaguintsev, Denis Villeneuve y Robert Guédiguian. Édouard Baer, excéntrico maestro de ceremonias, marca el tono del certamen con una edición que se presenta fresca y sorprendente. En el programa: 21 películas, 14 nacionalidades, nuevos rostros y homenajes a los grandes del cine.

Sección oficial CANNES 2018

• Ahlat Agaci, del Nuri Bilge Ceylan
• Ash Is Purest White, de Jia Zhang-Ke
• At War, de Stéphane Brizé
• Ayka, de Sergey Dvortsevoy
• BlacKkKlansman, de Spike Lee
• Burning, de Lee Chang-dong
• Capernaum, de Nadine Labaki
• Cold War, de Pawel Pawlikowski
• Dogman, de Matteo Garrone
• Girls of the Sun, de Eva Husson
• Lazzaro Felice, de Alice Rohrwacher
• Le Livre d’Image, de Jean-Luc Godard
• Netemo Sametemo: Asasko I & II, de Ryusuke Hamaguchi
• Shoplifters, de Kore-Eda Hirokazu
• Sorry Angel, de Christophe Honoré
• Summer, de Kirill Serebrennikov
• Three Faces, de Jafar Panahi
• Un couteau dans le coeur, de Yann González
• Under the Silver Lake, de David Robert Mitchell
• Yomeddine, de A.B. Shawky

El Festival de Cine de Cannes se posiciona en favor del director británico Terry Gilliam en el conflicto que mantiene con el ex productor Paulo Branco, y denunció las «intimidaciones» de este para que El hombre que mató a Don Quijote no se proyecte en la clausura del certamen. Alfama Films, controlada por Branco y antigua productora del proyecto de Gilliam, ha solicitado al juez que prohíba la exhibición del filme porque, en su opinión, viola los derechos de difusión de la obra. El Festival, según el comunicado firmado por su presidente, Pierre Lescure, y su delegado general, Thierry Frémaux, «respetará la decisión» del tribunal que resolverá sobre esta demanda el próximo 7 de mayo «sea cual sea«, pero reitera su apoyo a Gilliam. Los representantes del certamen destacan que los abogados de Branco les han prometido una «derrota deshonrosa«, y dijeron que la única derrota «sería ceder a la amenaza«. Paulo Branco, por su parte, afirma que «el Festival de Cine de Cannes no está por encima de la ley y la virulencia y agresividad mostrada no cambiará nada«, en un comunicado enviado por su productora Alfama Films, con sede en París. Branco recuerda que ya hay tres decisiones judiciales favorables a su versión y refuta que haya intimidado a nadie por el hecho de recurrir a los tribunales. El productor juzga además «indecente» que Cannes haya comparado la situación de Gilliam con la de directores perseguidos en sus países por su forma de pensar.

Las autoridades kenianas han prohibido el estreno de una película cuya trama gira en torno a una historia de amor entre dos mujeres y que se estrenará en el Festival de Cine de Cannes, dentro de la sección «Una cierta mirada» y han justificado su decisión con el argumento de que la cinta promociona el lesbianismo. El filme, titulado Rafiki, una palabra que significa «amigo» en suajili, se convirtió esta semana en la primera película keniana en recibir una invitación para participar en el prestigioso festival de cine francés. Sin embargo, el Consejo de Clasificación de Películas de Kenia ha anunciado este viernes que prohíbe su estreno. «Cualquier persona a las que las autoridades encuentren en posesión de una copia de esta película estará violando la ley«, asegura el Consejo en un mensaje de Twitter. Para implementar esta medida, el organismo se ha basado en una ley de la época colonial bajo la cual el sexo entre personas del mismo sexo está penado con hasta 14 años de cárcel. «Estoy bastante decepcionada ya que los kenianos ya tienen acceso a contenido LGBT en Netflix y en filmes extranjeros y el contenido en sí está permitido por la clasificación del Consejo«, se lamenta la directora de la película, Wanuri Kahiu. «Así que el hecho de que prohíban una película keniana porque trata un tema que está teniendo lugar en la sociedad parece una contradicción«, añade la cineasta.

Cannes Classics continúa su trabajo de exploración de la historia del cine, con documentales producidos en 2018 y largometrajes presentados por productores, distribuidores, fundaciones, cinematecas, propietarios de derechos que trabajan por preservar el pasado para revivirlo en el presente, al proyectar películas del patrimonio en versión restaurada 2K y 4K o una recreación fotoquímica excepcional. Los protagonistas de la presente edición serán dos mujeres de la historia del cine, Alice Guy y Jane Fonda, los 50 años de 2001: Una odisea del espacio vistos por Christopher Nolan, un ensayo de Mark Cousins sobre Orson Welles, el homenaje a Bergman de Margarethe von Trotta, Fernando Solanas y La hora de los hornos: Notas y testimonios sobre el neocolonialismo, la violencia y la liberación, el reestreno de Cinq et la peau de Pierre Rissient, el patrimonio africano, tesoros desconocidos y obras maestras reconocidas. La mayoría de las películas se proyectarán en la sala Buñuel, la sala Soixantième o en el Cine de la Playa. Todas las proyecciones serán presentadas por directores, artistas o responsables de las restauraciones, o bien por profesionales procedentes de los archivos o de las cinematecas.

Para celebrar el 50 aniversario de la película de Stanley Kubrik 2001: Odisea del espacio, Christopher Nolan, director de Dunkerque, presenta una restauración de la famosa cinta de ciencia ficción tomada de los negativos originales de la película de 1968. De esta forma, el director británico ha conseguido una versión en alta resolución que se proyectará el próximo 12 de mayo en el Festival de Cine de Cannes. En la web del filme, Nolan deja un comunicado en el que asegura que «esta impresión de 70 mm surgió de nuevos elementos de impresión a partir de los negativos originales» y añade que es una » verdadera recreación de los negativos«. Después de su proyección en Cannes, el filme iniciará una gira por Estados Unidos aunque todavía se desconocen las fechas y los lugares de proyección de la misma.

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El director danés Lars von Trier, que en 2011 fue declarado por el certamen «persona non grata» por sus comentarios sobre Hitler en la rueda de prensa de presentación de su filme Melancholia, volverá en esta edición del Festival de Cine de Cannes con un filme fuera de competición. El cineasta presentará The house that Jack built, una cinta de horror psicológico protagonizada por Matt Dillon y Uma Thurman. El avance de su vuelta en la 71 edición, que se celebrará entre los próximos 8 y 19 de mayo, se produce dentro del anuncio de los filmes que completarán la selección oficial. En competición, se añaden Un couteau dans le coeur, del francés Yann González, con Vanessa Paradis; Ayka, del kazajo Sergey Dvortsevoy, y Ahlat Agaci, del turco Nuri Bilge Ceylan, Palma de Oro en 2014 por Winter Sleep. La competición contará en total con 21 filmes.

El hombre que mató a Don Quijote, la película maldita de Terry Gilliam, clausurará de su 71º edición del Festival de Cine de Cannes fuera de concurso el 19 de mayo. El filme, que se rodó en parte en Fuerteventura el pasado 2017, en los municipios de La Oliva y Tuineje, y en el que participa la productora española Tornasol Films, presenta a Jonathan Pryce en el papel de Don Quijote de la Mancha y a Adam Driver como su fiel escudero Sancho Panza, pero su trama borda un trasunto metacinematográfico de los propios avatares de Gilliam en el rodaje. Gilliam comenzó a trabajar en una versión libre de la obra cumbre de Cervantes a finales de los 90, pero una sucesión de catastróficas desdichas se confabuló en su contra en el transcurso de los años, desde desacuerdos económicos a batallas legales, contratiempos con los sets y hasta una doble hernia discal de quien iba a ser su actor principal, el francés Jean Rochefort.

El director ruso de cine y teatro Kiril Serébrennikov no podrá acudir al Festival de Cine de Cannes, donde competirá por la Palma de Oro con Leto (El verano), debido a que la Justicia prolonga su arresto domiciliario hasta el 19 de julio. Un tribunal de Moscú satisfiza así las demandas de la Fiscalía y del Ministerio de Cultura contra Serébrennikov, cuyo arresto concluía mañana, jueves. Previamente, las autoridades únicamente permitieron al director abandonar su arresto en febrero pasado para asistir al funeral de su madre. El director del certamen francés, Thierry Frémaux, podría pedir en los próximos días al presidente ruso, Vladímir Putin, que permitiera al director acudir a Cannes. Serébrennikov, que fue detenido en agosto de 2017 y ha recibido el apoyo de numerosas personalidades de la cultura rusas y extranjeras, niega las acusaciones, que considera una «tremenda injusticia«.

Frente a una competición con un perfil renovado, que presenta cineastas que acuden por primera vez, el jurado de la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 8 al 19 de mayo, estará formado por cinco mujeres y cuatro hombres, procedentes de siete nacionalidades y cinco continentes, bajo la presidencia de Cate Blanchett. Le acompañarán en las deliberaciones a Blanchett la directora y productora estadounidense Ava DuVernay, la autora, compositora y cantante de Burundi Khadja Nin, y dos actrices, la estadounidense Kristen Stewart y la francesa Léa Seydoux, que recibió la Palma de Oro en 2013 por La vida de Adèle. También formarán parte el actor taiwanés Chang Chen y tres directores, el ruso Andrey Zvyagintsev, el francés Robert Guédiguian y el canadiense Denis Villeneuve.

Los cineastas españoles Jaime Rosales y Arantxa Echevarría figuran entre los seleccionados para la próxima edición de la Quincena de Realizadores, integrada dentro de Festival de Cine de Cannes, y que este año celebra su 50ª edición. Se trata de la quinta participación de Rosales en el Certamen tras debutar en 2003 con su primer largometraje, Las horas del día. En esta ocasión exhibirá Petra, filme protagonizado por Bárbara Lennie, Àlex Brendemühl y Marisa Paredes, que narra la historia de una búsqueda convertida en tragedia, un camino cruel y sin retorno hacia la verdad que desata una espiral de maldad, secretos familiares y violencia para sus protagonistas. Según los organizadores del certamen ha sido seleccionada porque ofrece «una visión inédita de España«. Por su parte, la bilbaína Echevarría proyectará su ópera prima, Carmen y Lola, un filme de amor entre dos adolescentes gitanas que luchan por sacar adelante su relación a pesar de las discriminaciones sociales en una cultura donde la homosexualidad es un tabú.

Largometrajes seleccionados

• Pájaros de verano, de Ciro Guerra & Cristina Gallego (inauguración)
• Amin, de Philippe Faucon
• Climax, de Gaspar Noé
• Carmen y Lola, de Arantxa Echevarria
• Cómprame un revólver, de Julio Hernández Cordón
• Les Confins du monde, de Guillaume Nicloux
• El motoarrebatador, de Agustín Toscano
• En liberté!, de Pierre Salvadori
• Joueurs, de Marie Monge
• Leave No Trace, de Debra Granik
• Los silencios, de Beatriz Seigner
• The Pluto Moment (Ming Wang Xing Shi Ke), de Ming Zhang
• Mandy, de Panos Cosmatos
• Mirai, de Mamoru Hosoda
• Le Monde est à toi, de Romain Gavras
• Petra, de Jaime Rosales
• La Strada dei Samouni, de Stefano Savona
• The Load, de Ognjen Glavonic
• Dear Son, de Mohamed Ben Attia
• Troppa grazia, de Gianni Zanasi (clausura)

La 57 Semana de la Crítica anuncia los siete títulos que conformarán la sección oficial de este año y que se celebrará del 9 al 17 de mayo durante el 71 Festival de Cine de Cannes. El delegado general Charles Tesson anuncia las películas en competición, cinco de ellas óperas primas, que serán juzgados por el jurado presidido por Joachim Trier. La selección del 2018 cuenta con cuatro largometrajes fuera de competición: Shéhérazade, del francés Jean-Bernard Marlin y Nos bataille,s del belga Guillaume Senez que se verán en dos proyecciones especiales, mientras que Wildlife, el debut como director del actor estadounidense Paul Dano, será la película de inauguración, y la comedia Guy, del francés Alex Lutz, la de clausura.

Competición

• Chris the Swiss, de Anja Kofmel (Suiza, Croacia, Alemania, Finlandia)
• Diamantino, de Gabriel Abrantes & Daniel Schmidt (Portugal, Francia, Brasil)
• One Day, de Zsófia Szilágyi (Hungría),
• Fugue, de Agnieszka Smoczyńska (Polonia, República Checa, Suecia)
• Woman at War, de Benedikt Erlingsson (Islandia, Francia, Ucrania)
• Sauvage, de Camille Vidal-Naquet (Francia)
• Sir, de Rohena Gera (India, Francia)

Jean-Luc Godard figura entre los seleccionados dentro de la sección oficial de la 71 edición del Festival de Cine de Cannes. El delegado general del certamen, Thierry Frémaux, señala en la rueda de prensa que Godard presentará Le livre d’image en una edición en la que el cartel es una escena de otra de sus película, Pierrot el loco. También destaca la presencia de Jia Zhang-Ke, con Ash Is Purest White; Spike Lee, con BlacKkKlansman; Hirokazu Kore-Eda, con Shoplifters; y Jafar Panahi, con Three Faces. Los organizadores visionaron un total de 1906 largometrajes para hacer su criba y, según Frémaux, el conjunto refleja bien la vitalidad del arte cinematográfico. La edición de este año ha estado marcada por la decisión de Cannes de que los filmes de plataformas audiovisuales solo puedan estar presentes en los apartados de fuera de competición a no ser que estrenen sus proyectos en salas de cine de Francia. Esto llevó este miércoles a Netflix a anunciar que no exhibirá sus películas este año, alegando su voluntad de que sus películas estén en igualdad de condiciones que el resto. La 71 edición del certamen se celebrará entre los próximos 8 y 19 de mayo y el jurado de su competición oficial estará presidido por la actriz y productora australiana Cate Blanchett.

Sección oficial CANNES 2018

• Ash Is Purest White, de Jia Zhang-Ke
• At War, de Stéphane Brizé
• BlacKkKlansman, de Spike Lee
• Burning, de Lee Chang-dong
• Capernaum, de Nadine Labaki
• Cold War, de Pawel Pawlikowski
• Dogman, de Matteo Garrone
• Girls of the Sun, de Eva Husson
• Lazzaro Felice, de Alice Rohrwacher
• Le Livre d’Image, de Jean-Luc Godard
• Netemo Sametemo: Asasko I & II, de Ryusuke Hamaguchi
• Shoplifters, de Kore-Eda Hirokazu
• Sorry Angel, de Christophe Honoré
• Summer, de Kirill Serebrennikov
• Three Faces, de Jafar Panahi
• Under the Silver Lake, de David Robert Mitchell
• Yomeddine, de A.B. Shawky

Después de que Thierry Frémaux, director del Festival de Cine de Cannes, anunciase que Netflix no podría participar en la sección oficial, la plataforma de streaming rompe relaciones definitivamente con el Certamen. La ruptura se confirma en una entrevista en la revista especializada Variety, en la que el director de contenidos de Netflix,Ted Sarandos, asegura que la compañía retirará todas las producciones previstas para esta 71 edición, que se celebrará del 8 al 19 de mayo y cuya selección oficial se conocerá mañana jueves, debido a la estricta reglamentación del certamen francés. En la conversación, Sarandos se refiere en concreto a la nueva regla decretada por el certamen que impide que un filme que no haya sido estrenado en los cines de Francia pueda participar en la competición. La polémica renace un año después de que la plataforma fuera duramente criticada por presentar al certamen dos cintas (Okja, de Bong Joon-ho y The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach) que se estrenaron con su protocolo habitual: prioridad absoluta del lanzamiento online, y debut en salas muy reducido o casi inexistente. Netflix dice no tener inconveniente en estrenar sus producciones en las salas francesas, pero no a que haya un plazo de 36 meses para que estén disponibles en streaming, lo que es impensable para la forma de actuar del servicio estadounidense y su modelo de negocio.

Netflix amenaza con no participar este año en el Festival de Cine de Cannes después de que el certamen modificara su normativa, exigiendo a todas las películas que contasen con distribución en salas francesas El 12 de abril Cannes anunciará las películas que conformarán su sección oficial y queda por ver la forma en que se resolverá esta nueva polémica, sobre todo teniendo en cuenta cómo la plataforma de vídeo en streaming está atrayendo cada vez a más cineastas de primer nivel. El año pasado, Netflix contó con dos películas entre las candidatas a llevarse premios en Cannes: The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach y Okja, de Bong Joon-Ho. El director ejecutivo de Netflix, Reed Hastings, se ha pronunciado al respecto de la polémica en Facebook: «El cierre del Festival ha sido en nuestra contra. Puedes ver Okja en Netflix, una película magnífica que los cines quieren bloquearnos para que no seamos competencia en Cannes«.

El nuevo filme del director iraní Asghar Farhadi, Todos lo saben, inaugurará el próximo 8 de mayo la 71ª edición del Festival de Cine de Cannes. La película está protagonizada por Penélope Cruz, Javier Bardem, Ricardo Darín y Eduard Fernández y es el segundo título rodado en castellano en inaugurar el festival después de que La mala educación, de Pedro Almodóvar, hiciera lo propio en 2004. Farhadi, que rodó la película en diferentes localizaciones de Madrid ya había presentado anteriormente dos películas en competición en la Croisette, El viajante en 2016 y El pasado en 2013. La película relata la historia de Carolina, quien viaja con su familia desde Buenos Aires a su pueblo natal en España para una celebración. Lo que iba a ser una breve visita familiar se verá trastocada por unos acontecimientos imprevistos que cambiarán por completo sus vidas. El Certamen se celebrará del 8 al 19 de mayo y en su 71ª edición el jurado estará presidido por Cate Blanchett. Así mismo, se anuncia que el actor Benicio del Toro presidirá el jurado de la sección «Una cierta mirada».

Cannes Classics presentará, en primicia mundial, la versión original en 70mm de la película de Stanley Kubrick que revolucionó la ciencia ficción, 2001: Una odisea del espacio. La proyección, que tendrá lugar el sábado 12 de mayo de 2018, será presentada por Christopher Nolan. Miembros de la familia de Stanley Kubrick también asistirán a la proyección; entre ellos, su hija Katharina Kubrick y su coproductor de toda la vida y cuñado, Jan Harlan. Christopher Nolan también participará en una clase magistral el domingo 13 de mayo de 2018, en el transcurso de la cual abordará su filmografía y compartirá su pasión por la singular obra de Stanley Kubrick. Por primera vez desde su estreno inicial, se ha confeccionado una copia nueva en 70mm a partir de elementos del negativo original. Se trata de una recreación fotoquímica fiel, sin retoques digitales, efectos remasterizados o modificaciones de montaje. La que se presentará será la versión original, con el objetivo de recrear la experiencia cinematográfica que vivieron los primeros espectadores de la película hace 50 años.

La crítica internacional manifiesta su preocupación ante la posibilidad de que en la 71 edición del Festival de Cine de Cannes los filmes en competición por la Palma de Oro no se puedan ver antes del estreno. La Federación Internacional de Críticos de Cine (Fipresci) se suma a la inquietud ya expresada por el sindicato francés de críticos sobre el posible fin de las proyecciones previas para la prensa en el Certamen, que en su opinión dificultará su labor. Fipresci publica una carta dirigida a los organizadores para hacerse eco de la preocupación de sus asociaciones miembro, representantes de 52 países. «¿Podrían ser tan amables de informarnos con detalle sobre cómo serán programadas las proyecciones de prensa este año?«, pide Fipresci en la misiva dirigida a Thierry Frémaux, delegado general del Festival, y al servicio de prensa del certamen. Los críticos «deben ser informados lo más rápidamente posible con el fin de adaptarse a los cambios y tomar las medidas» necesarias para no retrasar la difusión de sus artículos, reza la carta. Alin Tasciyan, presidenta de la Fipresci, sugiere en ella «imponer un embargo» para la publicación de artículos sobre las películas que se estrenan diariamente, de manera que se puedan mantener las proyecciones previas para la prensa.

El director del Festival de Cine de Cannes, Thierry Fremaux, confirma que Netflix no podrá competir por la Palma de Oro en Cannes. «A la gente de Netflix le encantó la alfombra roja y le gustaría estar presente con otras películas. Pero entienden que la intransigencia de su propio modelo es en estos momentos el opuesto al nuestro«, explica Fremaux en declaraciones a The Hollywood Reporter. Así mismo, señala que tanto Netflix como otras plataformas de streaming podrán presentar sus proyectos en el marco del prestigioso festival, pero siempre fuera de competición. Una decisión que llega después de que el año pasado se formase un gran revuelo cuando la dirección permitió entrar en competición a cintas como Okja, de Bong Joon-ho, o The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach. «El año pasado, cuando seleccionamos estas dos películas, pensé que podría convencer a Netflix para lanzarlas en los cines. Yo era presuntuoso… Se negaron«, confiesa Fremaux admitiendo que subestimó las pretensiones de Netflix.

El Festival de Cine de Cannes decidido prohibir los selfies en los desfiles por la alfombra roja que preceden a la proyección de las películas más esperadas de cada edición, según anuncia su delegado general, Thierry Frémaux. Hace tres años, Frémaux pidió públicamente que las estrellas e invitados que pasaran por la alfombra roja no se unieran a esa costumbre «extremadamente ridícula y grotesca«, que además ralentizaba el estricto horario de la organización. Frémaux lamentó entonces que quienes pasaban por la alfombra se pararan cada dos metros «para hacerse una foto de sí mismos«, pero dado que su recomendación no tuvo el efecto deseado, ahora ha decidido prohibir esta práctica, según señala el responsable de Cannes en una entrevista publicada hoy por la revista Le Film Français. La edición de este año contará con más novedades, como el adelanto de su comienzo en un día (el martes) para que así los premios se entreguen en sábado y no en domingo como hasta ahora, lo que dará más visibilidad a la gala. También eliminará los pases para la prensa y público antes del estreno de las películas por la noche, de forma que esa proyección de gala, precedida por el desfile por la alfombra roja, sea el estreno mundial del filme.

La actriz Cate Blanchett será la encargada de presidir el jurado en el Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 8 al 19 de mayo. La artista australiana sucederá así al director español Pedro Almodóvar, que presidió el Certamen el año pasado. Blanchett es la duodécima mujer presidente del jurado de Cannes, cuatro años después de la realizadora neozelandesa Jane Campion (la única directora en ganar una Palma de Oro en toda la historia del festival). «Voy a Cannes desde hace años como actriz, como productora, para las noches de gala y por las sesiones de competición, incluso por el mercado. Pero todavía no había ido por el mero placer de aprovechar la abundancia de películas de este gran festival«, declara la actriz en un comunicado. «Estamos muy felices de acoger a una artista singular cuyo talento y convicciones irrigan las pantallas de cine y los escenarios de teatro. Nuestras conversaciones, este otoño, avanzan que será una presidenta comprometida, una mujer apasionada y una espectadora generosa«, afirman Pierre Lescure, presidente del Festival, y Thierry Frémaux, delegado general.

Pierre Lescure, presidente del Festival de Cine de Cannes anuncia a través de un comunicado el cambio de fechas de la celebración de su 71 edición, que se adelanta un día y será del próximo 8 al 19 de mayo, para impulsar su visibilidad. El pasado mes de junio, se anunció que el Certamen iba a tener lugar entre el 9 y el 20 de mayo. El nuevo calendario, según la nota, permite reequilibrar las dos semanas de duración y dinamizar su desarrollo. «El Festival abre un nuevo periodo de su historia. Pretendemos renovar lo más posible los principios de nuestra organización al mismo tiempo que seguimos interrogándonos sobre el cine de nuestra época y acompañando sus transformaciones«, asegura Lescure. La organización valoró que empezar un martes en lugar del miércoles previsto anteriormente, hace que puedan añadir una velada de gala antes de su primer fin de semana y organizar preestrenos en toda Francia, con la película de apertura. El festival añade que revelar la Palma de Oro y el resto del palmarés en sábado y no en domingo incrementará su prestigio, al mismo tiempo que el filme de clausura, tendrá mayor repercusión.

La comedia The Square, dirigida por el sueco Ruben Östlund, consigue la Palma de Oro del 70º Festival de Cine de Cannes. Así mismo, el Gran Premio del Jurado, presidido por Pedro Almodóvar, es para la película sobre el sida 120 pulsaciones por minuto, de Robin Campillo; el Premio del Jurado para Nelyubov, de Andréi Zyvagintsev; la Mejor dirección recae en Sofia Coppola, por La seducción; Mejor actor, Joaquin Phoenix, por You Were Never Really Here; Mejor actriz, Diane Kruger, por In the Fade, y Nicole Kidman es distinguida con el Premio Especial de esta 70 edición. Por otro lado, hay que mencionar que el premio al descubrimiento en la sección de cortometraje de la Semana de la Crítica es para la española Laura Ferrés por Los desheredados.

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La defensa del dragón es una bella película colombiana que tuve la oportunidad de ver estos días durante el Festival de Cine de Cannes, en la sección de la Quincena de los Realizadores.

Primer largometraje de la directora Natalia Santa, el film recibe su nombre de una popular jugada de ajedrez denominada “la defensa siciliana variante del dragón”. Dicen que esta jugada tiene un carácter agresivo y peligroso, algo que no es de ningún modo la vida ni el carácter de los tres personajes protagonistas: tres hombres solos unidos por la pasión del ajedrez, que pasan la vida entre el Casino Caribe, la cafetería La Normanda y el Club Lasker, en el corazón de Bogotá.

El ritmo de la película señala con acierto la monotonía que impregna sus vidas, en la que los personajes se hallan realmente cómodos, al margen de un denostado progreso, y sólo sufrirá alguna modificación cuando su día a día se vea sometido a pequeños cambios.

Con un humor muy fino, es casi imposible no pensar en una cierta influencia del mundo de Kaurismaki, que alcanza incluso a la música del film. De Finlandia a Colombia. A señalar la brevedad de las escenas durante una buena parte de la película,  desde su inicio, algo que realmente supone un intencionado ejercicio de estilo.

Natalia Santa, que embargada por la emoción apenas pudo pronunciar unas palabras durante la presentación del film en el Teatro de la Croissette, se inspiró en unas fotografías tomadas por su marido de algunos lugares del centro de Bogotá que parecen anclados en el tiempo, y en las personas que habitan en ellos.

Una sabia elección de los actores, una acertada fotografía, encuadres que desvelan el detalle que habla de esos ambientes sin necesidad de insertos innecesarios. Una película sencilla para disfrutar del cine de la calle, de la vida.

La edición de esta película ha corrido a cargo de nuestro querido Juan Soto.

Esmeralda Barriendos

Concluyen las proyecciones de la sección oficial a concurso con You were really never here, de la realizadora escocesa Lynne Ramsay, protagonizada por el actor Joaquin Phoenix y que ha resultado un grata sorpresa. En su nuevo largometraje, una historia oscura adaptada de la novela del mismo nombre de Jonathan Ames, Lynne Ramsay evoca la relación entre los niños y los adultos, un tema que ya había tratado en Tenemos que hablar de Kevin, que hablaba de la relación ambigua entre una madre y su hijo violento. «La mayoría de realizadores tienen un acercamiento un poco psicológico, se interesan en la condición humana porque estamos en una época muy traumatizante, pero yo lo que quiero es acercarme a los personajes, a sus defectos y esta ha sido una excelente oportunidad para hacerlo«, señala Ramsay. Fuera de competición, Roman Polanski adapta en D’après une histoire vraie (Según una historia verdadera) el best-seller del mismo título de Delphine de Vigan, para narrar la intimidad repentina y tóxica entre dos mujeres: Delphine, interpretada por Emmanuelle Seigner, y Elle, un inquietante personaje interpretado por Eva Green.

La película The Rider, de Chloé Zhao, obtiene el «Art Cinema Award» de la Quincena de los Realizadores, principal reconocimiento de este apartado no competitivo del Festival de Cine de Cannes. En la película una estrella del rodeo y entrenador de caballos intenta controlar su propio destino a través de la búsqueda de una nueva identidad después de un aparatoso accidente. El filme está dirigido la también escritora Chloé Zhao, quien debutó en el largometraje en 2015 con Songs My Brothers Taught Me premiada en el Festival de Cine de Sundance. El «premio SACD», concedido por la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos a un filme de habla francesa, es concedido «ex aequo» a L’Amant d’un jour, de Philippe Garrel, y Un beau soleil intérieur, de Claire Denis y protagonizado por Juliette Binoche. Y por último, el «Label Cinema Europa», en el que los miembros de la red de distribuidores Europa Cinemas distinguen a una película europea, es entregado a A Ciambra, de Jonas Carpignano, mientras que Benoît Grimalt obtiene por Retour à Genoa City el Premio Illy al mejor cortometraje.

François Ozon combina tensión psicológica y sexual en su tercera película en competición en el Festival de Cine de Cannes, L’Amant double. En su octavo largometraje, Ozon narra la historia de Chloé, una joven frágil que comienza un tratamiento de psicoterapia y se enamora de Paul, su terapeuta. A los meses de haber comenzado una relación se van a vivir juntos, pero el idilio se transforma en sospechas cuando Chloé descubre que Paul le ha ocultado una parte de su identidad. Por otro lado, el director alemán de origen turco Fatih Akin, presenta Aus Dem Nichts (In the Fade), un thriller dramático encabezado por Diane Kruger. Es en Hamburgo, su ciudad natal, en el corazón de la comunidad turca, donde Akin sitúa la intriga de su película. Narra la historia de Katja, una joven alemana cuya vida se hunde el día que su marido y su hijo pierden la vida en un atentado con bomba. Desolada por este evento trágico, Katja decide vengarse.

En un primer momento, Sergei Loniztsa deseaba contar el destino de una mujer, cuyo esposo está cumpliendo condena en prisión. Ella le envía un paquete que le es devuelto. Sin entender a qué se ha debido, decide ir en busca de la respuesta y así, da comienzo la película.

En palabras del director, el film tiene poco que ver con el relato breve de Dostoievski titulado La Dulce, puesto que su deseo no era llevar a cabo un trabajo de orden íntimo o introspectivo. En lugar del sufrimiento inherente a un personaje, al tormento psicológico interior, la intención de Loznitsa era describir un espacio, un habitat en el que los seres humanos están obligados a existir.

Siento tener que expresar una profunda decepción personal ante Una Mujer Dulce. No he tenido oportunidad de ver ninguno de los anteriores largometrajes de Loznitsa, ni sus trabajos en el documental, pero sí tenía unas buenas expectativas al respecto dado que disfruta de una gran reputación entre algunos cinéfilos.

En la entrevista publicada en el dossier de prensa, el director habla de la metáfora de un país impregnado por todas las formas de violencia imaginables. En mi opinión, la película no acierta en las escenas de conjunto que pretenden mostrar dicha violencia en todas y cada una de sus formas. No acierta ni en la elección del punto de vista, -el lugar de la cámara-, ni en todo lo concerniente a la puesta en escena.

Intérpretes grotescos inspirados quizás en la pintura de Grosz, y sin embargo nada verosímiles en su expresión, se hallan muy lejos de la esencia del cine; estos pronuncian unos diálogos excesivamente largos donde se describen a sí mismos, abordando a la protagonista siempre súbitamente, sin que el encuentro surja de la vida, apenas en contadas ocasiones…

Loznitsa es un hombre que posee una cierta sabiduría que no ha sabido transmitir en imágenes. Sólo el vagar de la mujer dulce está filmado con gran destreza. Pero el lenguaje de su cine frente a su escritura, frente a la toma de conciencia de su propio trabajo, está tan alejado uno de otro, que el resultado es una película muy desigual, exaltada y redundante.

Esmeralda Barriendos

INTRODUCCIÓN A BELLE DE JOUR
Por Jean-Claude Carrière

En 1966, los hermanos Hakim, unos conocidos productores “comerciales” propusieron a Luis Buñuel la adaptación de la novela de Joseph Kessel, “Belle de jour”. Buñuel me explicó sus dudas en una larga carta, pero finalmente aceptó. Algunos de mis amigos se extrañaron mucho de que aceptase, Louis Malle especialmente. ¿Qué busca Buñuel en esa novela de tres al cuarto(1)?

Cuando comenzamos a trabajar en ello, sabíamos que nos aventurábamos, (nosotros, dos hombres, uno de ellos español) en el poco transitado territorio del erotismo femenino, ese campo que Freud denominó “el continente negro”. Y sabíamos que corríamos el riesgo de perdernos.

Desde el primer momento, vimos el peligro, era evidente. Tuvimos la precaución de documentarnos, visitando algunas casas de citas, en Madrid fundamentalmente, para hablar con las encargadas, las jefas. No se hicieron de rogar y nos facilitaron ejemplos de burguesas insatisfechas que acudían a ellas a primera hora de la tarde.

Al mismo tiempo, se perfilaba la idea de que Séverine, el personaje principal que interpreta Catherine Deneuve, se alimentaba de sus fantasmas, y debíamos mostrarlos (algo que no se halla en la novela), aún sabiendo que no teníamos derecho a inventarlos.

Por ello, preguntamos a algunas mujeres de nuestro entorno, y a algunas de ellas, incluso entre nuestras amigas más cercanas, nos confiaron sus deseos más secretos. Es cierto que hicimos una elección, pero puedo asegurar que todos los fantasmas de la película fueron relatados por mujeres.

En cambio, respecto a la “realidad”, -la vida de pareja de Séverine, las relaciones con sus amigos, el desarrollo general de la intreiga-, hicimos muy pocos cambios. La extraña atmósfera de la película se debe quizás al contraste entre una realidad de novela barata, y en consecuencia, irreal, convencional, falsa, y la verdad brutal de los fantasmas. Lo “verdadero” es falso y lo imaginario es verdadero.

Respecto a la famosa “cajita”, que nos ha valido tantas y tantas preguntas, cada uno coloca en su interior lo que quiere, por supuesto.

Cabe añadir que las técnicas modernas, cada vez más perfeccionadas, permiten dar a la película una nueva profundidad, una nueva densidad, sin que sufra la belleza de la imagen. Es un poco como si una luz inesperada viniera a iluminar esta historia ya clásica. Es como si Séverine volviera a arriesgarse para intentar sofocar por fin su deseo.

UNA RESTAURACIÓN EN 4K PARA CELEBRAR EL 50 ANIVERSARIO DE BELLE DE JOUR.

La restauración de las imágenes de Belle de Jour se realizó en 4k desde el negativo original. La resolución 4k permite restituir todas la información de la película en 35 mm y volver a encontrar en la pantalla grande la delicadeza y la elegancia de la fotografía de Sacha Vierny.

El sonido también ha sido restaurado a partir de la mezcla original en 35mm.

Los trabajos realizados por el laboratorio Hiventy bajo la supervisión de Studiocanal han durado cuatro meses, gracias al apoyo del CNC (Centro Nacional del Cine y de la Imagen Animada), de la Cinemateca Francesa, de los Fondos Culturales Franco-Americanos y de la firma Yves Saint Laurent.

ALGUNAS CITAS SOBRE BELLE DE JOUR

“Cuando Buñuel me propuso este papel, lo acepté sin dudarlo, pero también fue algo temerario, algo arriesgado. Tenía 23 años. Para todo el mundo, yo era la jovencita romántica de “Los Paraguas de Cherbourg”. La película me hizo caer en esa zona indefinida en la que nunca se sabe si una mujer es una virgen o una puta. Hoy en día, la gente me mira como si todavía hubiera en mí algo de Belle de Jour. Debo confesar que no lo lamento en absoluto.” Catherine Deneuve, Télérama, 1996

“Como Buñuel también es un poeta, para contar esta infernal historia descubre una belleza y una soltura extraordinarias. Delira entre el sueño y la realidad, del modo más natural, sin que entre ambos sintamos el más mínimo roce, permitiendo al espectador la mayor de las libertades. Esta libertad es la que asustará a los espíritus timoratos”
Janick Arbois, Télérama, 1967

“Luis Buñuel ha creado una película eminentemente elegante que es una hermosa evasión de la realidad para el espectador. En el centro mismo del film, Catherine Deneuve emana una sexualidad tan sofisticada que uno se sumerge completamente en su quizás peligrosa aventura” BBC, 2000.

“Sigo pensando que Belle de Jour es una de las mejores películas que se han filmado nunca”. William Friedkin en The Erotic Thriller in Contemporary Cinema, de Linda Ruth Williams, Indiana University Press, 2005.

“Belle de Jour es a la vez una película encantadora, perversa, hilarante y poética”. Martin Scorsese.

“La película que sin duda alguna ha sido más importante para ella es Belle de Jour. Este film coincidía maravillosamente con la personalidad algo secreta de Catherine y los sueños del público. Era una película asombrosamente misteriosa que se le ajustaba de manera perfecta…”
François Truffaut en Catherine Deneuve por Philippe Barbier y Jacques Moreau, Ediciones Pac, 1984.

Festival de Cannes 2017
Del dossier de prensa de la restauración de la película
Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Después de Heaven Knows What, los cineastas estadounidenses Ben y Joshua Safdie exploran una vez más la faceta tenebrosa de su ciudad natal en Good Time, filme que presentan en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes y que es un thriller sombrío que cuestiona los lazos fraternales de dos ladrones de bancos. La obra de los hermanos Safdie se alimenta desde sus inicios de la esencia del Mumblecore, una corriente del cine independiente estadounidense surgida en los años 2000 de numerosas películas con presupuestos mínimos que, cámara al hombro, capturaban los estados de ánimo de sus protagonistas. Estos dos cineastas neoyorquinos, que mencionan a Renoir y Cassavetes como inspiración, han desarrollado un estilo naturalista y entrecortado que se ajusta a su deseo imperioso de adueñarse de la realidad para transcribirla mejor. Por otro lado, el ucraniano Sergeï Loznitsa retorna a la competición por tercera vez con una adaptación libre de la novela de Dostoyevski, La dulce. Krotkaya (A gentle creature) narra la búsqueda desesperada de una mujer de rasgos delicados, interpretada por Vasilina Makovtseva, determinada a encontrar a su marino, preso en una región aislada de Rusia.

De vuelta a la Quincena de los Realizadores, nos encontramos con Shula, una niña de 9 años acusada de brujería y condenada a vivir atada a una cinta blanca en un campo de brujas, -no hay que buscar ninguna asociación con el film de Haneke-,  bajo el efecto de un sortilegio: si corta la cinta, estará maldita y se transformará en cabra. La pequeña Shula se debatirá entre vivir encadenada como un ser humano o libre como una cabra.

Este es el argumento del primer largometraje de Rungano Nyoni, una joven zambiana que creció en Gales, con cuatro cortometrajes en su haber y un buen número de importantes premios.

Tras una excelente acogida entre los espectadores, esta película es seguro la perfecta candidata al premio del público de aquellos festivales en los que se exhiba. Nyoni aprovecha todos los recursos que el exotismo de su entorno originario le facilita, renunciando a la expresión documental del mismo, y ocultándola incluso tras algunas escenas en las que la sobreactuación es un hecho.

No soy una bruja tiene algunos instantes realmente bellos, y le debe mucho tanto al silencio permanente como a la mirada de la pequeña protagonista; acompañada de una banda sonora muy cuestionable, la película es una fábula con tintes graciosos y sin pretensiones sobre la libertad femenina, moraleja incluida. Para todos los públicos, o casi.

Esmeralda Barriendos

El documental Makala, de Emmanuel Gras vence en la 56ª Semana de la Crítica. El jurado, presidido por el realizador brasileño Kleber Mendonça Filho, otorga su Gran Premio 2017 a este documental, el único en competición, que relata la historia de un vendedor de carbón en la República Democrática del Congo. El Premio Revelación recae en Gabriel e a montanha, del brasileño Fellipe Gamarano Barbosa, así como con el Premio de la Fondation Gan. Así mismo, el Premio Descubrimiento Leica Cine de cortometraje es para Los desheredados, de Laura Ferrés; el Premio SACD en Ava, de Léa Mysius y el Premio Canal+ de cortometraje en The Best Fireworks Ever, de Aleksandra Terpinska.

“Del hombre al hombre verdadero, el camino pasa por el hombre loco”. Estas palabras de Foucault dan comienzo al último trabajo de Raymond Depardon, extraordinario fotógrafo y mayor exponente del cine documental francés nacido en 1942.

En 12 días retoma el tema de las enfermedades psiquiátricas, como ya lo hizo previamente en San Clemente (1982) donde narraba el día a día de un manicomio situado en una isla veneciana, o en Urgencias (1988), película filmada en las urgencia psiquiátricas del hospital  Hôtel-Dieu de Paris.

El argumento aprovecha un instante decisivo según una nueva ley del gobierno francés, que exige que las personas hospitalizadas en psiquiatría sin su consentimiento sean presentadas ante un juez antes de que hayan transcurrido 12 días desde su detención. Así este juez, teniendo en cuenta los informes médicos del paciente, tomará la decisión de continuar con el internamiento o permitir otro tipo de seguimiento médico fuera ya de las instalaciones del manicomio.

Depardon pretende hacer nacer un diálogo despojado sobre el sentido de la palabra libertad y de la vida. Acompañados por la música de Alexandre Desplat, la cámara nos muestra el espacio en el que viven recluidas estas personas, un lugar aséptico y gélido hasta en sus espacios abiertos, que raya incluso en la ciencia ficción.

De la confrontación juez-paciente, mediante una cámara inmóvil, con algunos apuntes de los abogados de los mismos (hay que tener en cuenta que todos los protagonistas han sido internados en contra de su voluntad), va desgranándose todo el dolor del mundo.

El propio temor de los cuerdos se manifiesta en la ausencia total de empatía por parte de todos los que intervienen en este proceso. Porque, ¿acaso es posible salir indemne de ciertas declaraciones que recoge la cámara?

Aunque la identidad de los protagonistas ha sido obviamente preservada, sus rostros delatan ese estado que está más allá del mundo, cuando lo insoportable se desvanece en la bruma de la locura; escuchar voces que provienen de una silla eléctrica, sufrir repetidas violaciones, asesinar al padre y beatificarlo… Víctimas de una violencia continuada, tan frágiles, tan vulnerables. La cámara de Depardon les ha devuelto la dignidad durante un instante de tiempo.

Esmeralda Barriendos

Jacques Doillon es un veterano en el Festival de Cine de Cannes y es la tercera vez que participa en la sección oficial. Su 28º largometraje, Rodin, presenta a Vincent Lindon en el papel del escultor Auguste Rodin, que recibió el reconocimiento público poco después de cumplir los cuarenta años. La película, que decepciona de forma generalizada, narra los altibajos emocionales del hombre, atrapado entre el amor apasionado de Camille Claudel, interpretada con frescura por la actriz y cantante Izïa Higelin, y la estabilidad de Rose (Séverine Caneele), su compañera de toda la vida. La otra película a competición de la jornada está dirigida por Sofia Coppola, miembro del Jurado presidido por Jane Campion en 2014, y se titula The Beguiled. Se trata de un thriller basado en la película El seductor, de Don Siegel, estrenada en 1971 y protagonizada por Clint Eastwood. Con la llegada fortuita a sus vidas de un cabo de la Unión, interpretado por Colin Farrell, el trío femenino de excepción, encabezado por Nicole Kidman, junto a Kirsten Dunst y Elle Fanning, encuentra la oportunidad perfecta para acabar con su hastío. “Nunca intenté hacer un remake sino hacer mi propia versión. Espero que se vea como las dos partes de una misma historia”, asegura en rueda de prensa la realizadora.

2008 marcó la aparición del primer “barrio cerrado” en Suecia, una urbanización protegida a la que únicamente pueden acceder los propietarios con autorización. Se trata de un ejemplo extremo que muestra que las clases privilegiadas se aislan del mundo que les rodea. También es uns de las numerosas señales del creciente individualismo de las sociedades europeas, mientras aumenta la deuda del gobierno, se reducen las prestaciones sociales y la brecha entre ricos y pobres es cada vez más profunda desde hace unos 30 años.

Incluso en Suecia, que sin embargo es reconocida como uno de los países más igualitarios del mundo, el paro creciente y el miedo a ver cómo se debilita el propio estatus social, han llevado a las personas a desconfiar los unos de los otros y a separarse de la sociedad.

Un sentimiento general de impotencia política nos ha hecho perder confianza en el Estado y nos ha llevado a replegarnos sobre nosotros mismos.

¿Pero esta es la evolución que deseamos para nuestra sociedad?

En el curso de mis investigaciones para realizar la película Play, que trata sobre el chantaje entre los niños, observé la incapacidad que nos invade a la hora de ofrecer ayuda en lugares públicos. Los hechos reales en los que se inspira Play tuvieron lugar a plena luz del día en la tranquila ciudad de Göteborg, en centros comerciales, en tranvías y plazas públicas, y los adultos no reaccionaban aunque estos hechos se desarrollaran ante sus ojos.

En psicología social, la inhibición de la propensión a ayudar al otro en presencia de un tercero es conocida bajo el nombre de “el efecto del espectador” o “la apatía del testigo”.

La experiencia ha demostrado que la probabilidad de ayudar a alguien es inversamente proporcional al número de testigos, debido a la “disolución de la responsabilidad” causada por la presencia de varias personas. Sin embargo, se ha probado que la cohesión social puede compensar la indiferencia colectiva.”

Cuando mi padre era joven, en los años 50, las sociedades occidentales mostraban un sentimiento en el que se compartían las responsabilidades. Me contó que cuando tenía seis años, sus padres le dejaban jugar y pasear libremente por el centro de la ciudad de Estocolmo, con una simple medallita al cuello con la dirección en el caso en que pudiera perderse.

Recordemos que en aquella época, los adultos eran considerados como miembros de una comunidad, dignos de confianza, dispuestos a ayudar a un niño en caso de que tuviera problemas, mientras que hoy en día, el clima social no consolida ni la cohesión social ni nuestra confianza en la sociedad.

Por el contrario, vemos a los otros como una amenaza para nuestro hijos. Esta reflexión nos llevó, a Kalle Boman y a mí, a desarrollar el proyecto de The Square.”

* Kalle Boman, nacido en 1943, es productor y profesor de cine en Academia de Bellas Artes/Universidad de Göteborg. A lo largo de los años, ha colaborado con realizadores como Bo Widerberg, Roy Andersson y Ruben Östlund. En 2014, en la Ceremonia de los premios del cine sueco, Boman recibió un premio extraordinario al conjunto de su obra.

Del dossier de prensa del film “The Square” de Ruben Östlund.

Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Entrar en el Gran Teatro Lumière de Cannes para contemplar la obra póstuma de un gran cineasta, tan querido como lo era Abbas Kiarostami; todas las expectativas comienzan a disiparse lentamente, cuando las luces se apagan y la pantalla iluminada desvela el secreto mostrando una precisa declaración de intenciones del director.

“Cuando observamos un cuadro, solo vemos la escena que ha pintado el artista. Pero todo tiene un antes y un después”, decía el maestro.

Así que Abbas Kiarostami decidió realizar pequeñas películas de 4 minutos de duración para recrear ese antes y ese después de la imagen esencial. A modo de haikus visuales, – próximas a su film Five– , son 24 piezas que se enuncian como fotogramas, -frames-, una tras otra, con el solo intertítulo en negro que las anticipa. Un compendio de toda la sabiduría del cineasta, poeta, fotógrafo iraní.

Me gusta imaginar a Kiarostami durante la exposición de las Correspondencias que mantuvo con otro gran maestro, Víctor Erice, en el año 2006. En uno de los espacios de la misma, recuerdo una instalación ideada por este último muy emocionante, en la que algunos de los cuadros de Antonio López cobraban vida mediante variaciones en la iluminación de la sala y un abanico de efectos de sonido que recreaban el ambiente sonoro del lugar (la Gran Vía de Madrid o el entorno del membrillero). Era el origen mismo del cinematógrafo. Me gusta pensar que Kiarostami se inspiró en ese instante para realizar este trabajo, aunque ya nunca podré saberlo.

Así, el primer fotograma (Frame 1) es en realidad la imagen del cuadro de Brueghel El Viejo, Los cazadores en la nieve. Gesto premonitorio; lo que parece ser tan sólo un ejercicio bellísimo de reanimación, donde la vida se insufla cada segundo dentro de la imagen inerte de una pintura, es ciertamente el preludio de todo lo que el espectador observará a continuación.

El humo comienza a salir de las chimeneas, la nieve cae suavemente, los animales corretean sobre el manto blanco que recubre la tierra. La banda de sonido nos traslada hasta ese lugar. ¡Qué fuerza magnífica otorga el sonido! No sólo es imagen en movimiento, es también la fabulación a través de la escucha, la emoción de un paisaje sonoro que se constituye mediante la naturaleza orquestada. Imagen-tiempo.

Tras el preámbulo que supone la visión de esta primera película, las siguientes emergen en su mayoría de los paisajes nevados del fotógrafo Kiarostami. De algún modo, al comienzo hay una traslación desde el plano general del cuadro de Brueghel hasta los diferentes planos detalle del mismo, bajo la apariencia de películas. Es decir, ¿qué está sucediendo allí, en el instante mismo en el que los cazadores se aproximan al acecho, de la mano del pintor?

Las imágenes en blanco y negro, tan bellas, cobran vida una tras otra . En el cine de Kiarostami, el artificio está tan elaborado que el espectador puede llegar a creer que se halla ante «una toma de vistas» de las que nos regalaban los operadores de los hermanos Lumière, pero no es cierto. La sencillez aparente de sus películas «naturales«, por denominarlas de algún modo, procede de un trabajo complejo.

Existe una voluntad de conjunto que se desvela con una escucha y una mirada atentas.

Pero en casi todas ellas, películas que conforman un sentido homenaje a los 24 fotogramas por segundo que son el átomo del cine, la acción en off del hombre sobre la naturaleza termina por romper la escena. No aparece una sola figura humana hasta la película número 15-.

Recuerdo el penúltimo film como algo excepcionalmente conmovedor.

Así hasta el último de todos, entre luces y sombras, maravilloso laberinto de ventanas al mundo y declaración absoluta de su amor al cine, y a la vida.

Gracias, maestro. He olvidado cómo se decía en farsi.

Esmeralda Barriendos

Dedicado a Fernando Fuentes

Se proyecta en 35mm, en la sala Buñuel del Festival de Cine de Cannes,  la versión restaurada de L’Atalante de Jean Vigo, una obra maestra de la historia del cine realizada en 1934, de extraordinaria influencia en todo el cine posterior que aún hoy en día conserva una frescura sorprendente.

La restauración ha sido llevada a cabo por el laboratorio L’Immagine Ritrovata , gracias a Gaumont, The Film Foundation, -la Fundación de Cine de Martin Scorsese– y la Cinemateca Francesa,  con el apoyo económico del CNC (Centro Nacional del Cine), supervisada por el nieto del cineasta, Nicolas Sand.

L’Atalante, que como tantas otras películas, pudo preservarse en Francia por la dedicación de Henri Langlois, -fundador de la “Cinémathèque”-, ha sufrido varias restauraciones y modificaciones a lo largo del tiempo. Con un metraje añadido y recortado por unos y por otros, su título fue incluso modificado por el de Le Chaland qui passe, y la música de Maurice Jaubert reemplazada por otra.

Después de innumerables avatares, ayer se exhibió una copia que según dicen, es la más próxima a la original.

Cuando comenzó la película, entre lágrimas, sentí un profundo resentimiento hacia aquellos que inventaron el cine digital.

Me tacharán de nostálgica o inmovilista, quizás. Hoy ya no existe un debate en torno a los soportes de filmación, el digital partió sabiéndose ganador a pesar de todas sus carencias. Por eso, la sesión de ayer fue un tesoro efímero.

Me gustaría recoger aquí las palabras de Paul Bowles que ayer me recordó un amigo muy querido: “(…)como no sabemos cuando vamos a morir, llegamos a creer que la vida es un pozo inagotable. Y sin embargo, todo sucede un cierto número de veces … y sin  embargo, todo parece ilimitado”

¡Qué belleza las imágenes del agua! ¡Y el sueño de los amantes!¡Qué interpretación, Michel Simon!

Volver a ver L’Atalante ayer, tan sencilla y rotunda a un tiempo, en las mismas condiciones para las que fue pensada su exhibición, fue una de esas veces, tan breves, de las que habla Bowles.

Esmeralda Barriendos

Cannes Classics – Películas restauradas: «Ila Ayn?» de Geoger Nasser

“Ila Ayn?”, cuya traducción sería “¿Hacia lo desconocido?” es una película de Georges Nasser, cineasta emblemático del Líbano nacido en Trípoli en 1927.

Estudió cine en la UCLA en Hollywood y regresó a su país natal con la voluntad firme de realizar películas en un entorno en el que la industria cinematográfica es inexistente.

“Ila Ayn?” fue realizada en el año 1957, y se convirtió en la primera película en representar al Líbano en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes.

En un pueblo de la montaña libanesa, una familia vive en la pobreza. Un día, el padre los abandona y se marcha a Brasil, el sueño dorado de un gran número de compatriotas. Transcurren 20 años en los que a duras penas la madre ha podido salir adelante con sus hijos. El mayor funda una familia y el segundo está a punto de marcharse a Brasil cuando un anciano harapiento llega al pueblo.

“Ila Ayn?” aborda el tema de la emigración y el exilio, la agonía de residir en un país sin futuro y al mismo tiempo, la crueldad de un exilio que no cumple con sus promesas de un futuro mejor. Auténtica crónica neorrealista, en las películas de Nasser los personajes idealistas rechazan comprometerse y terminan por ser vencidos por un entorno hostil. Son películas de algún modo autobiográficas, a la vista de la vida que tuvo Nasser.

Las películas de Nasser son historias de personas cuyo potencial no se desarrolla: soñadores que no logran alcanzar sus sueños, que deben resignarse a un destino común y doblegarse bajo el peso de la sociedad que les rodea.

Nasser podría haber predicho el destino de un visionario como él en un país como el Líbano.

Georges Nasser situó al cine libanés en un pedestal y, gracias a él, se posicionó fuera de su país. A “Ila Ayn?”, le siguió “El pequeño extranjero” en el año 1962.

Esta doble selección constituye una de las mayores distinciones que una película independiente puede obtener incluso hoy en día. Pese a ello, su obra cayó en el olvido y no ha sido reconocida ni por el estado, ni por el público, ni siquiera desgraciadamente por los profesionales del cine libanés.

El padre fundador del cine libanés es considerado hoy en día como un realizador superado, profesor de la vieja escuela. Salvo algunas raras proyecciones en Beirut, las películas de Nasser sólo pueden verse excepcionalmente, dado que no fueron proyectadas en el momento de su distribución y son unas desconocidas para el gran público de Oriente Medio y del resto del mundo. Las copias de estas películas son escasas y difíciles de encontrar.

“Ila Ayn?” es la única película de Nasser de la que existe una copia completa en 35mm en el CNC (Centro Nacional del Cine, en Francia). No está a disposición de todo el mundo y se ha visto en contadas ocasiones. La idea de una digitalización restaurada, acompañada por un documental sobre el realizador permitirá a los espectadores redescubrir la obra de un cineasta que en solitario puso en marcha la creación de un cine libanés independiente, diferente del modelo egipcio de la época.

(Del dossier de prensa)

Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Naomi Kawase, presidenta del jurado de los cortometrajes y de la Cinéfondation en 2016, presenta en el Festival de Cine de Cannes su quinto largometraje en competición. Se trata de Hikari (Radiance), donde relata la historia de un encuentro, el de dos almas perdidas y heridas. «Yo creo que en el mundo hay mucha gente que ama el cine, que quiere que acaben las guerras y que el mundo sea más rico, pero las guerras no van a acabar mientras que nosotros vamos a desaparecer de la Tierra y me gusta creer que las películas permanecerán eternamente«, declara Kawase en rueda de prensa, quien añade que por eso quiso dedicar este filme «a todos los enamorados del cine del mundo«. Además, se celebra un evento especial en el que se proyecta 24 Frames, la película que Abbas Kiarostami dejó una película inédita, y en la que cada fragmento se inspira en una fotografía, ampliando cada vez más los límites de un cine poético e innovador hasta el fin. El filme es presentado por su hijo Ahmad Kiarostami. Finalmente, el Festival celebra su 70° aniversario con una gala especial y una sesión de fotos previsa y de excepción en la que reúne a más de un centenar de artistas para la foto de familia: ganadores de la Palme d’or, galardonados, presidentes y miembros de los jurados…

Tres nuevos filmes de importantes directores, previamente cosagrados por el Festival de Cine de Cannes, llegan a esta jornada con la que se inicia la semana. El cineasta surcoreano Hong Sangsoo aborda con meticulosidad un malentendido relacionado con un adulterio en Geu-Hu (Le Jour d’après) para tejer una comedia agridulce en blanco y negro, bañada en melancolía. La película narra la historia de Bongwan, un editor infiel y cobarde que no logra reponerse de la marcha de la empleada con la que ha engañado a su mujer. Por otro lado, cinco años después de Amor, Michael Haneke presenta la mordaz Happy End con dos de sus actores preferidos: Jean-Louis Trintignant e Isabelle Huppert. La crisis migratoria es el prisma que revela el cinismo que reina en nuestra época a través de la indiferencia inhumana de una familia burguesa del norte de Francia, desconectada de la realidad social que la rodea. Además, Yorgos Lanthimos regresa a Cannes con The Killing of a Sacred Deer, y se inspira en Eurípides para contar la historia de una pareja de médicos interpretados por Colin Farrell y Nicole Kidman. Finalmente, en su afán por innovar, Alejandro González Iñárritu presenta Carne y Arena (Virtually Present, Physically Invisible), que más que una película, se trata de una experiencia en realidad virtual que dura seis minutos y medio.

La «Quincena de los Realizadores» tuvo su origen en el año 1969, inmediatamente después de la agrupación de cineastas en el seno de una asociación  denominada SRF (Société de réalisateurs des films).

La vocación de esta sección paralela del Festival de Cine de Cannes siempre ha sido la de mostrar películas y cineastas que permanecen al margen de los grandes festivales internacionales y de las principales redes de distribución.

Esta sección se define por “su libertad de espíritu, el carácter no competitivo y un deseo de apertura hacia un público de espectadores no profesionales que asiste al Festival”.

Con este ánimo hemos llegado hoy a la proyección de The Rider (El jinete) de la realizadora china Chloé Zhao.

Brady, un joven cowboy, adiestrador de caballos y estrella incipiente del rodeo, ve cómo se tambalea su vida después de que un caballo le aplaste el cráneo en el transcurso de un rodeo. No podrá cabalgar más.  Ya de vuelta a casa, en la reserva de Pine Ridge, sin el deseo de una vida diferente, se ve enfrentado al vacío.

Para retormar el control de su destino, Brady se sumerge en la búsqueda de su propia identidad, intentando comprender qué significa ser un hombre hoy en el corazón de los Estados Unidos de América.

Chloé es una autora, realizadora y productora china residente en Denver, en los Estados Unidos. En el año 2015, su primer largometraje Canciones que mis hermanos me enseñaron compitió en el Festival de Cine de Sundance y en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes. Fue nominado tres veces a los Film Independent’s Spirit Awards.

Escribo estas líneas con la certeza de haber descubierto esta mañana a una enorme cineasta, embriagada por la verdad de unas imágenes y una historia que, en su sencillez, contienen toda la esencia del cinematógrafo. Con ese deseo de cinéfila atrapada por una idea insobornable del mundo y su doble, no olvidaré su nombre. Motion is really emotion.

Esmeralda Barriendos

El cine de Michael Haneke siempre ha sido de una asertividad incuestionable. El trayecto que recorren los personajes desde que el espectador toma conocimiento de los mismos y sus circunstancias hasta la clausura del film no presenta ninguna incertidumbre; hay un determinismo en los gestos tan severo que ciertamente, ninguno de los protagonistas puede librarse del destino impuesto por el director.

Así también sucede en Happy End, su última película, que apenas ha tenido respuesta del público esta mañana en el Gran Teatro Lumière de Cannes.

Muy lejos de las dos anteriores, extraordinarias ambas, La Cinta Blanca y Amor, que fueron Palma de Oro en los Festivales de 2009 y 2012 respectivamente, Happy End presenta la vida de una familia burguesa de Calais más allá del proceso de descomposición, argumento que remite directamente a El Séptimo Continente.

No es la mera traslación de clase, -de la derrotada clase media europea a una burguesía acomodada- la que separa a Happy End de su primera película, sino que el punto de vista del director es otro. La distancia con la que filma a sus personajes es mayor que en otras ocasiones. Los nuevos dispositivos y las redes sociales están muy presentes durante todo el film, imágenes que de nuevo remiten a un Haneke de los orígenes, el de El vídeo de Benny, artilugios de la distancia y el aislamiento, del triunfo absoluto del narcisismo.

Intuyo un cierto cansancio en Haneke, quizás. No existe ningún atisbo trágico en el planteamiento de Happy End, ni conciencia alguna de sí mismos en los personajes. Tampoco el azar modifica jamás el destino de estos seres humanos. Tan anodinos ellos, han perdido su humanidad de una forma aséptica, y vagan por los espacios gélidos de su cotidiano y de su imaginario virtual a la manera de los replicantes, inmersos en un silencio desasosegante que llega hasta los títulos de crédito.

Con un cierre extraordinario, tanto como Jean-Louis Trintignan que lo protagoniza, esta es la forma que tiene Michael Haneke de enunciar el desastre, más allá de la distopía de El tiempo del lobo. Esta y la única frase que se ha publicado en el dossier de prensa: “El mundo alrededor, y nosotros ciegos en el centro del mismo. Una instantánea de una familia europea”.

Esmeralda Barriendos

Antes de desaparecer es una obra de teatro muy conocida en Japón, cuyo autor es Tomohiro Maekawa, y Kiyoshi Kurosawa ha decidido llevar  a cabo su adaptación a la pantalla grande.  Afirma que es una adaptación fiel a dicha pieza. Lo que le atrajo del texto es que se trata de una parodia de las obras de ciencia ficción de los años 50, con el trasfondo de una invasión extraterrestre.

En los 50, las películas de este género tuvieron un gran éxito en plena Guerra Fría. Muchos medios de comunicación y la industria del entretenimiento usaron este pretexto, -la amenaza de la invasión-, para apaciguar los ánimos de una población inquieta, burlándose de ella.

El director confiesa influencias concretas del cine de John Carpenter en algunas escenas, de manera inconsciente.

De alguna manera, me siento reconfortada al leer la entrevista en el dossier de prensa; una historia de extraterrestres invasores previsible, pueril e incluso cursi en algunos momentos. He de decir que he asistido a esta proyección con el recuerdo de la única película que he visto de Kiyoshi Kurosawa, Bright Future (Jellyfish). Fue durante el Festival de Cine de Londres del año 2003. En aquel momento creí en su autoría, un cine extraño e imaginativo, de una potencia visual poderosísima… Hoy no queda ni rastro de aquel atisbo de belleza.

¿Qué intención puede tener hoy en día realizar una película de serie B de ciencia ficción? La televisión programa decenas de filmes sin interés casi diariamente. Quizás tenga una oportunidad en una sobremesa indolente. Deseo que Kiyoshi Kurosawa regrese a ese tipo de cine que ha olvidado por completo, el que auguraba un futuro brillante.

Le llaman “Masterclass” o “Leçon de cinéma” pero en realidad se asemeja a una lección de vida; Clint Eastwood se ha sentado hoy frente al crítico estadounidense Kenneth Turan para repasar toda su trayectoria profesional, desde los orígenes como actor hasta su proyecto más reciente, una película que parece ser podría rodarse en Francia, The 15:17 to Paris sobre el atentado fallido de ISIS a un tren francés. «Vivimos en un tiempo extraño» dijo el realizador.

En ese paseo por la memoria del cineasta-actor, Eastwood ha recordado la penuria económica sufrida durante la crisis del 29, cuando tan sólo contaba con 5 o 6 años y sus padres no tenían qué comer, aunque confiesa que estos lo ocultaban a los pequeños, y que los niños nunca pasaron hambre. También los continuos cambios de residencia marcaron su infancia.

Eastwood no es un hombre nostálgico. Transmite una cierta filosofía vital centrada en el esfuerzo, en el trabajo constante, y en la idea de un devenir inevitable en el que no hay lugar para lamentarse del pasado, de proyectos no realizados, de hechos que no sucedieron. Seguir adelante es su máxima.

No oculta su admiración por Sergio Leone y la fascinación que despertaba la rapidez de su pensamiento. También comenta la habilidad del director italiano en la elección de los rostros que protagonizan sus películas. Aprovecha Clint este momento para expresar lo afortunado que fue al conocerle, y hace un inciso: insiste en cómo en la vida aprendemos de todos los que nos rodean, aprendemos lo que debemos y lo que no debemos hacer. “Nunca hay que tomarse por lo que uno no es”, dice.

Aboga por la eficacia como uno de los rasgos esenciales en un director de cine, es necesario evitar a toda costa “la parálisis por el análisis” y hacer avanzar la historia.

De vuelta a la infancia, confiesa su gusto por el western desde niño. Cuando era pequeño quería montar a caballo y más tarde, ser actor en una de estas películas: James Stewart, Gary Cooper y Rod Cameron eran alguno de sus ídolos. Eastwood cree que la pasión por los western de tantos y tantos espectadores es debida esencialmente al hecho de que este género rememora una época en la que el orden y la ley dependían de uno mismo, a diferencia de nuestro tiempo. El western permite siempre el vuelo de la imaginación.

Da la sensación de que Eastwood ha sido un tipo con suerte, o al menos, eso es lo que nos quiere transmitir en esta conversación. Toda una serie de guiones o de libros que cayeron en sus manos y se convirtieron en las historias que todos conocemos. “No hay que tomarse las cosas en serio, si no, terminas por tomarte en serio a tí mismo” dice con cierta socarronería. Hace años que trabaja con el mismo equipo, una cuestión de confianza, algo esencial en las relaciones humanas.

En otro orden de cosas, confiesa prestar atención a su voz interior, a su instinto, que en ocasiones le guían más que el intelecto. Dice que las emociones te llevan siempre a un buen lugar; las emociones guían el cine. Le gusta observar las reacciones de los actores cuando interpretan el texto por primera vez, esa reacción construye el comienzo de un rodaje fructífero.

Turan ha ido recalando en algunas de las películas que conforman su filmografía, sus orígenes como actor,  el descubrimiento de ciertos guiones, -que son aclamados por un público enfervorecido-, las reiteradas visitas al Festival de Cannes, la relación con sus hijos, su método de tomas únicas,- casi exclusivamente-, su gusto por las películas de archivo… Parece ser queTuran no ha dejado asunto sin nombrar.

Clint Eastwood se confiesa muy feliz en su profesión de cineasta. Y surge de nuevo una gran ovación desde el fondo de la sala.

Algunos apuntes de la masterclass ofrecida por Clint Eastwood en el Festival de Cine de Cannes 2017, por Esmeralda Barriendos.

Un resumen dedicado a Celso Hoyo Arce.

La estrella del cine independiente neoyorquino Noah Baumbach presenta en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes The Meyerowitz Stories, segunda producción de Netflix a concurso que es una comedia al estilo de Woody Allen con un reparto encabezado por Dustin Hoffman y Ben Stiller. «Lo que me interesa en mis filmes es la diferencia entre lo que somos realmente y lo que nos gustaría ser (…) En este filme quería abordar el tema del éxito, qué significa el éxito para las diferentes personas«, afirma el director después de la proyección. Por otro lado, la cinta del director de The Artist, Michel Hazanavicius, Le Redoutable (El temible) sobre el cineasta francés Jean-Luc Godard se inspira en el libro de memorias de Anne Wiazemsky, exmujer del símbolo de la Nouvelle Vague, Un año ajetreado. «Quedé hipnotizada por el parecido alucinante entre Louis Garrel y Jean-Luc. Habla como él«, declara Wiazemsky, de 69 años. Proyectada en la sección oficial, su proyección a la prensa se vio aplazada unos 40 minutos a causa de una falsa alarma debida a un objeto sospechoso, que obligó a desalojar una parte del Palacio de los Festivales. El filme se centra en una etapa crucial del director de Al final de la escapada en pleno mayo del 1968. Fuera de la competición, en «Una cierta mirada», la actriz española Emma Suárez, participa en la película Las hijas de Abril, del mexicano Michel Franco.

Tras diseccionar la figura paterna en Fuerza mayor, el director sueco Ruben Östlund propone una reflexión sobre el altruismo y la pérdida de los valores en forma de comedia dramática ácida y con The Square debuta en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes. La película narra la historia de Christian, un padre de familia apreciado por sus valores humanos y la calidad de su trabajo en un museo de arte contemporáneo sueco, pero cuyos principios se verán cuestionados por una profunda crisis existencial. También debutante en la competición de este Certamen, Robin Campillo presenta la muy esperada por la prensa francesa 120 battements par minute, cuatro años después de su cinta ampliamente aclamada Eastern Boys. Para su tercer largometraje, el cineasta apuesta por el lado más seductor de la joven generación de actores franceses de la mano de Adèle Haenel y Arnaud Valois, acompañados por el argentino Nahuel Pérez Biscayart., quienes luchan por combatir la indiferencia generalizada hacia la cuestión del sida.

Es difícil expresar en una frase la emoción que iluminaba el rostro de Agnès Varda, después de la proyección de su última película Visages- Villages (Rostros- Pueblos). Ha sido la ovación más larga que he presenciado nunca. También me resulta muy difícil enunciar lo que ha significado para mí estar presente en el Gran Teatro Lumière esta tarde, viernes 19 de mayo de 2017. Y escribo la fecha en este instante, sin la esperanza de que el tiempo se detenga.

Realizada junto con el fotógrafo conocido por las siglas Jr., el film relata la historia de la amistad cómplice y divertida que surge entre ambos codirectores en el transcurso de un viaje.

El deseo de un trabajo conjunto les lleva a reivindicar los rostros de los verdaderos protagonistas de la historia de algunos rincones de Francia. Fotografías de gran formato, reveladas en su pequeño camión, inundan edificios, granjas, contenedores; partiendo de antiguos retratos, o tomando nuevas instantáneas, Varda y Jr otorgan una presencia inusual a mujeres, mineros, ganaderos.

Ese viaje lentamente adquiere otro cariz; de algún modo, el argumento se transmuta en un viaje a la memoria de Agnès. Primero, son l

as propias imágenes que la cine-fotógrafa realizó en su día las que toman el paisaje. Maravillosa es la transición narrativa desde la granja hasta el borde del mar a través del Ulyses, cortometraje documental que la gran cineasta realizó en el año 82.

Ya en el mar, en los restos de un fortín hundido, la imagen de su querido amigo el fotógrafo Guy Bourdin será borrada por las aguas, el viento, la arena, en un instante. Más tarde visitarán juntos el pequeño cementerio de Montjustin donde descansan Henri Cartier Bresson y su esposa, la fotógrafa belga Martine Franck.

En este relato de amistad transitan continuamente las imágenes de Los novios del puente Mac Donald (Les fiancés du pont Macdonald) en el que Varda filmó a Jean-Luc Godard, -sin gafas-, junto a Ana Karina.
Las eternas gafas de sol de Jr conducirán a sus protagonistas hasta la casa de Godard en Rolle, donde se convocan todos los fantasmas del pasado, un momento de una belleza extraordinaria. Belleza que perdura
hasta el mismo cierre del film, donde al fin las imágenes que claman al mundo, las que recubren los depósitos de un vagón de mercancías, son los pequeños pies y los ojos de la cineasta, -que llegarán hasta donde ella no pueda hacerlo-.

Gracias, Agnès.

Esmeralda Barriendos

El Festival de Cine de Cannes estrena una de las primeras películas producidas por Netflix que ha generado la polémica este año en Francia. El pase de prensa de Okja, de Bong Joon Ho, que convocó a gran número de periodistas acreitados, lo que obligó a habilitar una segunda sala de proyección, arrancó con una pitada cuando sobre la pantalla apareció el nombre de Netflix. La del surcoreano es una de las dos producciones televisivas de Netflix que compiten en Cannes, lo que generó unas polémicas declaraciones del presidente del jurado, Pedro Almodóvar, que defendió las proyecciones en salas de cine. Pero para el cineasta asiático solo el hecho de que el español vea la película ya es suficiente.»Solo puedo decir que estoy muy contento de que (Almodóvar) vea la película esta noche (…) Pase lo que pase, el hecho de que la vea y hable de ella, ya me hace sentir muy honrado«, afirma el realizador en una rueda de prensa. Once años después de The Host, el director surcoreano Bong Joon Ho regresa al cine fantástico con una fábulo satírica que profundiza en la parte animal que habita en cada ser humano y narra el amor incondicional de una niña por una inofensiva criatura de las montañas, comprada por una multinacional. La segunda película del día a competición es Jupiter’s Moon, de Kornél Mundruczó -premiado en 2014 con White God en «Una cierta mirada»-, un largometraje con una estructura híbrida, con trazos fantásticos, que aborda la candente actualidad de los refugiados. «Se necesita tiempo para entender lo que hemos visto, decidir si lo creemos o no«, reconoce Mundruczó, que explica que su intención es dirigirse «directamente al alma del espectador«. Fuera de competición se proyecta Visages, villages, un paseo de Agnès Varda y JR por las carreteras francesas, visitando los pueblos franceses y hablando con sus habitantes.

 Hay películas que permanecen en la memoria de una forma vaga, incorpórea, alimentando una idea con su recuerdo que brota en ocasiones súbitamente. Sin saber cómo, nos constituyen de alguna forma imprecisa. Al igual que en los orígenes de un vivero, la semilla duerme a la espera de un estímulo incierto, -quizás el hecho de volver a ver esas imágenes-, que la empuje a ascender hasta la superficie.

Existe un determinado tipo de cine que cuestiona, de un modo muy frágil pero a un tiempo con determinación, la construcción insustancial del la realidad que nos rodea. Desde la intimidad absoluta entre un árbol y un pintor, la cámara de Victor Erice muestra hoy, como en 1992, el mismo sentido revelador de una verdad posible: la deriva del enfrentamiento entre el ser humano y el tiempo en las manos de un pintor, de un cineasta, resueltos ambos a capturar ese instante de luz que se escapa irremediablemente.

Hoy, en la sala Buñuel del Festival de Cine de Cannes, se ha proyectado la versión restaurada de El sol del membrillo, en un día cubierto de nubes, como las que ocultan esa luz dorada que añora Antonio López, la que baña al membrillero en las mañanas.

por Esmeralda Barriendos

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Todd Haynes vuelve a la sección oficial a concurso del Festival de Cine de Cannes tras Carol para sembar el Certamen de emoción con Wonderstruck, adaptación de un libro para niños de Brian Selznik, en la que Julianne Moore comparte protagonismo con los niños Millicent Simmonds y Oakes Fegley. Dos historias paralelas en su temática pero separadas por 50 años y por dos estilos cinematográficos totalmente opuestos. «Nada ha sido especialmente fácil en esta película«, reconoce Haynes, para quien el filme era una buena excusa para «continuar el estudio de la historia del cine» que ya ha acometido en trabajos anteriores. Por su parte, tras deslumbrar hace tres años con Leviatán, el ruso Andrey Zvyagintsev regresa también a la competición con Nelyubov, nueva incursión crítica frente a la Rusia a través de un drama familiar sobre una pareja en fase de divorcio que debe reconciliarse para hallar a su hijo de 12 años, que desaparece durante una de sus peleas. «Si han visto Leviatán ya saben cómo me sitúo frente al poder«, declara Zvyagintsev quien afirma que en su nuevo filme muestra la realidad de unos personajes que son reflejo de la sociedad en la que viven.

Comienza la 70 edición del Festival de Cine de Cannes con la proyección de Les fantômes d’Ismaël , dirigida por Arnaud Desplechin y protagonizada por Marion Cotillard y Charlotte Gainsbourg, a las que acompañan en el reparto Mathieu Amalric y Louis Garrel, en la que un director de cine se enfreta al regreso de su ex amante cuando está a punto de iniciar el rodaje de su próxima película. Tras ellos desembarcarán una omnipresente Nicole Kidman -que participa en tres películas y una serie en esta edición- o Robert Pattison, pasando por Julianne Moore, Elle Fanning, Kristen Stewart, Kirsten Dunst, Adam Sandler, Ben Stiller, Michelle Williams, Colin Farrell o Joaquin Phoenix. Una competición cuyos premios dilucidará un jurado presidido por el cineasta español Pedro Almodóvar, al que acompañan Will Smith, Fan Bingbing, Jessica Chastain o Paolo Sorrentino. Tendrán que elegir para los premios entre los últimos proyectos de realizadores consagrados como Todd Haynes, Sofia Coppola, Michel Hazanavicius, François Ozon, Yorgos Lanthimos, Fatih Akin o Michael Haneke, o por cineastas que se estrenan en la competición como Noah Baumbach o Bong Joon Ho, protagonistas de una monumental polémica con sus películas producidas por la plataforma Netflix. Entr los eventos especiales del 70 aniversario destaca la presentación de los dos primeros capítulos de la nueva Twin Peaks, pero se exhibirán en Cannes cuatro días después de su lanzamiento en Estados Unidos, lo que le ha restado bastante interés. Fuera de competición se podrá ver la última película de Roman Polanski, D’apres une histoire vraie; el film póstumo de Abbas Kiarostami, 24 frames; la secuela del documental Una verdad incómoda (2006), de Al Gore, o Sea Sorrow, el debut en la dirección de la veterana actriz británica Vanessa Redgrave. Y en la sección de Clásicos, creada hace 15 años, destacan los pases de una versión restaurada de El sol del membrillo, de Víctor Erice, que en 1992 consiguió el premio del jurado y Belle de Jour, de Luis Buñuel. Sistemas de neutralización de drones, una fuerte vigilancia aérea, marina y submarina, la lectura automatizada de matrículas y un mayor número de agentes se han integrado a un dispositivo que cuenta también con gigantes maceteros de piedra que bloquean el acceso de los coches al paseo marítimo. El atentado en Niza del pasado 14 de julio, apenas seis semanas después de que acabara la anterior edición, o el asesinato de un policía el pasado 20 de abril en los Campos Elíseos de París han llevado a incrementar unas precauciones, ya de por sí elevadas, para adaptarlas a la situación.

La edición del Festival de Cine de Cannes de este año tiene dos películas de Netflix que compiten por primera vez. Esto ha enfurecido al sector cinematográfico francés, ya que la plataforma dijo que sólo sus subscriptores tendrían acceso a sus cintas y no sería proyectadas en la gran pantalla. Thierry Fremaux, director del Festival, asegura que creía que Netflix organizaría algún tipo de estreno en cines para The Meyerowitz Stories y Okja que compiten en Cannes. Sin embargo esto no ha llegado a ocurrir y los organizadores del Certamen confirman que las dos cintas competirán este año, pero que para la próxima edición no se aceptará ninguna película que no garantice su distribución en las salas de cine de Francia. «El Festival se complace a dar la bienvenida a un nuevo operador que ha decidido invertir en el cine. Pero queremos reiterar nuestro apoyo al modo tradicional de exhibición de las películas en los cines de Francia y de todo el mundo«. Para Francia esto supone una victoria a favor de la distribución cinematográfica tradicional. Red Hastings, fundador y CEO de Netflix, lanza un breve pero desafiante mensaje a través de su página de Facebook: «La organización cierra filas contra nosotros. Tenéis que ver Okja que se estrena el 28 de junio en Netflix. Una película increíble que la industria del cine no quiere que compita en el Festival de Cannes«. Amazon es otra de las empresas de servicio en streaming que tiene una película compitiendo en esta edición, Wonderstruck. Pero, a diferencia de Netflix, no están en contra de estrenar sus películas tanto online como en cines.

La 70 edición del Festival de Cine de Cannes recordará, en su sección de «Clásicos», filmes que han formado parte de la historia del célebre certamen y grandes obras de la cinematografía, entre las que se incluyen cintas de los directores españoles Luis Buñuel y Víctor Erice. Así se proyectará El sol del membrillo, de Víctor Erice, que en 1992 consiguió el premio del jurado y el reconocimiento de la crítica internacional (FIPRESCI). De Buñuel, por su parte, llegará a la Croisette una versión restaurada con tecnología 4K de Belle de jour, protagonizada en 1967 por Catherine Deneuve. La sección de clásicos fue creada hace 15 años y presenta películas antiguas y obras de arte restauradas con el objetivo de acercar al público a «la memoria del cine«. Su programa en la edición de 2017, que se celebrará entre los próximos 17 y 28 de mayo, incluye 24 películas, un cortometraje y cinco documentales, con un foco especial en la propia historia del certamen. Entre las cintas seleccionadas en esta ocasión están la estadounidense All that Jazz, que le valió a Bob Fosse la Palma de Oro en 1980, o Blow-up, de Michelangelo Antonioni, Gran Premio Internacional en 1967. A Cannes llegarán restauradas, entre otras, la francesa L’Atalante (1934), de Jean Vigo, la cubana Lucía (1968), de Humberto Solás; la argentina Native Son (Sangre Negra, 1951), de Pierre Chenal, o la estadounidense El río de la vida (1992), de Robert Redford. Y entre los documentales en los que el cine cuenta su propia historia estarán el estadounidense Filmworker, de Tony Zierra, o el francés Becoming Cary Grant, de Mark Tidal.

El cineasta franco-polaco Roman Polanski presentará su última película D’après une histoire vraie, en la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, fuera de competición. El filme de Polanski es una adaptación de la novela homónima de la escritora francesa Delphine de Vigan y está protagonizado, entre otras, por su pareja, Emmanuelle Seigner, y por Eva Green. En la edición 70 del Certamen también se presentará la obra del director argentino Santiago Mitre que proyectará su cinta La cordillera en la sección «Una Cierta Mirada». Mitre, por su parte, llevará un drama de intriga política y familiar que pone al reconocido actor Ricardo Darín en la piel del presidente argentino Hernán Blanco.

El Festival de Cine de Cannes, que celebrará su 70ª edición a partir del próximo 17 de mayo, presenta la composición del jurado que presidirá el director español Pedro Almodóvar. Un jurado que estará compuesto por la directora y guionista alemana Maren Ade, la actriz estadounidense Jessica Chastain, la actriz china Fan Bingbing, la actriz, directora, cantante y composititora Agnes Jaoui, el director y guionista surcoreano Park Chan-Wook, el actor y cantante estadounidense Will Smith, el compositor francés Gabriel Yared y el director y guionista italiano Paolo Sorrentino. «Bajo la presidencia del director, guionista y productor español Pedro Almodóvar, el Jurado del 70º Festival de Cannes estará integrado por ocho figuras clave del Séptimo Arte, procedentes de todo el mundo. Cuatro mujeres y cuatro hombres ayudarán a Pedro Almodóvar a seleccionar entre las películas en Competición«, informa la organización en un comunicado en el que confirma que los ganadores serán anunciados el domingo 28 de mayo en la Ceremonia de Clausura. El Festival de Cine de Cannes se celebrará entre el miércoles 17 y el domingo 28 de mayo de 2017 y la actriz Monica Bellucci ejercerá como maestra de ceremonias. El certamen arrancará con Les fantomes d’Ismaël, el filme de Arnaud Desplechin que se proyectará fuera de competición.

La directora catalana Laura Ferrés es hasta el momento la única representante española que competirá en la 56ª Semana de la Crítica con el cortometraje Los desheredados. Paralela e independiente del 70º Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 17 al 28 de mayo, la Semana de la Crítica está consagrada al descubrimiento de nuevos talentos y, creada en 1962, solo presenta primeros y segundo largometrajes. A medio camino entre el documental y la ficción, el corto de Ferrés afronta un retrato de su padre en el momento en que se enfrenta a la pérdida de la empresa familiar, una flota de autobuses que organiza excursiones, eventos y trayectos escolares, fundada por su bisabuelo. La guionista y directora se graduó en dirección cinematográfica en la Escuela Internacional de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC). Su proyecto de fin de carrera, A Perro Flaco, fue seleccionado en más de 60 festivales y ganó 9 premios en certámenes como la SEMINCI 2014 y Montreal World Film Festival 2015.

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La actriz estadounidense Uma Thurman será la presidenta del jurado de la sección «Una cierta mirada», la segunda competición de mayor importancia en la 70 edición del Festival de Cine de Cannes. En veinte años de carrera, la actriz americana ha demostrado su audacia y su amor por el riesgo: descubierta cuando tenía 17 años en Las amistades peligrosas, de Stephen Frears y Las aventuras del barón Munchausen, de Terry Gilliam, se convierte en la musa de Quentin Tarantino gracias a Pulp Fiction (Palma de Oro en1994) o Kill Bill (volume 1 & 2), ambas presentes en el Festival de Cannes. Miembro del Jurado presidido por Robert De Niro en 2011, Uma Thurman prolonga este año su experiencia cinéfila como presidenta de esta sección, cuya programación propone obras singulares en cuanto a sus objetivos y su estética. El palmarés será desvelado el próximo sábado 27 de mayo.

La Federación Nacional de los Cines Franceses (FNCF) critica que dos películas de la plataforma digital Netflix hayan sido seleccionadas en la competición oficial del Festival de Cine de Cannes. Okja, de Bong Joon Ho, y The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach, dos filmes originales de Netflix, competirán en el prestigioso certamen por la Palma de Oro y se estrenarán a nivel global en la plataforma este año. La FNCF asegura no cuestionar la libertad de programación «del primer festival de cine del mundo» ni que nuevos actores internacionales contribuyan al desarrollo y la financiación de nuevas obras cinematográficas, pero sí plantea sus dudas sobre su difusión. El organismo destaca que si las películas de Cannes se opusieran a la reglamentación en vigor y fuesen difundidas de forma simultánea en Internet y en las salas, podrían ser susceptibles de sanciones por parte del Centro Nacional de Cinematografía (CNC) «¿Y qué pasará si mañana no se proyectan en las salas, cuestionando así su naturaleza de obra cinematográfica?», se pregunta la federación.

La 70 edición del Festival de Cine de Cannes presenta una programación de su sección oficial ecléctica, con nombres consagrados y habituales en su competición por la Palma de Oro, y mucho contenido político. El Certamen, que se celebrará del 17 al 28 de mayo y se inaugurará con Les fatômes d’Ismaël, de Arnaud Desplechin, incluirá los últimos trabajo de Fatih Akin, Noah, Baumbach, Sofia Coppola, Jacques Doillon, Michael Haneke, Todd Haynes, Michel Hazanavicius, Hong Sangsoo, Naomi Kawase, Yorgos Lanthimos, Sergei Loznitsa, François Ozon y Andrey Zvyagintsev, así como de Joon-Ho Bong, Robin Campillo, Kornél Mundruczó, Lynne Ramsay y Benny & Josh Safdie. Nicole Kidman comparte reparto con Colin Farrell en dos películas que se verán en la competición oficial: The Beguiled, una historia ambientada en la Guerra Civil de Estados Unidos, dirigida por Sofia Coppola, y The Killing of a Sacred Deer, del cineasta griego Yorgos Lanthimos. Además, el director mexicano Alejandro González Iñárritu presentará su corto Carne y Arena en realidad virtual y el cineasta David Lynch mostrará los dos primeros episodios del esperado regreso de la serie Twin Peaks.

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La actriz italiana Claudia Cardinale, de 78 años, difunde un comunicado donde resta importancia al retoque que le adelgaza la cadera y las piernas en una imagen de 1959 que será el cartel de la próxima edición del Festival de Cine de Cannes y que fue presentada este miércoles. «Quiero responder a la falsa polémica sobre el póster de Cannes y las consideraciones de algunos sobre los retoques de la imagen. No tengo comentarios respecto al trabajo artístico realizado sobre la foto. Se trata de un póster que, más que representarme a mí, representa una danza, un vuelo. La imagen ha sido retocada para destacar ese efecto de ligereza y transportarme hacia un personaje de sueño: es una sublimación. La preocupación por el realismo aquí no tiene sentido y, como feminista convencida, no veo ningún ataque al cuerpo de la mujer. Hay cosas mucho más importantes para debatir en este momento en el mundo. No nos olvidemos de que esto no es más que cine«, afirma la actriz.

El Festival de Cine de Cannes presenta el cartel promocional de la 70ª edición del certamen, que tendrá lugar entre el 17 y el 28 de mayo de este año. La actriz italiana Claudia Cardinale, conocida por películas como El gatopardo y Fellini ocho y medio, baila sobre un fondo rojo para promocionar un Festival que este año contará con el director Pedro Almodóvar como presidente del jurado. La imagen despierta cierta polémica, ya que varios usuarios acusan en Twitter al Certamen de reducir con Photoshop la cintura y el contorno de las piernas de Cardinale; y comparan la imagen del cartel con la fotografía original de 1959, en blanco y negro. El certamen no ha contestado de momento a las acusaciones. «¡Ella baila, ríe y vive! ¿Qué mejor símbolo para el próximo festival que Claudia Cardinale, la imagen de actriz aventurera, una mujer independiente y una activista social?«, afirman los organizaciones del festival en un comunicado en el que la propia Cardinale dice sentirse «honrada y orgullosa» de ser la imagen de la 70ª edición de Cannes. «Estoy encantada con la elección de esa foto. Es la viva imagen que tengo del festival, un evento que lo ilumina todo. Ese baile sobre un tejado de Roma tuvo lugar en 1959. Nadie recuerda el nombre del fotógrafo… tampoco yo«, afirma la actriz de 78 años, que subraya que la imagen elegida para el cártel le recuerda a sus inicios, «una época en la que jamás habría imaginado que un día subiría las escaleras del palacio del cine más famoso«.

El cineasta rumano Cristian Mungiu presidirá el jurado de la Cinéfondation y de la sección de cortometrajes del 70 Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 17 al 28 de mayo. Mungiu, premio «ex aequo» al mejor director en la pasada edición del Festival por Los exámenes, junto con el francés Olivier Assayas por Personal Shopper, sucede en el puesto a realizadores como Naomi Kawase, Abbas Kiarostami, Jane Campion o Abderrahmane Sissako. El festival recuerda que Mungiu, «eminente representante de la «Nouvelle Vague» rumana«, comparte con el certamen una «larga y brillante historia«. «La Cinéfondation siempre ha dado a los jóvenes cineastas ayuda y el reconocimiento que necesitaban al principio de su carrera (…). Deseo que eso continúe durante mucho tiempo con la misma eficacia y estoy orgulloso de estar asociado a esa iniciativa«, asegura el director sobre su designación. Cada año la Cinéfondation, que es el apartado que Cannes dedica a la búsqueda de nuevos talentos entre los estudiantes de las escuelas de cine de todo el mundo, selecciona entre quince y veinte cortometrajes y mediometrajes sin finalizar para participar en este apartado.

La actriz italiana Monica Bellucci será la maestra de ceremonias de la 70 edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará entre los próximos 17 y 28 de mayo. La actriz, de 52 años, se encargará de animar la gala de apertura y la de clausura, en la que el jurado presidido por el director y productor español Pedro Almodóvar entregará la Palma de Oro y el resto de premios. Bellucci, que ya ejerció como maestra de ceremonias en 2003, sucederá al actor y humorista francés Laurent Lafitte, al frente de la 69 edición, y al actor francés Lambert Wilson, que se encargó de las dos anteriores. Cómoda en todos los géneros, la trayectoria cinematográfica de Bellucci, que maravilla desde la comedia hasta el drama, refleja elecciones artísticas eclécticas y audaces. Ha rodado con cineastas de prestigio como Bertrand Blier, Danièle Thompson, Francis Ford Coppola, Terry Gilliam, Mel Gibson, Sam Mendes o Spike Lee.

El cineasta Pedro Almodóvar se convertirá este año en el primer español en presidir el jurado de la 70ª edición del Festival de Cine de Cannes, aunque ya fue miembro del jurado del Certamen en 1992, dirigido entonces por el actor Gérard Depardieu. Tras aceptar la invitación de Pierre Lescure y Thierry Frémaux, el cineasta ha declarado: «Estoy muy contento poder celebrar el 70 aniversario del Festival de Cannes desde un lugar tan privilegiado. Me siento agradecido, honrado y un poco abrumado. Soy consciente de la responsabilidad que conlleva ser el presidente del jurado y espero estar a la altura. Solo puedo decir que me entregaré en cuerpo y alma a la tarea, que es a la vez un privilegio y un placer«. Cinco de sus películas (Todo sobre mi madre -Premio al mejor director-, Volver -Premio al mejor guion, Premio colectivo a la mejor interpretación femenina-, Los abrazos rotos, La piel que habito, Julieta) han sido seleccionadas en competición. Así mismo, La mala educación inauguró el Festival en 2004 mientras que el director aparecía en el cartel oficial de la 60ª edición. El Festival de Cannes se celebrará entre el miércoles 17 y el domingo 28 de mayo de 2017.

Pierre Lescure fue reelegido como Presidente del Festival Internacional de Cine de Cannes, puesto que ocupa desde julio de 2014, en una reunión celebrada en diciembre de 2016 por la Junta Directiva de la Asociación Francesa del Festival. Lescure  permanecerá al frente del certamen francés en un nuevo período de tres años entre 2018 y 2020 y garantizará la continuidad en la gobernanza del Festival y sus proyectos asociados. Como periodista y cofundador del canal de televisión Canal +, Pierre Lescure fue Presidente y CEO del grupo Canal + de 1994 a 2002. Entre 2008 y 2014, fue productor y COO en el Théâtre Marigny. Desde el año 2015 ha sido Vicepresidente de Molotov TV, la nueva plataforma de televisión digital. Junto a Pierre Lescure, continuará gestionando la institución cinematográfica Thierry Frémaux, Delegado General del certamen de la Costa Azul.

Ken Loach consigue la Palma de Oro de la 69 edición del Festival de Cine de Cannes por la película I, Daniel Blake, mientras que el español Juanjo Giménez es premiado con la Palma de Oro al mejor cortometraje por Timecode. Era la 12ª participación de Loach en la Sección Oficial de Loach, que ya ganó en 2006 con El viento que agita la cebada. El Gran Premio del jurado es para Xavier Dolan por Juste la fin du monde y Divines, de Houda Benyamina, consigue la Cámara de oro. Asimismo, American honey, de Andrea Arnold, gana el Premio del Jurado, mientras que el galardón a la mejor dirección es compartido entre Olivier Assayas por Personal shopper y Christian Mungiu por Bacalaureat. En el apartado interpretativo, Shahab Hosseini es premiado por su trabajo en Forushande, de Ashgar Farhadi, mientras que la actriz Jaclyn Jose es premiada por Ma’rosa, de Brillante Mendoza. El jurado, presidido por George Miller, estuvo conformado por el director y guionista francés Arnaud Desplechin, la actriz estadounidense Kirsten Dunst, la actriz y directora italiana Valeria Golino, el actor danés Mads Mikkelsen, el director y guionista húngaro László Nemes, la actriz y cantante francesa Vanessa Paradis, la productora iraní Katayoon Shahabi y el actor canadiense Donald Sutherland. En la ceremonia de entrega de premios se rinde homenaje en forma de Palma de Honor a Jean-Pierre Léaud, quien asegura que «Yo nací en Cannes. Siento la misma alegría que cuando Truffaut me hizo subir al escenario en 1959«.

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El director y productor Juanjo Giménez consigue la Palma de Oro al mejor cortometraje en la 69º edición del Festival de Cine de Cannes por su obra Timecode. Giménez, de 53 años y natural de Barcelona, se convierte en el primer director español en lograr la Palma de Oro en la categoría de cortometrajes, y en el segundo en conseguir este premio tras Luis Buñuel, que fue premiado en 1961 con el máximo galardón del Certamen por su película Viridiana. Después de recibir el premio, que es entregado por la cineasta japonesa Naomi Kawase y la actriz francesa Marina Foïs, Juanjo Giménez recuerda precisamente al director aragonés. «Luis Buñuel, tú tienes la grande, pero yo tengo la pequeña, que es todavía más dificil de lograr«, afirma tras conseguir la Palma de Oro. El cortometraje Timecode está protagonizado por Lali Ayguadé y Nicolas Ricchini, con guión del propio Giménez.

Hoy hemos asistido a un acontecimiento histórico: Albert Serra acompañado por Jean Pierre Léaud han presentado fuera de competición, en una sesión especial en la sala de la Soixantième de Cannes la última película del director catalán, La Muerte de Luis XIV, en la que el enorme actor, historia viva del cine, interpreta al Rey Sol en sus últimos días. ¡Qué emoción, ver al gran Léaud, que el domingo recibirá una Palma de oro de Honor por el conjunto de su carrera!

Sin apenas diálogos, sumergido en un profundo pero autoritario silencio, el actor a las órdenes de Serra devuelve una pátina de cotidianidad difícil de imaginar en la vida del monarca absolutista que sobrevivió a gran parte de su propia familia.

Serra regresa al mito, a las construcciones del gran inconsciente colectivo europeo para otorgarles la humanidad más próxima, bajo una rica escenografía que en esta ocasión si ha podido ser documentada plenamente dada la existencia de una abundante iconografía, – de naturaleza pictórica- al respecto. En este sentido podría calificarse de menos arriesgada la apuesta de Serra, que se aproxima en la pura representación al film de Peter Greenaway La Ronda de Noche donde se reproduce cinemáticamente uno de los cuadros más famosos de Rembrandt.

En el caso de La Muerte de Luis XIV, existe un cuidado extremo hacia la verosimilitud del gesto del rey moribundo. El respeto por el tiempo de la pérdida, el avance de la enfermedad, las reuniones de los médicos de la corte, la administración de los últimos sacramentos… El silencio de la sala de cine es el mismo que el del dormitorio del monarca, el espectador asiste a los últimos estertores de éste: la muerte de un hombre (algo que confiesa haber marcado al propio Léaud) en el que la gangrena ha hecho estragos ante la mirada impotente de sus valedores.
Serra elige un hecho para otorgarle toda su dimensión de temporalidad con un dominio precioso del tiempo cinematográfico, porque no olvidemos que el cine es un arte del tiempo.

En primer lugar fue el Quijote en Honor de cavalleria, después los Reyes Magos (El cant dels Ocells) y finalmente a Casanova, a quien a partir de sus memorias convirtió en un Drácula en Historia de la Meva Mort, alzándose gracias a ella con el Leopardo de Oro en Locarno.

Este magnífico regreso a las pantallas de uno de los grandes directores del panorama artístico internacional confirma de nuevo su gran talento.

Por Esmeralda Barriendos

La película El día más feliz en la vida de Olli Mäki, ópera prima del realizador finlandés Juho Kuosmanen consigue el premio de la sección Una Cierta Mirada en el Festival de Cine de Cannes. En blanco y negro, la película se inspira en la verdadera historia de un pretendiente al título de campeón del mundo de peso pluma de boxeo, al inicio de los años 1960. El jurado otorga el premio a un filme «de una gracia infinita, una originalidad increíble«, declara su presidenta, la actriz suiza Marthe Keller. Así mismo, el japonés Fukada Koji recibe el premio del jurado por Harmonium y el actor y realizador estadounidense Matt Ross el premio a la mejor dirección por Captain Fantastic. Las hermanas francesas Delphine y Muriel Coulin se llevan el reconocimiento al mejor guión por Voir du Pays, y la película de animación La tortuga roja, del holandés Michael Dudok De Wit, el premio especial.

La Federación Internacional de Críticos de Cines (FIPRESCI) entrega su galardón a una película de la sección oficial a Toni Erdmann, de la cineasta alemana Maren Ade, al considerarla «una película magníficamente construida, fabricada con un enfoque fresco y sensible, que captura la compleja relación entre un padre y una hija y relata la locura del mundo actual«. Respecto a la sección Una cierta mirada, la película elegida es Dogs, del rumano Bogdan Mirica, «una prometedora ópera prima que combina hábilmente el «thriller» y el «western», mostrando los conflictos de la Rumanía contemporánea» según el jurado. Por último, el premio que se concede a una de las películas presentadas en la Quincena de los Realizadores o la Semana de la Crítica, el reconocimiento es para Grave, de la francesa Julia Ducournau, «un debut impresionante con un fuerte lenguaje visual«.

Concluyen las proyecciones de la sección oficial a concurso con la recuperación de un veterano cineasta como Paul Verhoeven, que presenta en esta edición del Festival de Cine de Cannes la película Elle, protagonizada por Isabelle Huppert. Se trata de una adaptación de Oh… del novelista francés Philippe Djian. El gato de Michèle (Huppert) está encerrado dentro de casa. Ella le abre la ventana para que pueda salir y un hombre vestido con un mono negro y pasamontañas entra y la viola. Un transtorno radical en la vida de esta empresaria fuerte y temperamental, que se debate a partir de ese momento entre las ansias de venganza y el temor continuo. La otra película de la jornada es Forushande (The Salesman), thriller familiar de Asghar Farhadi con el que regresa a Irán y escruta nuevamente las relaciones entre los hombres y las mujeres. La cinta narra la historia de una pareja de actores que debe enfrentar grandes cambios cuando se mudan. El relato, voluntariamente simple, muestra a una pareja aparentemente común, afectada por sucesos perturbadores externos.

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Parece que el Festival de Cine de Cannes tiene una especie de obsesión por hacer competir a determinados directores una y otra vez en la sección oficial. Varios son los que a lo largo de esta semana vuelven a intentar conseguir con la Palma de Oro. En la presente jornada le toca el turno a Sean Penn, que ya competió en 2001 con El juramento (The Pledge) y que ahora presenta The Last Face. En esta película reúne a Charlize Theron y Javier Bardem para encarnar la historia de amor de dos médicos humanitarios en misión en Liberia. Para conservar su amor naciente, deberán hallar un punto medio en su desencuentro sobre las políticas que hay que adoptar sobre el terreno frente al conflicto que les rodea. El otro filme a concurso del día es The Neon Demon, del danés Nicolas Winding Refn, quien obtuvo con Drive el Premio al mejor director en 2011. Ambientada en Los Ángeles, en un universo tan real como artificial, la película se centra en personajes obsesionados por la belleza. Se trata de un tema sobre el que este cineasta venía reflexionando desde hace algún tiempo, y la belleza que describe es una belleza cuyo poder él mismo ha presenciado en su entorno cercano y en sus encuentros profesionales. Filnalmente, la cineasta Naomi Kawase anuncia el palmarés de la 19ª edición de la Cinéfondation, cuyo primer premio recae en Anna, de Or Sinai, de la Sam Spiegel Film & TV School, de Israel.

La película Mimosas, dirigida por Oliver Laxe consigue el Premio Principal de la 55ª edición de la Semana de la Crítica del Festival de Cine de Cannes 2016. En la segunda participación en el Certamen de Laxe tras su paso en el año 2010 con Todos vós sodes capitáns, Premio FIPRESCI de esa edición, el director gallego vuelve a ser galardonado en Cannes, en esta ocasión con el Nespresso Grand Prix. Mimosas es una coproducción entre Zeitun Films (España), La Prod (Marruecos) y Rouge International (Francia) y con ventas internacionales a cargo de Luxbox. Su rodaje se llevó a cabo en Marruecos, en diferentes localizaciones como las montañas nevadas del Anti-Atlas, el Lago Ifni, los valles de Tamalloute o las Gargantas de Achaabou, parajes duros, áridos, pero también de gran belleza, y que hacen de la naturaleza no solo un mero decorado, sino que la convierten en uno de los principales protagonistas de la película.

El cineasta Xavier Dolan regresa a la competición del Festival de Cine de Cannes, pese a su juventud, con Juste la fin du monde (It’s Only the End of the World), adaptación de una obra de teatro de Jean-Luc Lagarce. Protagonizada por Gaspard Ulliel, Marion Cotillard, Léa Seydoux, Vincent Cassel y Nathalie Baye, la película se centra en la historia de Louis, un escritor que se regresa junto a su familia para anunciarles que pronto morirá. Por otro lado, el rumano Cristian Mungiu, ganador de la Palma de Oro con 4 meses, 3 semanas y 2 días en 2007, también lo vuelve a intentar este año con Bacalaureat (Graduation), una película muy autobiográfica, en la que Eliza, que siempre ha sido buena alumna, enfrentarse a la selectividad no debería ser más que un trámite. Roméo, su padre, se felicita por haber logrado encaminar a su hija por el camino universitario. Hasta que un día Eliza es víctima de una agresión. Todo su futuro se torna confuso y Roméo dejará de lado los principios inculcados a su familia para remediar la situación. Fuera de la sección oficial Albert Serra presenta La muerte de Luis XIV, protagonizada por el mítico Jean Pierre Léaud que acapara toda la atención de un Certamen que este año le concede la Palma de Oro de honor.

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La decepción llega a esta edición del Festival de Cine de Cannes con la obra de unos cineastas consagrados en anteriores ediciones del Certamen. Por un lado, Brillante Mendoza presenta Ma’Rosa, un drama social que transcurre en los callejones de Manila. Cámara vibrante al hombro, realismo casi documental, representación sin concesión de un día a día de supervivencia en las chabolas de Manila, ya desde las primeras imágenes la película desvela el estilo radical e innovador impuesto internacionalmente por este cineasta procedente de la publicidad. Por otro lado, los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne regresan a la sección oficial con La Fille Inconnue, protagonizada por la actriz francesa Adèle Haenel como una joven médica de familia que tiene un gran sentimiento de culpa por haber ignorado a una chica que le pidió ayuda en el consultorio y a la que encuentran muerta no lejos de allí. Los Dardenne regresan de esta forma a los suburbios de Liège, su ciudad natal y el lugar en el que filman con mayor frecuencia, para narrar la historia de una investigación en un entorno médico.

Pedro Almodóvar vuelve a encandilar al Festival de Cine de Cannes y acude a la rueda de prensa acompañado por el reparto de Julieta, integrada por Emma Suárez, Adriana Ugarte, Michelle Jenner, Inma Cuesta, Daniel Grado y Rossy de Palma, y su hermano, el productor Agustín Almodóvar. Almodóvar asegura que, al contrario que otros directores consagrados, no tiene ningún problema con participar en la competición oficial de Cannes porque así demuestra que no es “una vaca sagrada” y añade que «Yo, de momento, no tengo el talento ni de Woody Allen ni de Steven Spielberg«, dos directores que han participado en el Festival con sus últimos trabajos, pero fuera de competición. «Ya que vienes a Cannes, yo prefiero hacerlo en competición. La película la van a ver los periodistas, va a recibir críticas y prefiero estar en competición porque es más excitante, demuestro que no soy una vaca sagrada, vengo a estar a la altura de las películas de competición«, destaca. La jornada se completa con la proyección de Personal Shopper, un thriller sobrenatural dirigido por Olivier Assayas y protagonizado por su nueva musa, Kristen Stewart, que encarna a Maureen, una joven estadounidense en París que se encarga del vestuario de una famosa. Aunque desprecia su trabajo, le permite pagar su estancia mientras aguarda a que se manifieste el espíritu de Lewis, su hermano gemelo, recientemente fallecido. La película es recibida con abucheos en el pase de prensa pero se destaca las actuaciones de sus protagonistas.

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Jim Jarmusch despierta los ánimos de la sección oficial con Paterson, cuya poesía cobran vida en New Jersey en los años 2000. A veces extravagantes y siempre singulares, sus personajes prefieren los suburbios perdidos en los lugares más recónditos de Estados Unidos, y Paterson (Adam Driver) no es una excepción a esta regla. Su nombre es Paterson y vive en Paterson, una pequeña ciudad de New Jersey. La cámara de Jarmusch muestra siete días en la vida de este conductor de autobús poeta y observador, casado con Laura (la actriz franco iraní Golshifteh Farahani), una mujer emprendedora. Otro cineasta norteamericano, Jeff Nichols, completa las proyecciones a concurso de esta americanizada jornada del Festival de Cine de Cannes. En Loving, Nichols, tras aventurarse en el universo de la ciencia ficción confirma su voluntad de explorar otros géneros cinematográficos. Inspirado en una historia real, este drama narra la historia de la lucha jurídica de una pareja interracial para que se reconozca su unión en los años 1950 en Estados Unidos. Así mismo, el cineasta Oliver Laxe presenta en la Semana de la Crítica el filme Mimosas, viaje místico por las montañas de Marruecos que aspira a capturar la esencia de la fé religiosa. En la película, una caravana acompaña a un jeque a través de las montañas del Atlas, en su último viaje para morir en el pueblo natal. La muerte de éste por el camino no cambia la determinación de los suyos para completar la aventura, aunque por el ruta aparecen nuevos obstáculos. «Hoy el nivel de escepticismo es tal que hemos acabado con el propio escepticismo y estamos en un proceso de re-sacralización del mundo«, comenta Laxe. «Muchas películas y muchos artistas hoy buscan eso» y añade que el filme «es un espejo, y cada cual se mira en él como le parece«.

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Para su primera película rodada fuera de Gran Bretaña, la cineasta Andrea Arnold presenta en el Festival de Cine de Cannes un drama de contornos visuales audaces. La abucheada American Honey evoca el deseo de independencia de una adolescente embarcada en una espiral de depravación por el equipo comercial de una revista. Una joven, la debutante Sasha Lane, procedente de una familia disfuncional en Texas, se une a un grupo de jóvenes desarraigados, entre los que figura Shia LaBeouf, que se buscan la vida vendiendo suscripciones a revistas casa por casa, en barrios acomodados de grandes ciudades del sur del país. La jornada, protagonizada por dos mujeres cineastas, se completa con el último trabajo de Nicole Garcia, quien acumula ya siete participaciones en la sección oficial, tanto en su vertiente de actriz como de directora, además de su presencia como miembro del jurado de los largometrajes en 2000. Mal de Pierres (From the land of the moon), su tercera película en competición, es una adaptación novelesca del libro de la italiana Milena Agus, protagonizada por Marion Cotillard como apasionada heroína. Ambientada en los años cincuenta y la cinta relata la historia de esta mujer a la que sus padres deciden casarla con un granjero español (Alex Brendemühl) que huye de la guerra. Durante una cura conoce a un veterano de la guerra de Indochina (Louis Garrel), del que se enamora apasionadamente y su marido, por amor a ella, acepta la relación.

El gran cineasta surcoreano Park Chan-Wook presenta en esta edición del Festival de Cine de Cannes la película Agassi (The Handmaiden), en la que se enfrenta a un thriller de época con la adaptación de Falsa identidad, la novela de Sarah Waters. La historia original transcurre en Londres en la época victoriana, pero el cineasta ha cambiado el telón de fondo y su versión transcurre durante la colonización japonesa de Corea en los años 1930. El cineasta cuenta la historia de Sookee, que trabaja como mucama para Hideko, una japonesa adinerada que vive aislada, bajo la autoridad de su tío. Con la complicidad de un estafador que se hace pasar por un conde japonés, Sookee intentará cambiar la situación. Se completa la jornada de la competición oficial con la presencia de la alemana Maren Ade, quien siete años después de la luminosa Entre nosotros, explora una vez más las rupturas que afectan a las relaciones humanas con Toni Erdmann, su tercer largometraje, en el que una pareja de treintañeros, cuyo amor se va apagando irremediablemente, se enlazan y se rechazan hasta la ruptura bajo el sol de Cerdeña. Fuera de concurso, Steven Spielberg muestra The BFG, un cuento fantástico filmado en live action basado en la novela de Roald Dahl, éxito mundial traducido en 41 idiomas. Con esta historia de amistad entre una huérfana de 10 años (Ruby Barnhill) y un simpático gigante de siete metros con orejas enormes, vegetariano y pacifista (Mark Rylance), Spielberg regresa a las películas para toda la familia en su última colaboración con la guionista de E.T. El Extraterrestre, Melissa Mathison.

Nada menos que 25 largometrajes, catorce de los cuales han competido en el Festival de Cine de Cannes, son los que Ken Loach contabiliza, incluida la Palma de Oro en 2006 con El viento que agita la cebada, hasta llegar a la aplaudida I, Daniel Blake (Yo, Daniel Blake). En esta película, como en la vida, la sombría ferocidad de la administración no impide recurrir al humor negro. Paul Laverty, cómplice desde siempre de Loach, firma una vez más el guión de su última película, nacida de la consternación de los dos hombres frente a la actitud deliberadamente cruel de la administración. Además, dos años después de la magnífica miniserie El pequeño Quinquin (P’tit Quinquin), Bruno Dumont explora la comedia social burlesca en la desconcertante Ma Loute (Slack Bay), y se remonta en el tiempo para viajar hasta 1910 en Pas-de-Calais, donde tiene lugar una historia de amor fantasista con unas misteriosas desapariciones como telón de fondo. De regreso en la costa de ópalo, la región costera del norte de Francia, Dumont lleva a escena la historia de amor entre Ma Loute Brufort, un hijo de pescadores sospechosos de antropofagia, y Billie Van Peteghem, una burguesa andrógina procedente de una familia decadente. Finalmente, y como proyección especial, Rithy Panh, cuya obra es un inmenso ejercicio de memoria, presenta Exil (Exile), una meditación sobre la ausencia, sobre la soledad interior, geográfica, política.

Arrancan las proyecciones de la sección oficial a concurso del Festival de Cine de Cannes con el retorno de Alain Guiraudie, tras causar sensación con El desconocido del lago, premiada en la sección Una cierta mirada. Rester vertical (Staying vertical) es el polémico quinto largometraje de Guiraudie en el que dos jóvenes se enamoran el corazón del departamento francés de Lozère, aunque lo que podría haber sido un acontecimiento feliz se transforma en un fiasco. Un bebé llega, Marie sufre una depresión y se marcha sin decir ni una palabra. Léo cuida del niño mientras lucha por encontrar la inspiración. Por otro lado, el rumano Cristi Puiu, ganador del premio Una cierta mirada en 2005 por La muerte del señor Lazarescu llega a la competición con Sieranevada, un drama familiar en el corazón de Bucarest que evoca el tono de sus películas anteriores y confirma la vitalidad del cine rumano. Fuera de concurso, George Clooney y Julia Roberts comparten cartel en Money Monster, de Jodie Foster, película con la que se reencuentran tras Ocean’s Twelve. Glamur y tensión se entremezclan en este thriller que sucede durante un programa de televisión en directo.

El Festival de Cine de Cannes comienza con Café Society, de Woody Allen, protagonizada por Russell Crowe, Robert De Niro o Julia Roberts, acompañada de su fiel cómplice George Clooney. Financiada por el gigante de la distribución en línea Amazon, la cinta cuenta la historia de un joven que se instala en el Hollywood de los años 30, con la esperanza de trabajar en la industria del séptimo arte. Se trata de la tercera vez que un filme de Woody Allen, de 80 años, abre el festival francés, tras Un final made in Hollywood en 2002 y Medianoche en París en 2001. En total, 21 filmes de 14 nacionalidades distintas aspiran a la Palma de Oro, el máximo galardón que será otorgado el 22 de mayo por un jurado presidido por el australiano George Miller. Seis meses después de los atentados de París, en un país aún en estado de emergencia, el Festival se desarrollará bajo un dispositivo de seguridad «máximo». Un total de seis producciones españolas participarán en la presente edición. Por un lado, Julieta, de Pedro Almodóvar, que competirá por la Palma de Oro, y el cortometraje Timecode, de Juanjo Giménez. La mort de Louis XIV, de Albert Serra estará también presente en la Sección Oficial, en este caso fuera de competición. Además, otros tres títulos participan en otras secciones del Festival: en la Semana de la Crítica acude Las Mimosas, de Oliver Laxe; en la Quincena de Realizadores, Neruda, de Pablo Larraín, y el cortometraje Decorado, de Alberto Vázquez; y en L’Atelier, Ánimas, de José F. Ortuño.

El Festival de Cine de Cannes anuncia que su Palma de Honor de este año será para el actor francés Jean-Pierre Léaud, quien en esta edición estará presente en la película La muerte de Luis XIV del cineasta Albert Serra. Los organizadores destacan que Léaud «forma parte de la leyenda» del Festival de Cine de Cannes, para explicar por qué se han decantado por este actor de 71 años para su Palma de Honor. Empezando porque fue el protagonista de la famosa película Los cuatrocientos golpes, de François Truffaut, que fue quien lo descubrió como actor, y que con ella causó ya sensación con sólo 14 años en el certamen de 1959. «Su espontaneidad encarna por sí sola el viento de libertad que la Nouvelle Vague llevó al séptimo arte«, subrayan los responsables del Festival.

La actriz estadunidense Kirsten Dunst y la intérprete y cantante francesa Vanessa Paradis serán dos de los ocho miembros del jurado de la 69 edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 11 al 22 de mayo. El jurado, tal y como avanzó la organización el pasado febrero, estará presidido por el director, guionista y productor australiano George Miller. A su lado estarán también el director y guionista húngaro László Nemes, que el año pasado se hizo con el Gran Premio del Jurado por El hijo de Saul, su ópera prima. El director francés Arnaud Desplechin, la actriz, directora y productora italiana Valeria Golino, el actor danés Mads Mikkelsen, la productora iraní Katayoon Shahabi y el actor canadiense Donald Sutherland completan la lista de elegidos. «Cannes siempre ha buscado un enfoque universal e internacional, y en línea con su tradición, George Miller estará rodeado por ocho personalidades del cine mundial procedentes de Irán, Dinamarca, Estados Unidos, Italia, Francia, Canadá y Hungría«, asegura el festival en su comunicado.

Las secciones oficiales del 69º Festival de Cine de Cannes añade seis nuevos títulos a los ya anunciados hace ocho días por el delegado general Thierry Frémaux. Entre ellos, Asghar Farhadi se une a la competición de la Palma de Oro con The salesman, lo que hace que el número de participantes pase a 21. Fahadi compite en Cannes por segunda vez tras El pasado en 2013, que le proporcionó el premio a mejor actriz a Bérénice Bejo. La selección «Una cierta mirada», que inaugurará finalmente Clash del egipcio Mohamed Diab, recibe la llegada de la producción americana Hell or High Water del británico David Mackenzie. En cuanto a las proyecciones especiales, se incluyen Chouf de Karim Dridi, el documental Wrong Elements del novelista americano Jonathan Littell y el primer largometraje como director del actor Grégoire Leprince-Ringuet, La forêt de quinconces. Por último, la producción francesa Blood Father, de Jean-François Richet, protagonizada por Mel Gibson, se proyectará en sesión de medianoche. Cabe señalar que Iggy Pop asistirá a la proyección de Gimme danger, la película que Jim Jarmusch le ha dedicado.