Categoría: Cannes

El director del Festival de Cine de Cannes, Thierry Fremaux, confirma que Netflix no podrá competir por la Palma de Oro en Cannes. «A la gente de Netflix le encantó la alfombra roja y le gustaría estar presente con otras películas. Pero entienden que la intransigencia de su propio modelo es en estos momentos el opuesto al nuestro«, explica Fremaux en declaraciones a The Hollywood Reporter. Así mismo, señala que tanto Netflix como otras plataformas de streaming podrán presentar sus proyectos en el marco del prestigioso festival, pero siempre fuera de competición. Una decisión que llega después de que el año pasado se formase un gran revuelo cuando la dirección permitió entrar en competición a cintas como Okja, de Bong Joon-ho, o The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach. «El año pasado, cuando seleccionamos estas dos películas, pensé que podría convencer a Netflix para lanzarlas en los cines. Yo era presuntuoso… Se negaron«, confiesa Fremaux admitiendo que subestimó las pretensiones de Netflix.

El Festival de Cine de Cannes decidido prohibir los selfies en los desfiles por la alfombra roja que preceden a la proyección de las películas más esperadas de cada edición, según anuncia su delegado general, Thierry Frémaux. Hace tres años, Frémaux pidió públicamente que las estrellas e invitados que pasaran por la alfombra roja no se unieran a esa costumbre «extremadamente ridícula y grotesca«, que además ralentizaba el estricto horario de la organización. Frémaux lamentó entonces que quienes pasaban por la alfombra se pararan cada dos metros «para hacerse una foto de sí mismos«, pero dado que su recomendación no tuvo el efecto deseado, ahora ha decidido prohibir esta práctica, según señala el responsable de Cannes en una entrevista publicada hoy por la revista Le Film Français. La edición de este año contará con más novedades, como el adelanto de su comienzo en un día (el martes) para que así los premios se entreguen en sábado y no en domingo como hasta ahora, lo que dará más visibilidad a la gala. También eliminará los pases para la prensa y público antes del estreno de las películas por la noche, de forma que esa proyección de gala, precedida por el desfile por la alfombra roja, sea el estreno mundial del filme.

La actriz Cate Blanchett será la encargada de presidir el jurado en el Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 8 al 19 de mayo. La artista australiana sucederá así al director español Pedro Almodóvar, que presidió el Certamen el año pasado. Blanchett es la duodécima mujer presidente del jurado de Cannes, cuatro años después de la realizadora neozelandesa Jane Campion (la única directora en ganar una Palma de Oro en toda la historia del festival). «Voy a Cannes desde hace años como actriz, como productora, para las noches de gala y por las sesiones de competición, incluso por el mercado. Pero todavía no había ido por el mero placer de aprovechar la abundancia de películas de este gran festival«, declara la actriz en un comunicado. «Estamos muy felices de acoger a una artista singular cuyo talento y convicciones irrigan las pantallas de cine y los escenarios de teatro. Nuestras conversaciones, este otoño, avanzan que será una presidenta comprometida, una mujer apasionada y una espectadora generosa«, afirman Pierre Lescure, presidente del Festival, y Thierry Frémaux, delegado general.

Pierre Lescure, presidente del Festival de Cine de Cannes anuncia a través de un comunicado el cambio de fechas de la celebración de su 71 edición, que se adelanta un día y será del próximo 8 al 19 de mayo, para impulsar su visibilidad. El pasado mes de junio, se anunció que el Certamen iba a tener lugar entre el 9 y el 20 de mayo. El nuevo calendario, según la nota, permite reequilibrar las dos semanas de duración y dinamizar su desarrollo. «El Festival abre un nuevo periodo de su historia. Pretendemos renovar lo más posible los principios de nuestra organización al mismo tiempo que seguimos interrogándonos sobre el cine de nuestra época y acompañando sus transformaciones«, asegura Lescure. La organización valoró que empezar un martes en lugar del miércoles previsto anteriormente, hace que puedan añadir una velada de gala antes de su primer fin de semana y organizar preestrenos en toda Francia, con la película de apertura. El festival añade que revelar la Palma de Oro y el resto del palmarés en sábado y no en domingo incrementará su prestigio, al mismo tiempo que el filme de clausura, tendrá mayor repercusión.

La comedia The Square, dirigida por el sueco Ruben Östlund, consigue la Palma de Oro del 70º Festival de Cine de Cannes. Así mismo, el Gran Premio del Jurado, presidido por Pedro Almodóvar, es para la película sobre el sida 120 pulsaciones por minuto, de Robin Campillo; el Premio del Jurado para Nelyubov, de Andréi Zyvagintsev; la Mejor dirección recae en Sofia Coppola, por La seducción; Mejor actor, Joaquin Phoenix, por You Were Never Really Here; Mejor actriz, Diane Kruger, por In the Fade, y Nicole Kidman es distinguida con el Premio Especial de esta 70 edición. Por otro lado, hay que mencionar que el premio al descubrimiento en la sección de cortometraje de la Semana de la Crítica es para la española Laura Ferrés por Los desheredados.

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La defensa del dragón es una bella película colombiana que tuve la oportunidad de ver estos días durante el Festival de Cine de Cannes, en la sección de la Quincena de los Realizadores.

Primer largometraje de la directora Natalia Santa, el film recibe su nombre de una popular jugada de ajedrez denominada “la defensa siciliana variante del dragón”. Dicen que esta jugada tiene un carácter agresivo y peligroso, algo que no es de ningún modo la vida ni el carácter de los tres personajes protagonistas: tres hombres solos unidos por la pasión del ajedrez, que pasan la vida entre el Casino Caribe, la cafetería La Normanda y el Club Lasker, en el corazón de Bogotá.

El ritmo de la película señala con acierto la monotonía que impregna sus vidas, en la que los personajes se hallan realmente cómodos, al margen de un denostado progreso, y sólo sufrirá alguna modificación cuando su día a día se vea sometido a pequeños cambios.

Con un humor muy fino, es casi imposible no pensar en una cierta influencia del mundo de Kaurismaki, que alcanza incluso a la música del film. De Finlandia a Colombia. A señalar la brevedad de las escenas durante una buena parte de la película,  desde su inicio, algo que realmente supone un intencionado ejercicio de estilo.

Natalia Santa, que embargada por la emoción apenas pudo pronunciar unas palabras durante la presentación del film en el Teatro de la Croissette, se inspiró en unas fotografías tomadas por su marido de algunos lugares del centro de Bogotá que parecen anclados en el tiempo, y en las personas que habitan en ellos.

Una sabia elección de los actores, una acertada fotografía, encuadres que desvelan el detalle que habla de esos ambientes sin necesidad de insertos innecesarios. Una película sencilla para disfrutar del cine de la calle, de la vida.

La edición de esta película ha corrido a cargo de nuestro querido Juan Soto.

Esmeralda Barriendos

Concluyen las proyecciones de la sección oficial a concurso con You were really never here, de la realizadora escocesa Lynne Ramsay, protagonizada por el actor Joaquin Phoenix y que ha resultado un grata sorpresa. En su nuevo largometraje, una historia oscura adaptada de la novela del mismo nombre de Jonathan Ames, Lynne Ramsay evoca la relación entre los niños y los adultos, un tema que ya había tratado en Tenemos que hablar de Kevin, que hablaba de la relación ambigua entre una madre y su hijo violento. «La mayoría de realizadores tienen un acercamiento un poco psicológico, se interesan en la condición humana porque estamos en una época muy traumatizante, pero yo lo que quiero es acercarme a los personajes, a sus defectos y esta ha sido una excelente oportunidad para hacerlo«, señala Ramsay. Fuera de competición, Roman Polanski adapta en D’après une histoire vraie (Según una historia verdadera) el best-seller del mismo título de Delphine de Vigan, para narrar la intimidad repentina y tóxica entre dos mujeres: Delphine, interpretada por Emmanuelle Seigner, y Elle, un inquietante personaje interpretado por Eva Green.

La película The Rider, de Chloé Zhao, obtiene el «Art Cinema Award» de la Quincena de los Realizadores, principal reconocimiento de este apartado no competitivo del Festival de Cine de Cannes. En la película una estrella del rodeo y entrenador de caballos intenta controlar su propio destino a través de la búsqueda de una nueva identidad después de un aparatoso accidente. El filme está dirigido la también escritora Chloé Zhao, quien debutó en el largometraje en 2015 con Songs My Brothers Taught Me premiada en el Festival de Cine de Sundance. El «premio SACD», concedido por la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos a un filme de habla francesa, es concedido «ex aequo» a L’Amant d’un jour, de Philippe Garrel, y Un beau soleil intérieur, de Claire Denis y protagonizado por Juliette Binoche. Y por último, el «Label Cinema Europa», en el que los miembros de la red de distribuidores Europa Cinemas distinguen a una película europea, es entregado a A Ciambra, de Jonas Carpignano, mientras que Benoît Grimalt obtiene por Retour à Genoa City el Premio Illy al mejor cortometraje.

François Ozon combina tensión psicológica y sexual en su tercera película en competición en el Festival de Cine de Cannes, L’Amant double. En su octavo largometraje, Ozon narra la historia de Chloé, una joven frágil que comienza un tratamiento de psicoterapia y se enamora de Paul, su terapeuta. A los meses de haber comenzado una relación se van a vivir juntos, pero el idilio se transforma en sospechas cuando Chloé descubre que Paul le ha ocultado una parte de su identidad. Por otro lado, el director alemán de origen turco Fatih Akin, presenta Aus Dem Nichts (In the Fade), un thriller dramático encabezado por Diane Kruger. Es en Hamburgo, su ciudad natal, en el corazón de la comunidad turca, donde Akin sitúa la intriga de su película. Narra la historia de Katja, una joven alemana cuya vida se hunde el día que su marido y su hijo pierden la vida en un atentado con bomba. Desolada por este evento trágico, Katja decide vengarse.

En un primer momento, Sergei Loniztsa deseaba contar el destino de una mujer, cuyo esposo está cumpliendo condena en prisión. Ella le envía un paquete que le es devuelto. Sin entender a qué se ha debido, decide ir en busca de la respuesta y así, da comienzo la película.

En palabras del director, el film tiene poco que ver con el relato breve de Dostoievski titulado La Dulce, puesto que su deseo no era llevar a cabo un trabajo de orden íntimo o introspectivo. En lugar del sufrimiento inherente a un personaje, al tormento psicológico interior, la intención de Loznitsa era describir un espacio, un habitat en el que los seres humanos están obligados a existir.

Siento tener que expresar una profunda decepción personal ante Una Mujer Dulce. No he tenido oportunidad de ver ninguno de los anteriores largometrajes de Loznitsa, ni sus trabajos en el documental, pero sí tenía unas buenas expectativas al respecto dado que disfruta de una gran reputación entre algunos cinéfilos.

En la entrevista publicada en el dossier de prensa, el director habla de la metáfora de un país impregnado por todas las formas de violencia imaginables. En mi opinión, la película no acierta en las escenas de conjunto que pretenden mostrar dicha violencia en todas y cada una de sus formas. No acierta ni en la elección del punto de vista, -el lugar de la cámara-, ni en todo lo concerniente a la puesta en escena.

Intérpretes grotescos inspirados quizás en la pintura de Grosz, y sin embargo nada verosímiles en su expresión, se hallan muy lejos de la esencia del cine; estos pronuncian unos diálogos excesivamente largos donde se describen a sí mismos, abordando a la protagonista siempre súbitamente, sin que el encuentro surja de la vida, apenas en contadas ocasiones…

Loznitsa es un hombre que posee una cierta sabiduría que no ha sabido transmitir en imágenes. Sólo el vagar de la mujer dulce está filmado con gran destreza. Pero el lenguaje de su cine frente a su escritura, frente a la toma de conciencia de su propio trabajo, está tan alejado uno de otro, que el resultado es una película muy desigual, exaltada y redundante.

Esmeralda Barriendos

INTRODUCCIÓN A BELLE DE JOUR
Por Jean-Claude Carrière

En 1966, los hermanos Hakim, unos conocidos productores “comerciales” propusieron a Luis Buñuel la adaptación de la novela de Joseph Kessel, “Belle de jour”. Buñuel me explicó sus dudas en una larga carta, pero finalmente aceptó. Algunos de mis amigos se extrañaron mucho de que aceptase, Louis Malle especialmente. ¿Qué busca Buñuel en esa novela de tres al cuarto(1)?

Cuando comenzamos a trabajar en ello, sabíamos que nos aventurábamos, (nosotros, dos hombres, uno de ellos español) en el poco transitado territorio del erotismo femenino, ese campo que Freud denominó “el continente negro”. Y sabíamos que corríamos el riesgo de perdernos.

Desde el primer momento, vimos el peligro, era evidente. Tuvimos la precaución de documentarnos, visitando algunas casas de citas, en Madrid fundamentalmente, para hablar con las encargadas, las jefas. No se hicieron de rogar y nos facilitaron ejemplos de burguesas insatisfechas que acudían a ellas a primera hora de la tarde.

Al mismo tiempo, se perfilaba la idea de que Séverine, el personaje principal que interpreta Catherine Deneuve, se alimentaba de sus fantasmas, y debíamos mostrarlos (algo que no se halla en la novela), aún sabiendo que no teníamos derecho a inventarlos.

Por ello, preguntamos a algunas mujeres de nuestro entorno, y a algunas de ellas, incluso entre nuestras amigas más cercanas, nos confiaron sus deseos más secretos. Es cierto que hicimos una elección, pero puedo asegurar que todos los fantasmas de la película fueron relatados por mujeres.

En cambio, respecto a la “realidad”, -la vida de pareja de Séverine, las relaciones con sus amigos, el desarrollo general de la intreiga-, hicimos muy pocos cambios. La extraña atmósfera de la película se debe quizás al contraste entre una realidad de novela barata, y en consecuencia, irreal, convencional, falsa, y la verdad brutal de los fantasmas. Lo “verdadero” es falso y lo imaginario es verdadero.

Respecto a la famosa “cajita”, que nos ha valido tantas y tantas preguntas, cada uno coloca en su interior lo que quiere, por supuesto.

Cabe añadir que las técnicas modernas, cada vez más perfeccionadas, permiten dar a la película una nueva profundidad, una nueva densidad, sin que sufra la belleza de la imagen. Es un poco como si una luz inesperada viniera a iluminar esta historia ya clásica. Es como si Séverine volviera a arriesgarse para intentar sofocar por fin su deseo.

UNA RESTAURACIÓN EN 4K PARA CELEBRAR EL 50 ANIVERSARIO DE BELLE DE JOUR.

La restauración de las imágenes de Belle de Jour se realizó en 4k desde el negativo original. La resolución 4k permite restituir todas la información de la película en 35 mm y volver a encontrar en la pantalla grande la delicadeza y la elegancia de la fotografía de Sacha Vierny.

El sonido también ha sido restaurado a partir de la mezcla original en 35mm.

Los trabajos realizados por el laboratorio Hiventy bajo la supervisión de Studiocanal han durado cuatro meses, gracias al apoyo del CNC (Centro Nacional del Cine y de la Imagen Animada), de la Cinemateca Francesa, de los Fondos Culturales Franco-Americanos y de la firma Yves Saint Laurent.

ALGUNAS CITAS SOBRE BELLE DE JOUR

“Cuando Buñuel me propuso este papel, lo acepté sin dudarlo, pero también fue algo temerario, algo arriesgado. Tenía 23 años. Para todo el mundo, yo era la jovencita romántica de “Los Paraguas de Cherbourg”. La película me hizo caer en esa zona indefinida en la que nunca se sabe si una mujer es una virgen o una puta. Hoy en día, la gente me mira como si todavía hubiera en mí algo de Belle de Jour. Debo confesar que no lo lamento en absoluto.” Catherine Deneuve, Télérama, 1996

“Como Buñuel también es un poeta, para contar esta infernal historia descubre una belleza y una soltura extraordinarias. Delira entre el sueño y la realidad, del modo más natural, sin que entre ambos sintamos el más mínimo roce, permitiendo al espectador la mayor de las libertades. Esta libertad es la que asustará a los espíritus timoratos”
Janick Arbois, Télérama, 1967

“Luis Buñuel ha creado una película eminentemente elegante que es una hermosa evasión de la realidad para el espectador. En el centro mismo del film, Catherine Deneuve emana una sexualidad tan sofisticada que uno se sumerge completamente en su quizás peligrosa aventura” BBC, 2000.

“Sigo pensando que Belle de Jour es una de las mejores películas que se han filmado nunca”. William Friedkin en The Erotic Thriller in Contemporary Cinema, de Linda Ruth Williams, Indiana University Press, 2005.

“Belle de Jour es a la vez una película encantadora, perversa, hilarante y poética”. Martin Scorsese.

“La película que sin duda alguna ha sido más importante para ella es Belle de Jour. Este film coincidía maravillosamente con la personalidad algo secreta de Catherine y los sueños del público. Era una película asombrosamente misteriosa que se le ajustaba de manera perfecta…”
François Truffaut en Catherine Deneuve por Philippe Barbier y Jacques Moreau, Ediciones Pac, 1984.

Festival de Cannes 2017
Del dossier de prensa de la restauración de la película
Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Después de Heaven Knows What, los cineastas estadounidenses Ben y Joshua Safdie exploran una vez más la faceta tenebrosa de su ciudad natal en Good Time, filme que presentan en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes y que es un thriller sombrío que cuestiona los lazos fraternales de dos ladrones de bancos. La obra de los hermanos Safdie se alimenta desde sus inicios de la esencia del Mumblecore, una corriente del cine independiente estadounidense surgida en los años 2000 de numerosas películas con presupuestos mínimos que, cámara al hombro, capturaban los estados de ánimo de sus protagonistas. Estos dos cineastas neoyorquinos, que mencionan a Renoir y Cassavetes como inspiración, han desarrollado un estilo naturalista y entrecortado que se ajusta a su deseo imperioso de adueñarse de la realidad para transcribirla mejor. Por otro lado, el ucraniano Sergeï Loznitsa retorna a la competición por tercera vez con una adaptación libre de la novela de Dostoyevski, La dulce. Krotkaya (A gentle creature) narra la búsqueda desesperada de una mujer de rasgos delicados, interpretada por Vasilina Makovtseva, determinada a encontrar a su marino, preso en una región aislada de Rusia.

De vuelta a la Quincena de los Realizadores, nos encontramos con Shula, una niña de 9 años acusada de brujería y condenada a vivir atada a una cinta blanca en un campo de brujas, -no hay que buscar ninguna asociación con el film de Haneke-,  bajo el efecto de un sortilegio: si corta la cinta, estará maldita y se transformará en cabra. La pequeña Shula se debatirá entre vivir encadenada como un ser humano o libre como una cabra.

Este es el argumento del primer largometraje de Rungano Nyoni, una joven zambiana que creció en Gales, con cuatro cortometrajes en su haber y un buen número de importantes premios.

Tras una excelente acogida entre los espectadores, esta película es seguro la perfecta candidata al premio del público de aquellos festivales en los que se exhiba. Nyoni aprovecha todos los recursos que el exotismo de su entorno originario le facilita, renunciando a la expresión documental del mismo, y ocultándola incluso tras algunas escenas en las que la sobreactuación es un hecho.

No soy una bruja tiene algunos instantes realmente bellos, y le debe mucho tanto al silencio permanente como a la mirada de la pequeña protagonista; acompañada de una banda sonora muy cuestionable, la película es una fábula con tintes graciosos y sin pretensiones sobre la libertad femenina, moraleja incluida. Para todos los públicos, o casi.

Esmeralda Barriendos

El documental Makala, de Emmanuel Gras vence en la 56ª Semana de la Crítica. El jurado, presidido por el realizador brasileño Kleber Mendonça Filho, otorga su Gran Premio 2017 a este documental, el único en competición, que relata la historia de un vendedor de carbón en la República Democrática del Congo. El Premio Revelación recae en Gabriel e a montanha, del brasileño Fellipe Gamarano Barbosa, así como con el Premio de la Fondation Gan. Así mismo, el Premio Descubrimiento Leica Cine de cortometraje es para Los desheredados, de Laura Ferrés; el Premio SACD en Ava, de Léa Mysius y el Premio Canal+ de cortometraje en The Best Fireworks Ever, de Aleksandra Terpinska.

“Del hombre al hombre verdadero, el camino pasa por el hombre loco”. Estas palabras de Foucault dan comienzo al último trabajo de Raymond Depardon, extraordinario fotógrafo y mayor exponente del cine documental francés nacido en 1942.

En 12 días retoma el tema de las enfermedades psiquiátricas, como ya lo hizo previamente en San Clemente (1982) donde narraba el día a día de un manicomio situado en una isla veneciana, o en Urgencias (1988), película filmada en las urgencia psiquiátricas del hospital  Hôtel-Dieu de Paris.

El argumento aprovecha un instante decisivo según una nueva ley del gobierno francés, que exige que las personas hospitalizadas en psiquiatría sin su consentimiento sean presentadas ante un juez antes de que hayan transcurrido 12 días desde su detención. Así este juez, teniendo en cuenta los informes médicos del paciente, tomará la decisión de continuar con el internamiento o permitir otro tipo de seguimiento médico fuera ya de las instalaciones del manicomio.

Depardon pretende hacer nacer un diálogo despojado sobre el sentido de la palabra libertad y de la vida. Acompañados por la música de Alexandre Desplat, la cámara nos muestra el espacio en el que viven recluidas estas personas, un lugar aséptico y gélido hasta en sus espacios abiertos, que raya incluso en la ciencia ficción.

De la confrontación juez-paciente, mediante una cámara inmóvil, con algunos apuntes de los abogados de los mismos (hay que tener en cuenta que todos los protagonistas han sido internados en contra de su voluntad), va desgranándose todo el dolor del mundo.

El propio temor de los cuerdos se manifiesta en la ausencia total de empatía por parte de todos los que intervienen en este proceso. Porque, ¿acaso es posible salir indemne de ciertas declaraciones que recoge la cámara?

Aunque la identidad de los protagonistas ha sido obviamente preservada, sus rostros delatan ese estado que está más allá del mundo, cuando lo insoportable se desvanece en la bruma de la locura; escuchar voces que provienen de una silla eléctrica, sufrir repetidas violaciones, asesinar al padre y beatificarlo… Víctimas de una violencia continuada, tan frágiles, tan vulnerables. La cámara de Depardon les ha devuelto la dignidad durante un instante de tiempo.

Esmeralda Barriendos

Jacques Doillon es un veterano en el Festival de Cine de Cannes y es la tercera vez que participa en la sección oficial. Su 28º largometraje, Rodin, presenta a Vincent Lindon en el papel del escultor Auguste Rodin, que recibió el reconocimiento público poco después de cumplir los cuarenta años. La película, que decepciona de forma generalizada, narra los altibajos emocionales del hombre, atrapado entre el amor apasionado de Camille Claudel, interpretada con frescura por la actriz y cantante Izïa Higelin, y la estabilidad de Rose (Séverine Caneele), su compañera de toda la vida. La otra película a competición de la jornada está dirigida por Sofia Coppola, miembro del Jurado presidido por Jane Campion en 2014, y se titula The Beguiled. Se trata de un thriller basado en la película El seductor, de Don Siegel, estrenada en 1971 y protagonizada por Clint Eastwood. Con la llegada fortuita a sus vidas de un cabo de la Unión, interpretado por Colin Farrell, el trío femenino de excepción, encabezado por Nicole Kidman, junto a Kirsten Dunst y Elle Fanning, encuentra la oportunidad perfecta para acabar con su hastío. “Nunca intenté hacer un remake sino hacer mi propia versión. Espero que se vea como las dos partes de una misma historia”, asegura en rueda de prensa la realizadora.

2008 marcó la aparición del primer “barrio cerrado” en Suecia, una urbanización protegida a la que únicamente pueden acceder los propietarios con autorización. Se trata de un ejemplo extremo que muestra que las clases privilegiadas se aislan del mundo que les rodea. También es uns de las numerosas señales del creciente individualismo de las sociedades europeas, mientras aumenta la deuda del gobierno, se reducen las prestaciones sociales y la brecha entre ricos y pobres es cada vez más profunda desde hace unos 30 años.

Incluso en Suecia, que sin embargo es reconocida como uno de los países más igualitarios del mundo, el paro creciente y el miedo a ver cómo se debilita el propio estatus social, han llevado a las personas a desconfiar los unos de los otros y a separarse de la sociedad.

Un sentimiento general de impotencia política nos ha hecho perder confianza en el Estado y nos ha llevado a replegarnos sobre nosotros mismos.

¿Pero esta es la evolución que deseamos para nuestra sociedad?

En el curso de mis investigaciones para realizar la película Play, que trata sobre el chantaje entre los niños, observé la incapacidad que nos invade a la hora de ofrecer ayuda en lugares públicos. Los hechos reales en los que se inspira Play tuvieron lugar a plena luz del día en la tranquila ciudad de Göteborg, en centros comerciales, en tranvías y plazas públicas, y los adultos no reaccionaban aunque estos hechos se desarrollaran ante sus ojos.

En psicología social, la inhibición de la propensión a ayudar al otro en presencia de un tercero es conocida bajo el nombre de “el efecto del espectador” o “la apatía del testigo”.

La experiencia ha demostrado que la probabilidad de ayudar a alguien es inversamente proporcional al número de testigos, debido a la “disolución de la responsabilidad” causada por la presencia de varias personas. Sin embargo, se ha probado que la cohesión social puede compensar la indiferencia colectiva.”

Cuando mi padre era joven, en los años 50, las sociedades occidentales mostraban un sentimiento en el que se compartían las responsabilidades. Me contó que cuando tenía seis años, sus padres le dejaban jugar y pasear libremente por el centro de la ciudad de Estocolmo, con una simple medallita al cuello con la dirección en el caso en que pudiera perderse.

Recordemos que en aquella época, los adultos eran considerados como miembros de una comunidad, dignos de confianza, dispuestos a ayudar a un niño en caso de que tuviera problemas, mientras que hoy en día, el clima social no consolida ni la cohesión social ni nuestra confianza en la sociedad.

Por el contrario, vemos a los otros como una amenaza para nuestro hijos. Esta reflexión nos llevó, a Kalle Boman y a mí, a desarrollar el proyecto de The Square.”

* Kalle Boman, nacido en 1943, es productor y profesor de cine en Academia de Bellas Artes/Universidad de Göteborg. A lo largo de los años, ha colaborado con realizadores como Bo Widerberg, Roy Andersson y Ruben Östlund. En 2014, en la Ceremonia de los premios del cine sueco, Boman recibió un premio extraordinario al conjunto de su obra.

Del dossier de prensa del film “The Square” de Ruben Östlund.

Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Entrar en el Gran Teatro Lumière de Cannes para contemplar la obra póstuma de un gran cineasta, tan querido como lo era Abbas Kiarostami; todas las expectativas comienzan a disiparse lentamente, cuando las luces se apagan y la pantalla iluminada desvela el secreto mostrando una precisa declaración de intenciones del director.

“Cuando observamos un cuadro, solo vemos la escena que ha pintado el artista. Pero todo tiene un antes y un después”, decía el maestro.

Así que Abbas Kiarostami decidió realizar pequeñas películas de 4 minutos de duración para recrear ese antes y ese después de la imagen esencial. A modo de haikus visuales, – próximas a su film Five– , son 24 piezas que se enuncian como fotogramas, -frames-, una tras otra, con el solo intertítulo en negro que las anticipa. Un compendio de toda la sabiduría del cineasta, poeta, fotógrafo iraní.

Me gusta imaginar a Kiarostami durante la exposición de las Correspondencias que mantuvo con otro gran maestro, Víctor Erice, en el año 2006. En uno de los espacios de la misma, recuerdo una instalación ideada por este último muy emocionante, en la que algunos de los cuadros de Antonio López cobraban vida mediante variaciones en la iluminación de la sala y un abanico de efectos de sonido que recreaban el ambiente sonoro del lugar (la Gran Vía de Madrid o el entorno del membrillero). Era el origen mismo del cinematógrafo. Me gusta pensar que Kiarostami se inspiró en ese instante para realizar este trabajo, aunque ya nunca podré saberlo.

Así, el primer fotograma (Frame 1) es en realidad la imagen del cuadro de Brueghel El Viejo, Los cazadores en la nieve. Gesto premonitorio; lo que parece ser tan sólo un ejercicio bellísimo de reanimación, donde la vida se insufla cada segundo dentro de la imagen inerte de una pintura, es ciertamente el preludio de todo lo que el espectador observará a continuación.

El humo comienza a salir de las chimeneas, la nieve cae suavemente, los animales corretean sobre el manto blanco que recubre la tierra. La banda de sonido nos traslada hasta ese lugar. ¡Qué fuerza magnífica otorga el sonido! No sólo es imagen en movimiento, es también la fabulación a través de la escucha, la emoción de un paisaje sonoro que se constituye mediante la naturaleza orquestada. Imagen-tiempo.

Tras el preámbulo que supone la visión de esta primera película, las siguientes emergen en su mayoría de los paisajes nevados del fotógrafo Kiarostami. De algún modo, al comienzo hay una traslación desde el plano general del cuadro de Brueghel hasta los diferentes planos detalle del mismo, bajo la apariencia de películas. Es decir, ¿qué está sucediendo allí, en el instante mismo en el que los cazadores se aproximan al acecho, de la mano del pintor?

Las imágenes en blanco y negro, tan bellas, cobran vida una tras otra . En el cine de Kiarostami, el artificio está tan elaborado que el espectador puede llegar a creer que se halla ante «una toma de vistas» de las que nos regalaban los operadores de los hermanos Lumière, pero no es cierto. La sencillez aparente de sus películas «naturales«, por denominarlas de algún modo, procede de un trabajo complejo.

Existe una voluntad de conjunto que se desvela con una escucha y una mirada atentas.

Pero en casi todas ellas, películas que conforman un sentido homenaje a los 24 fotogramas por segundo que son el átomo del cine, la acción en off del hombre sobre la naturaleza termina por romper la escena. No aparece una sola figura humana hasta la película número 15-.

Recuerdo el penúltimo film como algo excepcionalmente conmovedor.

Así hasta el último de todos, entre luces y sombras, maravilloso laberinto de ventanas al mundo y declaración absoluta de su amor al cine, y a la vida.

Gracias, maestro. He olvidado cómo se decía en farsi.

Esmeralda Barriendos

Dedicado a Fernando Fuentes

Se proyecta en 35mm, en la sala Buñuel del Festival de Cine de Cannes,  la versión restaurada de L’Atalante de Jean Vigo, una obra maestra de la historia del cine realizada en 1934, de extraordinaria influencia en todo el cine posterior que aún hoy en día conserva una frescura sorprendente.

La restauración ha sido llevada a cabo por el laboratorio L’Immagine Ritrovata , gracias a Gaumont, The Film Foundation, -la Fundación de Cine de Martin Scorsese– y la Cinemateca Francesa,  con el apoyo económico del CNC (Centro Nacional del Cine), supervisada por el nieto del cineasta, Nicolas Sand.

L’Atalante, que como tantas otras películas, pudo preservarse en Francia por la dedicación de Henri Langlois, -fundador de la “Cinémathèque”-, ha sufrido varias restauraciones y modificaciones a lo largo del tiempo. Con un metraje añadido y recortado por unos y por otros, su título fue incluso modificado por el de Le Chaland qui passe, y la música de Maurice Jaubert reemplazada por otra.

Después de innumerables avatares, ayer se exhibió una copia que según dicen, es la más próxima a la original.

Cuando comenzó la película, entre lágrimas, sentí un profundo resentimiento hacia aquellos que inventaron el cine digital.

Me tacharán de nostálgica o inmovilista, quizás. Hoy ya no existe un debate en torno a los soportes de filmación, el digital partió sabiéndose ganador a pesar de todas sus carencias. Por eso, la sesión de ayer fue un tesoro efímero.

Me gustaría recoger aquí las palabras de Paul Bowles que ayer me recordó un amigo muy querido: “(…)como no sabemos cuando vamos a morir, llegamos a creer que la vida es un pozo inagotable. Y sin embargo, todo sucede un cierto número de veces … y sin  embargo, todo parece ilimitado”

¡Qué belleza las imágenes del agua! ¡Y el sueño de los amantes!¡Qué interpretación, Michel Simon!

Volver a ver L’Atalante ayer, tan sencilla y rotunda a un tiempo, en las mismas condiciones para las que fue pensada su exhibición, fue una de esas veces, tan breves, de las que habla Bowles.

Esmeralda Barriendos

Cannes Classics – Películas restauradas: «Ila Ayn?» de Geoger Nasser

“Ila Ayn?”, cuya traducción sería “¿Hacia lo desconocido?” es una película de Georges Nasser, cineasta emblemático del Líbano nacido en Trípoli en 1927.

Estudió cine en la UCLA en Hollywood y regresó a su país natal con la voluntad firme de realizar películas en un entorno en el que la industria cinematográfica es inexistente.

“Ila Ayn?” fue realizada en el año 1957, y se convirtió en la primera película en representar al Líbano en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes.

En un pueblo de la montaña libanesa, una familia vive en la pobreza. Un día, el padre los abandona y se marcha a Brasil, el sueño dorado de un gran número de compatriotas. Transcurren 20 años en los que a duras penas la madre ha podido salir adelante con sus hijos. El mayor funda una familia y el segundo está a punto de marcharse a Brasil cuando un anciano harapiento llega al pueblo.

“Ila Ayn?” aborda el tema de la emigración y el exilio, la agonía de residir en un país sin futuro y al mismo tiempo, la crueldad de un exilio que no cumple con sus promesas de un futuro mejor. Auténtica crónica neorrealista, en las películas de Nasser los personajes idealistas rechazan comprometerse y terminan por ser vencidos por un entorno hostil. Son películas de algún modo autobiográficas, a la vista de la vida que tuvo Nasser.

Las películas de Nasser son historias de personas cuyo potencial no se desarrolla: soñadores que no logran alcanzar sus sueños, que deben resignarse a un destino común y doblegarse bajo el peso de la sociedad que les rodea.

Nasser podría haber predicho el destino de un visionario como él en un país como el Líbano.

Georges Nasser situó al cine libanés en un pedestal y, gracias a él, se posicionó fuera de su país. A “Ila Ayn?”, le siguió “El pequeño extranjero” en el año 1962.

Esta doble selección constituye una de las mayores distinciones que una película independiente puede obtener incluso hoy en día. Pese a ello, su obra cayó en el olvido y no ha sido reconocida ni por el estado, ni por el público, ni siquiera desgraciadamente por los profesionales del cine libanés.

El padre fundador del cine libanés es considerado hoy en día como un realizador superado, profesor de la vieja escuela. Salvo algunas raras proyecciones en Beirut, las películas de Nasser sólo pueden verse excepcionalmente, dado que no fueron proyectadas en el momento de su distribución y son unas desconocidas para el gran público de Oriente Medio y del resto del mundo. Las copias de estas películas son escasas y difíciles de encontrar.

“Ila Ayn?” es la única película de Nasser de la que existe una copia completa en 35mm en el CNC (Centro Nacional del Cine, en Francia). No está a disposición de todo el mundo y se ha visto en contadas ocasiones. La idea de una digitalización restaurada, acompañada por un documental sobre el realizador permitirá a los espectadores redescubrir la obra de un cineasta que en solitario puso en marcha la creación de un cine libanés independiente, diferente del modelo egipcio de la época.

(Del dossier de prensa)

Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Naomi Kawase, presidenta del jurado de los cortometrajes y de la Cinéfondation en 2016, presenta en el Festival de Cine de Cannes su quinto largometraje en competición. Se trata de Hikari (Radiance), donde relata la historia de un encuentro, el de dos almas perdidas y heridas. «Yo creo que en el mundo hay mucha gente que ama el cine, que quiere que acaben las guerras y que el mundo sea más rico, pero las guerras no van a acabar mientras que nosotros vamos a desaparecer de la Tierra y me gusta creer que las películas permanecerán eternamente«, declara Kawase en rueda de prensa, quien añade que por eso quiso dedicar este filme «a todos los enamorados del cine del mundo«. Además, se celebra un evento especial en el que se proyecta 24 Frames, la película que Abbas Kiarostami dejó una película inédita, y en la que cada fragmento se inspira en una fotografía, ampliando cada vez más los límites de un cine poético e innovador hasta el fin. El filme es presentado por su hijo Ahmad Kiarostami. Finalmente, el Festival celebra su 70° aniversario con una gala especial y una sesión de fotos previsa y de excepción en la que reúne a más de un centenar de artistas para la foto de familia: ganadores de la Palme d’or, galardonados, presidentes y miembros de los jurados…

Tres nuevos filmes de importantes directores, previamente cosagrados por el Festival de Cine de Cannes, llegan a esta jornada con la que se inicia la semana. El cineasta surcoreano Hong Sangsoo aborda con meticulosidad un malentendido relacionado con un adulterio en Geu-Hu (Le Jour d’après) para tejer una comedia agridulce en blanco y negro, bañada en melancolía. La película narra la historia de Bongwan, un editor infiel y cobarde que no logra reponerse de la marcha de la empleada con la que ha engañado a su mujer. Por otro lado, cinco años después de Amor, Michael Haneke presenta la mordaz Happy End con dos de sus actores preferidos: Jean-Louis Trintignant e Isabelle Huppert. La crisis migratoria es el prisma que revela el cinismo que reina en nuestra época a través de la indiferencia inhumana de una familia burguesa del norte de Francia, desconectada de la realidad social que la rodea. Además, Yorgos Lanthimos regresa a Cannes con The Killing of a Sacred Deer, y se inspira en Eurípides para contar la historia de una pareja de médicos interpretados por Colin Farrell y Nicole Kidman. Finalmente, en su afán por innovar, Alejandro González Iñárritu presenta Carne y Arena (Virtually Present, Physically Invisible), que más que una película, se trata de una experiencia en realidad virtual que dura seis minutos y medio.

La «Quincena de los Realizadores» tuvo su origen en el año 1969, inmediatamente después de la agrupación de cineastas en el seno de una asociación  denominada SRF (Société de réalisateurs des films).

La vocación de esta sección paralela del Festival de Cine de Cannes siempre ha sido la de mostrar películas y cineastas que permanecen al margen de los grandes festivales internacionales y de las principales redes de distribución.

Esta sección se define por “su libertad de espíritu, el carácter no competitivo y un deseo de apertura hacia un público de espectadores no profesionales que asiste al Festival”.

Con este ánimo hemos llegado hoy a la proyección de The Rider (El jinete) de la realizadora china Chloé Zhao.

Brady, un joven cowboy, adiestrador de caballos y estrella incipiente del rodeo, ve cómo se tambalea su vida después de que un caballo le aplaste el cráneo en el transcurso de un rodeo. No podrá cabalgar más.  Ya de vuelta a casa, en la reserva de Pine Ridge, sin el deseo de una vida diferente, se ve enfrentado al vacío.

Para retormar el control de su destino, Brady se sumerge en la búsqueda de su propia identidad, intentando comprender qué significa ser un hombre hoy en el corazón de los Estados Unidos de América.

Chloé es una autora, realizadora y productora china residente en Denver, en los Estados Unidos. En el año 2015, su primer largometraje Canciones que mis hermanos me enseñaron compitió en el Festival de Cine de Sundance y en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes. Fue nominado tres veces a los Film Independent’s Spirit Awards.

Escribo estas líneas con la certeza de haber descubierto esta mañana a una enorme cineasta, embriagada por la verdad de unas imágenes y una historia que, en su sencillez, contienen toda la esencia del cinematógrafo. Con ese deseo de cinéfila atrapada por una idea insobornable del mundo y su doble, no olvidaré su nombre. Motion is really emotion.

Esmeralda Barriendos

El cine de Michael Haneke siempre ha sido de una asertividad incuestionable. El trayecto que recorren los personajes desde que el espectador toma conocimiento de los mismos y sus circunstancias hasta la clausura del film no presenta ninguna incertidumbre; hay un determinismo en los gestos tan severo que ciertamente, ninguno de los protagonistas puede librarse del destino impuesto por el director.

Así también sucede en Happy End, su última película, que apenas ha tenido respuesta del público esta mañana en el Gran Teatro Lumière de Cannes.

Muy lejos de las dos anteriores, extraordinarias ambas, La Cinta Blanca y Amor, que fueron Palma de Oro en los Festivales de 2009 y 2012 respectivamente, Happy End presenta la vida de una familia burguesa de Calais más allá del proceso de descomposición, argumento que remite directamente a El Séptimo Continente.

No es la mera traslación de clase, -de la derrotada clase media europea a una burguesía acomodada- la que separa a Happy End de su primera película, sino que el punto de vista del director es otro. La distancia con la que filma a sus personajes es mayor que en otras ocasiones. Los nuevos dispositivos y las redes sociales están muy presentes durante todo el film, imágenes que de nuevo remiten a un Haneke de los orígenes, el de El vídeo de Benny, artilugios de la distancia y el aislamiento, del triunfo absoluto del narcisismo.

Intuyo un cierto cansancio en Haneke, quizás. No existe ningún atisbo trágico en el planteamiento de Happy End, ni conciencia alguna de sí mismos en los personajes. Tampoco el azar modifica jamás el destino de estos seres humanos. Tan anodinos ellos, han perdido su humanidad de una forma aséptica, y vagan por los espacios gélidos de su cotidiano y de su imaginario virtual a la manera de los replicantes, inmersos en un silencio desasosegante que llega hasta los títulos de crédito.

Con un cierre extraordinario, tanto como Jean-Louis Trintignan que lo protagoniza, esta es la forma que tiene Michael Haneke de enunciar el desastre, más allá de la distopía de El tiempo del lobo. Esta y la única frase que se ha publicado en el dossier de prensa: “El mundo alrededor, y nosotros ciegos en el centro del mismo. Una instantánea de una familia europea”.

Esmeralda Barriendos

Antes de desaparecer es una obra de teatro muy conocida en Japón, cuyo autor es Tomohiro Maekawa, y Kiyoshi Kurosawa ha decidido llevar  a cabo su adaptación a la pantalla grande.  Afirma que es una adaptación fiel a dicha pieza. Lo que le atrajo del texto es que se trata de una parodia de las obras de ciencia ficción de los años 50, con el trasfondo de una invasión extraterrestre.

En los 50, las películas de este género tuvieron un gran éxito en plena Guerra Fría. Muchos medios de comunicación y la industria del entretenimiento usaron este pretexto, -la amenaza de la invasión-, para apaciguar los ánimos de una población inquieta, burlándose de ella.

El director confiesa influencias concretas del cine de John Carpenter en algunas escenas, de manera inconsciente.

De alguna manera, me siento reconfortada al leer la entrevista en el dossier de prensa; una historia de extraterrestres invasores previsible, pueril e incluso cursi en algunos momentos. He de decir que he asistido a esta proyección con el recuerdo de la única película que he visto de Kiyoshi Kurosawa, Bright Future (Jellyfish). Fue durante el Festival de Cine de Londres del año 2003. En aquel momento creí en su autoría, un cine extraño e imaginativo, de una potencia visual poderosísima… Hoy no queda ni rastro de aquel atisbo de belleza.

¿Qué intención puede tener hoy en día realizar una película de serie B de ciencia ficción? La televisión programa decenas de filmes sin interés casi diariamente. Quizás tenga una oportunidad en una sobremesa indolente. Deseo que Kiyoshi Kurosawa regrese a ese tipo de cine que ha olvidado por completo, el que auguraba un futuro brillante.

Le llaman “Masterclass” o “Leçon de cinéma” pero en realidad se asemeja a una lección de vida; Clint Eastwood se ha sentado hoy frente al crítico estadounidense Kenneth Turan para repasar toda su trayectoria profesional, desde los orígenes como actor hasta su proyecto más reciente, una película que parece ser podría rodarse en Francia, The 15:17 to Paris sobre el atentado fallido de ISIS a un tren francés. «Vivimos en un tiempo extraño» dijo el realizador.

En ese paseo por la memoria del cineasta-actor, Eastwood ha recordado la penuria económica sufrida durante la crisis del 29, cuando tan sólo contaba con 5 o 6 años y sus padres no tenían qué comer, aunque confiesa que estos lo ocultaban a los pequeños, y que los niños nunca pasaron hambre. También los continuos cambios de residencia marcaron su infancia.

Eastwood no es un hombre nostálgico. Transmite una cierta filosofía vital centrada en el esfuerzo, en el trabajo constante, y en la idea de un devenir inevitable en el que no hay lugar para lamentarse del pasado, de proyectos no realizados, de hechos que no sucedieron. Seguir adelante es su máxima.

No oculta su admiración por Sergio Leone y la fascinación que despertaba la rapidez de su pensamiento. También comenta la habilidad del director italiano en la elección de los rostros que protagonizan sus películas. Aprovecha Clint este momento para expresar lo afortunado que fue al conocerle, y hace un inciso: insiste en cómo en la vida aprendemos de todos los que nos rodean, aprendemos lo que debemos y lo que no debemos hacer. “Nunca hay que tomarse por lo que uno no es”, dice.

Aboga por la eficacia como uno de los rasgos esenciales en un director de cine, es necesario evitar a toda costa “la parálisis por el análisis” y hacer avanzar la historia.

De vuelta a la infancia, confiesa su gusto por el western desde niño. Cuando era pequeño quería montar a caballo y más tarde, ser actor en una de estas películas: James Stewart, Gary Cooper y Rod Cameron eran alguno de sus ídolos. Eastwood cree que la pasión por los western de tantos y tantos espectadores es debida esencialmente al hecho de que este género rememora una época en la que el orden y la ley dependían de uno mismo, a diferencia de nuestro tiempo. El western permite siempre el vuelo de la imaginación.

Da la sensación de que Eastwood ha sido un tipo con suerte, o al menos, eso es lo que nos quiere transmitir en esta conversación. Toda una serie de guiones o de libros que cayeron en sus manos y se convirtieron en las historias que todos conocemos. “No hay que tomarse las cosas en serio, si no, terminas por tomarte en serio a tí mismo” dice con cierta socarronería. Hace años que trabaja con el mismo equipo, una cuestión de confianza, algo esencial en las relaciones humanas.

En otro orden de cosas, confiesa prestar atención a su voz interior, a su instinto, que en ocasiones le guían más que el intelecto. Dice que las emociones te llevan siempre a un buen lugar; las emociones guían el cine. Le gusta observar las reacciones de los actores cuando interpretan el texto por primera vez, esa reacción construye el comienzo de un rodaje fructífero.

Turan ha ido recalando en algunas de las películas que conforman su filmografía, sus orígenes como actor,  el descubrimiento de ciertos guiones, -que son aclamados por un público enfervorecido-, las reiteradas visitas al Festival de Cannes, la relación con sus hijos, su método de tomas únicas,- casi exclusivamente-, su gusto por las películas de archivo… Parece ser queTuran no ha dejado asunto sin nombrar.

Clint Eastwood se confiesa muy feliz en su profesión de cineasta. Y surge de nuevo una gran ovación desde el fondo de la sala.

Algunos apuntes de la masterclass ofrecida por Clint Eastwood en el Festival de Cine de Cannes 2017, por Esmeralda Barriendos.

Un resumen dedicado a Celso Hoyo Arce.

La estrella del cine independiente neoyorquino Noah Baumbach presenta en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes The Meyerowitz Stories, segunda producción de Netflix a concurso que es una comedia al estilo de Woody Allen con un reparto encabezado por Dustin Hoffman y Ben Stiller. «Lo que me interesa en mis filmes es la diferencia entre lo que somos realmente y lo que nos gustaría ser (…) En este filme quería abordar el tema del éxito, qué significa el éxito para las diferentes personas«, afirma el director después de la proyección. Por otro lado, la cinta del director de The Artist, Michel Hazanavicius, Le Redoutable (El temible) sobre el cineasta francés Jean-Luc Godard se inspira en el libro de memorias de Anne Wiazemsky, exmujer del símbolo de la Nouvelle Vague, Un año ajetreado. «Quedé hipnotizada por el parecido alucinante entre Louis Garrel y Jean-Luc. Habla como él«, declara Wiazemsky, de 69 años. Proyectada en la sección oficial, su proyección a la prensa se vio aplazada unos 40 minutos a causa de una falsa alarma debida a un objeto sospechoso, que obligó a desalojar una parte del Palacio de los Festivales. El filme se centra en una etapa crucial del director de Al final de la escapada en pleno mayo del 1968. Fuera de la competición, en «Una cierta mirada», la actriz española Emma Suárez, participa en la película Las hijas de Abril, del mexicano Michel Franco.

Tras diseccionar la figura paterna en Fuerza mayor, el director sueco Ruben Östlund propone una reflexión sobre el altruismo y la pérdida de los valores en forma de comedia dramática ácida y con The Square debuta en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes. La película narra la historia de Christian, un padre de familia apreciado por sus valores humanos y la calidad de su trabajo en un museo de arte contemporáneo sueco, pero cuyos principios se verán cuestionados por una profunda crisis existencial. También debutante en la competición de este Certamen, Robin Campillo presenta la muy esperada por la prensa francesa 120 battements par minute, cuatro años después de su cinta ampliamente aclamada Eastern Boys. Para su tercer largometraje, el cineasta apuesta por el lado más seductor de la joven generación de actores franceses de la mano de Adèle Haenel y Arnaud Valois, acompañados por el argentino Nahuel Pérez Biscayart., quienes luchan por combatir la indiferencia generalizada hacia la cuestión del sida.

Es difícil expresar en una frase la emoción que iluminaba el rostro de Agnès Varda, después de la proyección de su última película Visages- Villages (Rostros- Pueblos). Ha sido la ovación más larga que he presenciado nunca. También me resulta muy difícil enunciar lo que ha significado para mí estar presente en el Gran Teatro Lumière esta tarde, viernes 19 de mayo de 2017. Y escribo la fecha en este instante, sin la esperanza de que el tiempo se detenga.

Realizada junto con el fotógrafo conocido por las siglas Jr., el film relata la historia de la amistad cómplice y divertida que surge entre ambos codirectores en el transcurso de un viaje.

El deseo de un trabajo conjunto les lleva a reivindicar los rostros de los verdaderos protagonistas de la historia de algunos rincones de Francia. Fotografías de gran formato, reveladas en su pequeño camión, inundan edificios, granjas, contenedores; partiendo de antiguos retratos, o tomando nuevas instantáneas, Varda y Jr otorgan una presencia inusual a mujeres, mineros, ganaderos.

Ese viaje lentamente adquiere otro cariz; de algún modo, el argumento se transmuta en un viaje a la memoria de Agnès. Primero, son l

as propias imágenes que la cine-fotógrafa realizó en su día las que toman el paisaje. Maravillosa es la transición narrativa desde la granja hasta el borde del mar a través del Ulyses, cortometraje documental que la gran cineasta realizó en el año 82.

Ya en el mar, en los restos de un fortín hundido, la imagen de su querido amigo el fotógrafo Guy Bourdin será borrada por las aguas, el viento, la arena, en un instante. Más tarde visitarán juntos el pequeño cementerio de Montjustin donde descansan Henri Cartier Bresson y su esposa, la fotógrafa belga Martine Franck.

En este relato de amistad transitan continuamente las imágenes de Los novios del puente Mac Donald (Les fiancés du pont Macdonald) en el que Varda filmó a Jean-Luc Godard, -sin gafas-, junto a Ana Karina.
Las eternas gafas de sol de Jr conducirán a sus protagonistas hasta la casa de Godard en Rolle, donde se convocan todos los fantasmas del pasado, un momento de una belleza extraordinaria. Belleza que perdura
hasta el mismo cierre del film, donde al fin las imágenes que claman al mundo, las que recubren los depósitos de un vagón de mercancías, son los pequeños pies y los ojos de la cineasta, -que llegarán hasta donde ella no pueda hacerlo-.

Gracias, Agnès.

Esmeralda Barriendos

El Festival de Cine de Cannes estrena una de las primeras películas producidas por Netflix que ha generado la polémica este año en Francia. El pase de prensa de Okja, de Bong Joon Ho, que convocó a gran número de periodistas acreitados, lo que obligó a habilitar una segunda sala de proyección, arrancó con una pitada cuando sobre la pantalla apareció el nombre de Netflix. La del surcoreano es una de las dos producciones televisivas de Netflix que compiten en Cannes, lo que generó unas polémicas declaraciones del presidente del jurado, Pedro Almodóvar, que defendió las proyecciones en salas de cine. Pero para el cineasta asiático solo el hecho de que el español vea la película ya es suficiente.»Solo puedo decir que estoy muy contento de que (Almodóvar) vea la película esta noche (…) Pase lo que pase, el hecho de que la vea y hable de ella, ya me hace sentir muy honrado«, afirma el realizador en una rueda de prensa. Once años después de The Host, el director surcoreano Bong Joon Ho regresa al cine fantástico con una fábulo satírica que profundiza en la parte animal que habita en cada ser humano y narra el amor incondicional de una niña por una inofensiva criatura de las montañas, comprada por una multinacional. La segunda película del día a competición es Jupiter’s Moon, de Kornél Mundruczó -premiado en 2014 con White God en «Una cierta mirada»-, un largometraje con una estructura híbrida, con trazos fantásticos, que aborda la candente actualidad de los refugiados. «Se necesita tiempo para entender lo que hemos visto, decidir si lo creemos o no«, reconoce Mundruczó, que explica que su intención es dirigirse «directamente al alma del espectador«. Fuera de competición se proyecta Visages, villages, un paseo de Agnès Varda y JR por las carreteras francesas, visitando los pueblos franceses y hablando con sus habitantes.

 Hay películas que permanecen en la memoria de una forma vaga, incorpórea, alimentando una idea con su recuerdo que brota en ocasiones súbitamente. Sin saber cómo, nos constituyen de alguna forma imprecisa. Al igual que en los orígenes de un vivero, la semilla duerme a la espera de un estímulo incierto, -quizás el hecho de volver a ver esas imágenes-, que la empuje a ascender hasta la superficie.

Existe un determinado tipo de cine que cuestiona, de un modo muy frágil pero a un tiempo con determinación, la construcción insustancial del la realidad que nos rodea. Desde la intimidad absoluta entre un árbol y un pintor, la cámara de Victor Erice muestra hoy, como en 1992, el mismo sentido revelador de una verdad posible: la deriva del enfrentamiento entre el ser humano y el tiempo en las manos de un pintor, de un cineasta, resueltos ambos a capturar ese instante de luz que se escapa irremediablemente.

Hoy, en la sala Buñuel del Festival de Cine de Cannes, se ha proyectado la versión restaurada de El sol del membrillo, en un día cubierto de nubes, como las que ocultan esa luz dorada que añora Antonio López, la que baña al membrillero en las mañanas.

por Esmeralda Barriendos

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Todd Haynes vuelve a la sección oficial a concurso del Festival de Cine de Cannes tras Carol para sembar el Certamen de emoción con Wonderstruck, adaptación de un libro para niños de Brian Selznik, en la que Julianne Moore comparte protagonismo con los niños Millicent Simmonds y Oakes Fegley. Dos historias paralelas en su temática pero separadas por 50 años y por dos estilos cinematográficos totalmente opuestos. «Nada ha sido especialmente fácil en esta película«, reconoce Haynes, para quien el filme era una buena excusa para «continuar el estudio de la historia del cine» que ya ha acometido en trabajos anteriores. Por su parte, tras deslumbrar hace tres años con Leviatán, el ruso Andrey Zvyagintsev regresa también a la competición con Nelyubov, nueva incursión crítica frente a la Rusia a través de un drama familiar sobre una pareja en fase de divorcio que debe reconciliarse para hallar a su hijo de 12 años, que desaparece durante una de sus peleas. «Si han visto Leviatán ya saben cómo me sitúo frente al poder«, declara Zvyagintsev quien afirma que en su nuevo filme muestra la realidad de unos personajes que son reflejo de la sociedad en la que viven.

Comienza la 70 edición del Festival de Cine de Cannes con la proyección de Les fantômes d’Ismaël , dirigida por Arnaud Desplechin y protagonizada por Marion Cotillard y Charlotte Gainsbourg, a las que acompañan en el reparto Mathieu Amalric y Louis Garrel, en la que un director de cine se enfreta al regreso de su ex amante cuando está a punto de iniciar el rodaje de su próxima película. Tras ellos desembarcarán una omnipresente Nicole Kidman -que participa en tres películas y una serie en esta edición- o Robert Pattison, pasando por Julianne Moore, Elle Fanning, Kristen Stewart, Kirsten Dunst, Adam Sandler, Ben Stiller, Michelle Williams, Colin Farrell o Joaquin Phoenix. Una competición cuyos premios dilucidará un jurado presidido por el cineasta español Pedro Almodóvar, al que acompañan Will Smith, Fan Bingbing, Jessica Chastain o Paolo Sorrentino. Tendrán que elegir para los premios entre los últimos proyectos de realizadores consagrados como Todd Haynes, Sofia Coppola, Michel Hazanavicius, François Ozon, Yorgos Lanthimos, Fatih Akin o Michael Haneke, o por cineastas que se estrenan en la competición como Noah Baumbach o Bong Joon Ho, protagonistas de una monumental polémica con sus películas producidas por la plataforma Netflix. Entr los eventos especiales del 70 aniversario destaca la presentación de los dos primeros capítulos de la nueva Twin Peaks, pero se exhibirán en Cannes cuatro días después de su lanzamiento en Estados Unidos, lo que le ha restado bastante interés. Fuera de competición se podrá ver la última película de Roman Polanski, D’apres une histoire vraie; el film póstumo de Abbas Kiarostami, 24 frames; la secuela del documental Una verdad incómoda (2006), de Al Gore, o Sea Sorrow, el debut en la dirección de la veterana actriz británica Vanessa Redgrave. Y en la sección de Clásicos, creada hace 15 años, destacan los pases de una versión restaurada de El sol del membrillo, de Víctor Erice, que en 1992 consiguió el premio del jurado y Belle de Jour, de Luis Buñuel. Sistemas de neutralización de drones, una fuerte vigilancia aérea, marina y submarina, la lectura automatizada de matrículas y un mayor número de agentes se han integrado a un dispositivo que cuenta también con gigantes maceteros de piedra que bloquean el acceso de los coches al paseo marítimo. El atentado en Niza del pasado 14 de julio, apenas seis semanas después de que acabara la anterior edición, o el asesinato de un policía el pasado 20 de abril en los Campos Elíseos de París han llevado a incrementar unas precauciones, ya de por sí elevadas, para adaptarlas a la situación.

La edición del Festival de Cine de Cannes de este año tiene dos películas de Netflix que compiten por primera vez. Esto ha enfurecido al sector cinematográfico francés, ya que la plataforma dijo que sólo sus subscriptores tendrían acceso a sus cintas y no sería proyectadas en la gran pantalla. Thierry Fremaux, director del Festival, asegura que creía que Netflix organizaría algún tipo de estreno en cines para The Meyerowitz Stories y Okja que compiten en Cannes. Sin embargo esto no ha llegado a ocurrir y los organizadores del Certamen confirman que las dos cintas competirán este año, pero que para la próxima edición no se aceptará ninguna película que no garantice su distribución en las salas de cine de Francia. «El Festival se complace a dar la bienvenida a un nuevo operador que ha decidido invertir en el cine. Pero queremos reiterar nuestro apoyo al modo tradicional de exhibición de las películas en los cines de Francia y de todo el mundo«. Para Francia esto supone una victoria a favor de la distribución cinematográfica tradicional. Red Hastings, fundador y CEO de Netflix, lanza un breve pero desafiante mensaje a través de su página de Facebook: «La organización cierra filas contra nosotros. Tenéis que ver Okja que se estrena el 28 de junio en Netflix. Una película increíble que la industria del cine no quiere que compita en el Festival de Cannes«. Amazon es otra de las empresas de servicio en streaming que tiene una película compitiendo en esta edición, Wonderstruck. Pero, a diferencia de Netflix, no están en contra de estrenar sus películas tanto online como en cines.

La 70 edición del Festival de Cine de Cannes recordará, en su sección de «Clásicos», filmes que han formado parte de la historia del célebre certamen y grandes obras de la cinematografía, entre las que se incluyen cintas de los directores españoles Luis Buñuel y Víctor Erice. Así se proyectará El sol del membrillo, de Víctor Erice, que en 1992 consiguió el premio del jurado y el reconocimiento de la crítica internacional (FIPRESCI). De Buñuel, por su parte, llegará a la Croisette una versión restaurada con tecnología 4K de Belle de jour, protagonizada en 1967 por Catherine Deneuve. La sección de clásicos fue creada hace 15 años y presenta películas antiguas y obras de arte restauradas con el objetivo de acercar al público a «la memoria del cine«. Su programa en la edición de 2017, que se celebrará entre los próximos 17 y 28 de mayo, incluye 24 películas, un cortometraje y cinco documentales, con un foco especial en la propia historia del certamen. Entre las cintas seleccionadas en esta ocasión están la estadounidense All that Jazz, que le valió a Bob Fosse la Palma de Oro en 1980, o Blow-up, de Michelangelo Antonioni, Gran Premio Internacional en 1967. A Cannes llegarán restauradas, entre otras, la francesa L’Atalante (1934), de Jean Vigo, la cubana Lucía (1968), de Humberto Solás; la argentina Native Son (Sangre Negra, 1951), de Pierre Chenal, o la estadounidense El río de la vida (1992), de Robert Redford. Y entre los documentales en los que el cine cuenta su propia historia estarán el estadounidense Filmworker, de Tony Zierra, o el francés Becoming Cary Grant, de Mark Tidal.

El cineasta franco-polaco Roman Polanski presentará su última película D’après une histoire vraie, en la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, fuera de competición. El filme de Polanski es una adaptación de la novela homónima de la escritora francesa Delphine de Vigan y está protagonizado, entre otras, por su pareja, Emmanuelle Seigner, y por Eva Green. En la edición 70 del Certamen también se presentará la obra del director argentino Santiago Mitre que proyectará su cinta La cordillera en la sección «Una Cierta Mirada». Mitre, por su parte, llevará un drama de intriga política y familiar que pone al reconocido actor Ricardo Darín en la piel del presidente argentino Hernán Blanco.

El Festival de Cine de Cannes, que celebrará su 70ª edición a partir del próximo 17 de mayo, presenta la composición del jurado que presidirá el director español Pedro Almodóvar. Un jurado que estará compuesto por la directora y guionista alemana Maren Ade, la actriz estadounidense Jessica Chastain, la actriz china Fan Bingbing, la actriz, directora, cantante y composititora Agnes Jaoui, el director y guionista surcoreano Park Chan-Wook, el actor y cantante estadounidense Will Smith, el compositor francés Gabriel Yared y el director y guionista italiano Paolo Sorrentino. «Bajo la presidencia del director, guionista y productor español Pedro Almodóvar, el Jurado del 70º Festival de Cannes estará integrado por ocho figuras clave del Séptimo Arte, procedentes de todo el mundo. Cuatro mujeres y cuatro hombres ayudarán a Pedro Almodóvar a seleccionar entre las películas en Competición«, informa la organización en un comunicado en el que confirma que los ganadores serán anunciados el domingo 28 de mayo en la Ceremonia de Clausura. El Festival de Cine de Cannes se celebrará entre el miércoles 17 y el domingo 28 de mayo de 2017 y la actriz Monica Bellucci ejercerá como maestra de ceremonias. El certamen arrancará con Les fantomes d’Ismaël, el filme de Arnaud Desplechin que se proyectará fuera de competición.

La directora catalana Laura Ferrés es hasta el momento la única representante española que competirá en la 56ª Semana de la Crítica con el cortometraje Los desheredados. Paralela e independiente del 70º Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 17 al 28 de mayo, la Semana de la Crítica está consagrada al descubrimiento de nuevos talentos y, creada en 1962, solo presenta primeros y segundo largometrajes. A medio camino entre el documental y la ficción, el corto de Ferrés afronta un retrato de su padre en el momento en que se enfrenta a la pérdida de la empresa familiar, una flota de autobuses que organiza excursiones, eventos y trayectos escolares, fundada por su bisabuelo. La guionista y directora se graduó en dirección cinematográfica en la Escuela Internacional de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC). Su proyecto de fin de carrera, A Perro Flaco, fue seleccionado en más de 60 festivales y ganó 9 premios en certámenes como la SEMINCI 2014 y Montreal World Film Festival 2015.

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La actriz estadounidense Uma Thurman será la presidenta del jurado de la sección «Una cierta mirada», la segunda competición de mayor importancia en la 70 edición del Festival de Cine de Cannes. En veinte años de carrera, la actriz americana ha demostrado su audacia y su amor por el riesgo: descubierta cuando tenía 17 años en Las amistades peligrosas, de Stephen Frears y Las aventuras del barón Munchausen, de Terry Gilliam, se convierte en la musa de Quentin Tarantino gracias a Pulp Fiction (Palma de Oro en1994) o Kill Bill (volume 1 & 2), ambas presentes en el Festival de Cannes. Miembro del Jurado presidido por Robert De Niro en 2011, Uma Thurman prolonga este año su experiencia cinéfila como presidenta de esta sección, cuya programación propone obras singulares en cuanto a sus objetivos y su estética. El palmarés será desvelado el próximo sábado 27 de mayo.

La Federación Nacional de los Cines Franceses (FNCF) critica que dos películas de la plataforma digital Netflix hayan sido seleccionadas en la competición oficial del Festival de Cine de Cannes. Okja, de Bong Joon Ho, y The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach, dos filmes originales de Netflix, competirán en el prestigioso certamen por la Palma de Oro y se estrenarán a nivel global en la plataforma este año. La FNCF asegura no cuestionar la libertad de programación «del primer festival de cine del mundo» ni que nuevos actores internacionales contribuyan al desarrollo y la financiación de nuevas obras cinematográficas, pero sí plantea sus dudas sobre su difusión. El organismo destaca que si las películas de Cannes se opusieran a la reglamentación en vigor y fuesen difundidas de forma simultánea en Internet y en las salas, podrían ser susceptibles de sanciones por parte del Centro Nacional de Cinematografía (CNC) «¿Y qué pasará si mañana no se proyectan en las salas, cuestionando así su naturaleza de obra cinematográfica?», se pregunta la federación.

La 70 edición del Festival de Cine de Cannes presenta una programación de su sección oficial ecléctica, con nombres consagrados y habituales en su competición por la Palma de Oro, y mucho contenido político. El Certamen, que se celebrará del 17 al 28 de mayo y se inaugurará con Les fatômes d’Ismaël, de Arnaud Desplechin, incluirá los últimos trabajo de Fatih Akin, Noah, Baumbach, Sofia Coppola, Jacques Doillon, Michael Haneke, Todd Haynes, Michel Hazanavicius, Hong Sangsoo, Naomi Kawase, Yorgos Lanthimos, Sergei Loznitsa, François Ozon y Andrey Zvyagintsev, así como de Joon-Ho Bong, Robin Campillo, Kornél Mundruczó, Lynne Ramsay y Benny & Josh Safdie. Nicole Kidman comparte reparto con Colin Farrell en dos películas que se verán en la competición oficial: The Beguiled, una historia ambientada en la Guerra Civil de Estados Unidos, dirigida por Sofia Coppola, y The Killing of a Sacred Deer, del cineasta griego Yorgos Lanthimos. Además, el director mexicano Alejandro González Iñárritu presentará su corto Carne y Arena en realidad virtual y el cineasta David Lynch mostrará los dos primeros episodios del esperado regreso de la serie Twin Peaks.

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La actriz italiana Claudia Cardinale, de 78 años, difunde un comunicado donde resta importancia al retoque que le adelgaza la cadera y las piernas en una imagen de 1959 que será el cartel de la próxima edición del Festival de Cine de Cannes y que fue presentada este miércoles. «Quiero responder a la falsa polémica sobre el póster de Cannes y las consideraciones de algunos sobre los retoques de la imagen. No tengo comentarios respecto al trabajo artístico realizado sobre la foto. Se trata de un póster que, más que representarme a mí, representa una danza, un vuelo. La imagen ha sido retocada para destacar ese efecto de ligereza y transportarme hacia un personaje de sueño: es una sublimación. La preocupación por el realismo aquí no tiene sentido y, como feminista convencida, no veo ningún ataque al cuerpo de la mujer. Hay cosas mucho más importantes para debatir en este momento en el mundo. No nos olvidemos de que esto no es más que cine«, afirma la actriz.

El Festival de Cine de Cannes presenta el cartel promocional de la 70ª edición del certamen, que tendrá lugar entre el 17 y el 28 de mayo de este año. La actriz italiana Claudia Cardinale, conocida por películas como El gatopardo y Fellini ocho y medio, baila sobre un fondo rojo para promocionar un Festival que este año contará con el director Pedro Almodóvar como presidente del jurado. La imagen despierta cierta polémica, ya que varios usuarios acusan en Twitter al Certamen de reducir con Photoshop la cintura y el contorno de las piernas de Cardinale; y comparan la imagen del cartel con la fotografía original de 1959, en blanco y negro. El certamen no ha contestado de momento a las acusaciones. «¡Ella baila, ríe y vive! ¿Qué mejor símbolo para el próximo festival que Claudia Cardinale, la imagen de actriz aventurera, una mujer independiente y una activista social?«, afirman los organizaciones del festival en un comunicado en el que la propia Cardinale dice sentirse «honrada y orgullosa» de ser la imagen de la 70ª edición de Cannes. «Estoy encantada con la elección de esa foto. Es la viva imagen que tengo del festival, un evento que lo ilumina todo. Ese baile sobre un tejado de Roma tuvo lugar en 1959. Nadie recuerda el nombre del fotógrafo… tampoco yo«, afirma la actriz de 78 años, que subraya que la imagen elegida para el cártel le recuerda a sus inicios, «una época en la que jamás habría imaginado que un día subiría las escaleras del palacio del cine más famoso«.

El cineasta rumano Cristian Mungiu presidirá el jurado de la Cinéfondation y de la sección de cortometrajes del 70 Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 17 al 28 de mayo. Mungiu, premio «ex aequo» al mejor director en la pasada edición del Festival por Los exámenes, junto con el francés Olivier Assayas por Personal Shopper, sucede en el puesto a realizadores como Naomi Kawase, Abbas Kiarostami, Jane Campion o Abderrahmane Sissako. El festival recuerda que Mungiu, «eminente representante de la «Nouvelle Vague» rumana«, comparte con el certamen una «larga y brillante historia«. «La Cinéfondation siempre ha dado a los jóvenes cineastas ayuda y el reconocimiento que necesitaban al principio de su carrera (…). Deseo que eso continúe durante mucho tiempo con la misma eficacia y estoy orgulloso de estar asociado a esa iniciativa«, asegura el director sobre su designación. Cada año la Cinéfondation, que es el apartado que Cannes dedica a la búsqueda de nuevos talentos entre los estudiantes de las escuelas de cine de todo el mundo, selecciona entre quince y veinte cortometrajes y mediometrajes sin finalizar para participar en este apartado.

La actriz italiana Monica Bellucci será la maestra de ceremonias de la 70 edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará entre los próximos 17 y 28 de mayo. La actriz, de 52 años, se encargará de animar la gala de apertura y la de clausura, en la que el jurado presidido por el director y productor español Pedro Almodóvar entregará la Palma de Oro y el resto de premios. Bellucci, que ya ejerció como maestra de ceremonias en 2003, sucederá al actor y humorista francés Laurent Lafitte, al frente de la 69 edición, y al actor francés Lambert Wilson, que se encargó de las dos anteriores. Cómoda en todos los géneros, la trayectoria cinematográfica de Bellucci, que maravilla desde la comedia hasta el drama, refleja elecciones artísticas eclécticas y audaces. Ha rodado con cineastas de prestigio como Bertrand Blier, Danièle Thompson, Francis Ford Coppola, Terry Gilliam, Mel Gibson, Sam Mendes o Spike Lee.

El cineasta Pedro Almodóvar se convertirá este año en el primer español en presidir el jurado de la 70ª edición del Festival de Cine de Cannes, aunque ya fue miembro del jurado del Certamen en 1992, dirigido entonces por el actor Gérard Depardieu. Tras aceptar la invitación de Pierre Lescure y Thierry Frémaux, el cineasta ha declarado: «Estoy muy contento poder celebrar el 70 aniversario del Festival de Cannes desde un lugar tan privilegiado. Me siento agradecido, honrado y un poco abrumado. Soy consciente de la responsabilidad que conlleva ser el presidente del jurado y espero estar a la altura. Solo puedo decir que me entregaré en cuerpo y alma a la tarea, que es a la vez un privilegio y un placer«. Cinco de sus películas (Todo sobre mi madre -Premio al mejor director-, Volver -Premio al mejor guion, Premio colectivo a la mejor interpretación femenina-, Los abrazos rotos, La piel que habito, Julieta) han sido seleccionadas en competición. Así mismo, La mala educación inauguró el Festival en 2004 mientras que el director aparecía en el cartel oficial de la 60ª edición. El Festival de Cannes se celebrará entre el miércoles 17 y el domingo 28 de mayo de 2017.

Pierre Lescure fue reelegido como Presidente del Festival Internacional de Cine de Cannes, puesto que ocupa desde julio de 2014, en una reunión celebrada en diciembre de 2016 por la Junta Directiva de la Asociación Francesa del Festival. Lescure  permanecerá al frente del certamen francés en un nuevo período de tres años entre 2018 y 2020 y garantizará la continuidad en la gobernanza del Festival y sus proyectos asociados. Como periodista y cofundador del canal de televisión Canal +, Pierre Lescure fue Presidente y CEO del grupo Canal + de 1994 a 2002. Entre 2008 y 2014, fue productor y COO en el Théâtre Marigny. Desde el año 2015 ha sido Vicepresidente de Molotov TV, la nueva plataforma de televisión digital. Junto a Pierre Lescure, continuará gestionando la institución cinematográfica Thierry Frémaux, Delegado General del certamen de la Costa Azul.

Ken Loach consigue la Palma de Oro de la 69 edición del Festival de Cine de Cannes por la película I, Daniel Blake, mientras que el español Juanjo Giménez es premiado con la Palma de Oro al mejor cortometraje por Timecode. Era la 12ª participación de Loach en la Sección Oficial de Loach, que ya ganó en 2006 con El viento que agita la cebada. El Gran Premio del jurado es para Xavier Dolan por Juste la fin du monde y Divines, de Houda Benyamina, consigue la Cámara de oro. Asimismo, American honey, de Andrea Arnold, gana el Premio del Jurado, mientras que el galardón a la mejor dirección es compartido entre Olivier Assayas por Personal shopper y Christian Mungiu por Bacalaureat. En el apartado interpretativo, Shahab Hosseini es premiado por su trabajo en Forushande, de Ashgar Farhadi, mientras que la actriz Jaclyn Jose es premiada por Ma’rosa, de Brillante Mendoza. El jurado, presidido por George Miller, estuvo conformado por el director y guionista francés Arnaud Desplechin, la actriz estadounidense Kirsten Dunst, la actriz y directora italiana Valeria Golino, el actor danés Mads Mikkelsen, el director y guionista húngaro László Nemes, la actriz y cantante francesa Vanessa Paradis, la productora iraní Katayoon Shahabi y el actor canadiense Donald Sutherland. En la ceremonia de entrega de premios se rinde homenaje en forma de Palma de Honor a Jean-Pierre Léaud, quien asegura que «Yo nací en Cannes. Siento la misma alegría que cuando Truffaut me hizo subir al escenario en 1959«.

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El director y productor Juanjo Giménez consigue la Palma de Oro al mejor cortometraje en la 69º edición del Festival de Cine de Cannes por su obra Timecode. Giménez, de 53 años y natural de Barcelona, se convierte en el primer director español en lograr la Palma de Oro en la categoría de cortometrajes, y en el segundo en conseguir este premio tras Luis Buñuel, que fue premiado en 1961 con el máximo galardón del Certamen por su película Viridiana. Después de recibir el premio, que es entregado por la cineasta japonesa Naomi Kawase y la actriz francesa Marina Foïs, Juanjo Giménez recuerda precisamente al director aragonés. «Luis Buñuel, tú tienes la grande, pero yo tengo la pequeña, que es todavía más dificil de lograr«, afirma tras conseguir la Palma de Oro. El cortometraje Timecode está protagonizado por Lali Ayguadé y Nicolas Ricchini, con guión del propio Giménez.

Hoy hemos asistido a un acontecimiento histórico: Albert Serra acompañado por Jean Pierre Léaud han presentado fuera de competición, en una sesión especial en la sala de la Soixantième de Cannes la última película del director catalán, La Muerte de Luis XIV, en la que el enorme actor, historia viva del cine, interpreta al Rey Sol en sus últimos días. ¡Qué emoción, ver al gran Léaud, que el domingo recibirá una Palma de oro de Honor por el conjunto de su carrera!

Sin apenas diálogos, sumergido en un profundo pero autoritario silencio, el actor a las órdenes de Serra devuelve una pátina de cotidianidad difícil de imaginar en la vida del monarca absolutista que sobrevivió a gran parte de su propia familia.

Serra regresa al mito, a las construcciones del gran inconsciente colectivo europeo para otorgarles la humanidad más próxima, bajo una rica escenografía que en esta ocasión si ha podido ser documentada plenamente dada la existencia de una abundante iconografía, – de naturaleza pictórica- al respecto. En este sentido podría calificarse de menos arriesgada la apuesta de Serra, que se aproxima en la pura representación al film de Peter Greenaway La Ronda de Noche donde se reproduce cinemáticamente uno de los cuadros más famosos de Rembrandt.

En el caso de La Muerte de Luis XIV, existe un cuidado extremo hacia la verosimilitud del gesto del rey moribundo. El respeto por el tiempo de la pérdida, el avance de la enfermedad, las reuniones de los médicos de la corte, la administración de los últimos sacramentos… El silencio de la sala de cine es el mismo que el del dormitorio del monarca, el espectador asiste a los últimos estertores de éste: la muerte de un hombre (algo que confiesa haber marcado al propio Léaud) en el que la gangrena ha hecho estragos ante la mirada impotente de sus valedores.
Serra elige un hecho para otorgarle toda su dimensión de temporalidad con un dominio precioso del tiempo cinematográfico, porque no olvidemos que el cine es un arte del tiempo.

En primer lugar fue el Quijote en Honor de cavalleria, después los Reyes Magos (El cant dels Ocells) y finalmente a Casanova, a quien a partir de sus memorias convirtió en un Drácula en Historia de la Meva Mort, alzándose gracias a ella con el Leopardo de Oro en Locarno.

Este magnífico regreso a las pantallas de uno de los grandes directores del panorama artístico internacional confirma de nuevo su gran talento.

Por Esmeralda Barriendos

La película El día más feliz en la vida de Olli Mäki, ópera prima del realizador finlandés Juho Kuosmanen consigue el premio de la sección Una Cierta Mirada en el Festival de Cine de Cannes. En blanco y negro, la película se inspira en la verdadera historia de un pretendiente al título de campeón del mundo de peso pluma de boxeo, al inicio de los años 1960. El jurado otorga el premio a un filme «de una gracia infinita, una originalidad increíble«, declara su presidenta, la actriz suiza Marthe Keller. Así mismo, el japonés Fukada Koji recibe el premio del jurado por Harmonium y el actor y realizador estadounidense Matt Ross el premio a la mejor dirección por Captain Fantastic. Las hermanas francesas Delphine y Muriel Coulin se llevan el reconocimiento al mejor guión por Voir du Pays, y la película de animación La tortuga roja, del holandés Michael Dudok De Wit, el premio especial.

La Federación Internacional de Críticos de Cines (FIPRESCI) entrega su galardón a una película de la sección oficial a Toni Erdmann, de la cineasta alemana Maren Ade, al considerarla «una película magníficamente construida, fabricada con un enfoque fresco y sensible, que captura la compleja relación entre un padre y una hija y relata la locura del mundo actual«. Respecto a la sección Una cierta mirada, la película elegida es Dogs, del rumano Bogdan Mirica, «una prometedora ópera prima que combina hábilmente el «thriller» y el «western», mostrando los conflictos de la Rumanía contemporánea» según el jurado. Por último, el premio que se concede a una de las películas presentadas en la Quincena de los Realizadores o la Semana de la Crítica, el reconocimiento es para Grave, de la francesa Julia Ducournau, «un debut impresionante con un fuerte lenguaje visual«.

Concluyen las proyecciones de la sección oficial a concurso con la recuperación de un veterano cineasta como Paul Verhoeven, que presenta en esta edición del Festival de Cine de Cannes la película Elle, protagonizada por Isabelle Huppert. Se trata de una adaptación de Oh… del novelista francés Philippe Djian. El gato de Michèle (Huppert) está encerrado dentro de casa. Ella le abre la ventana para que pueda salir y un hombre vestido con un mono negro y pasamontañas entra y la viola. Un transtorno radical en la vida de esta empresaria fuerte y temperamental, que se debate a partir de ese momento entre las ansias de venganza y el temor continuo. La otra película de la jornada es Forushande (The Salesman), thriller familiar de Asghar Farhadi con el que regresa a Irán y escruta nuevamente las relaciones entre los hombres y las mujeres. La cinta narra la historia de una pareja de actores que debe enfrentar grandes cambios cuando se mudan. El relato, voluntariamente simple, muestra a una pareja aparentemente común, afectada por sucesos perturbadores externos.

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Parece que el Festival de Cine de Cannes tiene una especie de obsesión por hacer competir a determinados directores una y otra vez en la sección oficial. Varios son los que a lo largo de esta semana vuelven a intentar conseguir con la Palma de Oro. En la presente jornada le toca el turno a Sean Penn, que ya competió en 2001 con El juramento (The Pledge) y que ahora presenta The Last Face. En esta película reúne a Charlize Theron y Javier Bardem para encarnar la historia de amor de dos médicos humanitarios en misión en Liberia. Para conservar su amor naciente, deberán hallar un punto medio en su desencuentro sobre las políticas que hay que adoptar sobre el terreno frente al conflicto que les rodea. El otro filme a concurso del día es The Neon Demon, del danés Nicolas Winding Refn, quien obtuvo con Drive el Premio al mejor director en 2011. Ambientada en Los Ángeles, en un universo tan real como artificial, la película se centra en personajes obsesionados por la belleza. Se trata de un tema sobre el que este cineasta venía reflexionando desde hace algún tiempo, y la belleza que describe es una belleza cuyo poder él mismo ha presenciado en su entorno cercano y en sus encuentros profesionales. Filnalmente, la cineasta Naomi Kawase anuncia el palmarés de la 19ª edición de la Cinéfondation, cuyo primer premio recae en Anna, de Or Sinai, de la Sam Spiegel Film & TV School, de Israel.

La película Mimosas, dirigida por Oliver Laxe consigue el Premio Principal de la 55ª edición de la Semana de la Crítica del Festival de Cine de Cannes 2016. En la segunda participación en el Certamen de Laxe tras su paso en el año 2010 con Todos vós sodes capitáns, Premio FIPRESCI de esa edición, el director gallego vuelve a ser galardonado en Cannes, en esta ocasión con el Nespresso Grand Prix. Mimosas es una coproducción entre Zeitun Films (España), La Prod (Marruecos) y Rouge International (Francia) y con ventas internacionales a cargo de Luxbox. Su rodaje se llevó a cabo en Marruecos, en diferentes localizaciones como las montañas nevadas del Anti-Atlas, el Lago Ifni, los valles de Tamalloute o las Gargantas de Achaabou, parajes duros, áridos, pero también de gran belleza, y que hacen de la naturaleza no solo un mero decorado, sino que la convierten en uno de los principales protagonistas de la película.

El cineasta Xavier Dolan regresa a la competición del Festival de Cine de Cannes, pese a su juventud, con Juste la fin du monde (It’s Only the End of the World), adaptación de una obra de teatro de Jean-Luc Lagarce. Protagonizada por Gaspard Ulliel, Marion Cotillard, Léa Seydoux, Vincent Cassel y Nathalie Baye, la película se centra en la historia de Louis, un escritor que se regresa junto a su familia para anunciarles que pronto morirá. Por otro lado, el rumano Cristian Mungiu, ganador de la Palma de Oro con 4 meses, 3 semanas y 2 días en 2007, también lo vuelve a intentar este año con Bacalaureat (Graduation), una película muy autobiográfica, en la que Eliza, que siempre ha sido buena alumna, enfrentarse a la selectividad no debería ser más que un trámite. Roméo, su padre, se felicita por haber logrado encaminar a su hija por el camino universitario. Hasta que un día Eliza es víctima de una agresión. Todo su futuro se torna confuso y Roméo dejará de lado los principios inculcados a su familia para remediar la situación. Fuera de la sección oficial Albert Serra presenta La muerte de Luis XIV, protagonizada por el mítico Jean Pierre Léaud que acapara toda la atención de un Certamen que este año le concede la Palma de Oro de honor.

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La decepción llega a esta edición del Festival de Cine de Cannes con la obra de unos cineastas consagrados en anteriores ediciones del Certamen. Por un lado, Brillante Mendoza presenta Ma’Rosa, un drama social que transcurre en los callejones de Manila. Cámara vibrante al hombro, realismo casi documental, representación sin concesión de un día a día de supervivencia en las chabolas de Manila, ya desde las primeras imágenes la película desvela el estilo radical e innovador impuesto internacionalmente por este cineasta procedente de la publicidad. Por otro lado, los hermanos Jean-Pierre y Luc Dardenne regresan a la sección oficial con La Fille Inconnue, protagonizada por la actriz francesa Adèle Haenel como una joven médica de familia que tiene un gran sentimiento de culpa por haber ignorado a una chica que le pidió ayuda en el consultorio y a la que encuentran muerta no lejos de allí. Los Dardenne regresan de esta forma a los suburbios de Liège, su ciudad natal y el lugar en el que filman con mayor frecuencia, para narrar la historia de una investigación en un entorno médico.

Pedro Almodóvar vuelve a encandilar al Festival de Cine de Cannes y acude a la rueda de prensa acompañado por el reparto de Julieta, integrada por Emma Suárez, Adriana Ugarte, Michelle Jenner, Inma Cuesta, Daniel Grado y Rossy de Palma, y su hermano, el productor Agustín Almodóvar. Almodóvar asegura que, al contrario que otros directores consagrados, no tiene ningún problema con participar en la competición oficial de Cannes porque así demuestra que no es “una vaca sagrada” y añade que «Yo, de momento, no tengo el talento ni de Woody Allen ni de Steven Spielberg«, dos directores que han participado en el Festival con sus últimos trabajos, pero fuera de competición. «Ya que vienes a Cannes, yo prefiero hacerlo en competición. La película la van a ver los periodistas, va a recibir críticas y prefiero estar en competición porque es más excitante, demuestro que no soy una vaca sagrada, vengo a estar a la altura de las películas de competición«, destaca. La jornada se completa con la proyección de Personal Shopper, un thriller sobrenatural dirigido por Olivier Assayas y protagonizado por su nueva musa, Kristen Stewart, que encarna a Maureen, una joven estadounidense en París que se encarga del vestuario de una famosa. Aunque desprecia su trabajo, le permite pagar su estancia mientras aguarda a que se manifieste el espíritu de Lewis, su hermano gemelo, recientemente fallecido. La película es recibida con abucheos en el pase de prensa pero se destaca las actuaciones de sus protagonistas.

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Jim Jarmusch despierta los ánimos de la sección oficial con Paterson, cuya poesía cobran vida en New Jersey en los años 2000. A veces extravagantes y siempre singulares, sus personajes prefieren los suburbios perdidos en los lugares más recónditos de Estados Unidos, y Paterson (Adam Driver) no es una excepción a esta regla. Su nombre es Paterson y vive en Paterson, una pequeña ciudad de New Jersey. La cámara de Jarmusch muestra siete días en la vida de este conductor de autobús poeta y observador, casado con Laura (la actriz franco iraní Golshifteh Farahani), una mujer emprendedora. Otro cineasta norteamericano, Jeff Nichols, completa las proyecciones a concurso de esta americanizada jornada del Festival de Cine de Cannes. En Loving, Nichols, tras aventurarse en el universo de la ciencia ficción confirma su voluntad de explorar otros géneros cinematográficos. Inspirado en una historia real, este drama narra la historia de la lucha jurídica de una pareja interracial para que se reconozca su unión en los años 1950 en Estados Unidos. Así mismo, el cineasta Oliver Laxe presenta en la Semana de la Crítica el filme Mimosas, viaje místico por las montañas de Marruecos que aspira a capturar la esencia de la fé religiosa. En la película, una caravana acompaña a un jeque a través de las montañas del Atlas, en su último viaje para morir en el pueblo natal. La muerte de éste por el camino no cambia la determinación de los suyos para completar la aventura, aunque por el ruta aparecen nuevos obstáculos. «Hoy el nivel de escepticismo es tal que hemos acabado con el propio escepticismo y estamos en un proceso de re-sacralización del mundo«, comenta Laxe. «Muchas películas y muchos artistas hoy buscan eso» y añade que el filme «es un espejo, y cada cual se mira en él como le parece«.

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Para su primera película rodada fuera de Gran Bretaña, la cineasta Andrea Arnold presenta en el Festival de Cine de Cannes un drama de contornos visuales audaces. La abucheada American Honey evoca el deseo de independencia de una adolescente embarcada en una espiral de depravación por el equipo comercial de una revista. Una joven, la debutante Sasha Lane, procedente de una familia disfuncional en Texas, se une a un grupo de jóvenes desarraigados, entre los que figura Shia LaBeouf, que se buscan la vida vendiendo suscripciones a revistas casa por casa, en barrios acomodados de grandes ciudades del sur del país. La jornada, protagonizada por dos mujeres cineastas, se completa con el último trabajo de Nicole Garcia, quien acumula ya siete participaciones en la sección oficial, tanto en su vertiente de actriz como de directora, además de su presencia como miembro del jurado de los largometrajes en 2000. Mal de Pierres (From the land of the moon), su tercera película en competición, es una adaptación novelesca del libro de la italiana Milena Agus, protagonizada por Marion Cotillard como apasionada heroína. Ambientada en los años cincuenta y la cinta relata la historia de esta mujer a la que sus padres deciden casarla con un granjero español (Alex Brendemühl) que huye de la guerra. Durante una cura conoce a un veterano de la guerra de Indochina (Louis Garrel), del que se enamora apasionadamente y su marido, por amor a ella, acepta la relación.

El gran cineasta surcoreano Park Chan-Wook presenta en esta edición del Festival de Cine de Cannes la película Agassi (The Handmaiden), en la que se enfrenta a un thriller de época con la adaptación de Falsa identidad, la novela de Sarah Waters. La historia original transcurre en Londres en la época victoriana, pero el cineasta ha cambiado el telón de fondo y su versión transcurre durante la colonización japonesa de Corea en los años 1930. El cineasta cuenta la historia de Sookee, que trabaja como mucama para Hideko, una japonesa adinerada que vive aislada, bajo la autoridad de su tío. Con la complicidad de un estafador que se hace pasar por un conde japonés, Sookee intentará cambiar la situación. Se completa la jornada de la competición oficial con la presencia de la alemana Maren Ade, quien siete años después de la luminosa Entre nosotros, explora una vez más las rupturas que afectan a las relaciones humanas con Toni Erdmann, su tercer largometraje, en el que una pareja de treintañeros, cuyo amor se va apagando irremediablemente, se enlazan y se rechazan hasta la ruptura bajo el sol de Cerdeña. Fuera de concurso, Steven Spielberg muestra The BFG, un cuento fantástico filmado en live action basado en la novela de Roald Dahl, éxito mundial traducido en 41 idiomas. Con esta historia de amistad entre una huérfana de 10 años (Ruby Barnhill) y un simpático gigante de siete metros con orejas enormes, vegetariano y pacifista (Mark Rylance), Spielberg regresa a las películas para toda la familia en su última colaboración con la guionista de E.T. El Extraterrestre, Melissa Mathison.

Nada menos que 25 largometrajes, catorce de los cuales han competido en el Festival de Cine de Cannes, son los que Ken Loach contabiliza, incluida la Palma de Oro en 2006 con El viento que agita la cebada, hasta llegar a la aplaudida I, Daniel Blake (Yo, Daniel Blake). En esta película, como en la vida, la sombría ferocidad de la administración no impide recurrir al humor negro. Paul Laverty, cómplice desde siempre de Loach, firma una vez más el guión de su última película, nacida de la consternación de los dos hombres frente a la actitud deliberadamente cruel de la administración. Además, dos años después de la magnífica miniserie El pequeño Quinquin (P’tit Quinquin), Bruno Dumont explora la comedia social burlesca en la desconcertante Ma Loute (Slack Bay), y se remonta en el tiempo para viajar hasta 1910 en Pas-de-Calais, donde tiene lugar una historia de amor fantasista con unas misteriosas desapariciones como telón de fondo. De regreso en la costa de ópalo, la región costera del norte de Francia, Dumont lleva a escena la historia de amor entre Ma Loute Brufort, un hijo de pescadores sospechosos de antropofagia, y Billie Van Peteghem, una burguesa andrógina procedente de una familia decadente. Finalmente, y como proyección especial, Rithy Panh, cuya obra es un inmenso ejercicio de memoria, presenta Exil (Exile), una meditación sobre la ausencia, sobre la soledad interior, geográfica, política.

Arrancan las proyecciones de la sección oficial a concurso del Festival de Cine de Cannes con el retorno de Alain Guiraudie, tras causar sensación con El desconocido del lago, premiada en la sección Una cierta mirada. Rester vertical (Staying vertical) es el polémico quinto largometraje de Guiraudie en el que dos jóvenes se enamoran el corazón del departamento francés de Lozère, aunque lo que podría haber sido un acontecimiento feliz se transforma en un fiasco. Un bebé llega, Marie sufre una depresión y se marcha sin decir ni una palabra. Léo cuida del niño mientras lucha por encontrar la inspiración. Por otro lado, el rumano Cristi Puiu, ganador del premio Una cierta mirada en 2005 por La muerte del señor Lazarescu llega a la competición con Sieranevada, un drama familiar en el corazón de Bucarest que evoca el tono de sus películas anteriores y confirma la vitalidad del cine rumano. Fuera de concurso, George Clooney y Julia Roberts comparten cartel en Money Monster, de Jodie Foster, película con la que se reencuentran tras Ocean’s Twelve. Glamur y tensión se entremezclan en este thriller que sucede durante un programa de televisión en directo.

El Festival de Cine de Cannes comienza con Café Society, de Woody Allen, protagonizada por Russell Crowe, Robert De Niro o Julia Roberts, acompañada de su fiel cómplice George Clooney. Financiada por el gigante de la distribución en línea Amazon, la cinta cuenta la historia de un joven que se instala en el Hollywood de los años 30, con la esperanza de trabajar en la industria del séptimo arte. Se trata de la tercera vez que un filme de Woody Allen, de 80 años, abre el festival francés, tras Un final made in Hollywood en 2002 y Medianoche en París en 2001. En total, 21 filmes de 14 nacionalidades distintas aspiran a la Palma de Oro, el máximo galardón que será otorgado el 22 de mayo por un jurado presidido por el australiano George Miller. Seis meses después de los atentados de París, en un país aún en estado de emergencia, el Festival se desarrollará bajo un dispositivo de seguridad «máximo». Un total de seis producciones españolas participarán en la presente edición. Por un lado, Julieta, de Pedro Almodóvar, que competirá por la Palma de Oro, y el cortometraje Timecode, de Juanjo Giménez. La mort de Louis XIV, de Albert Serra estará también presente en la Sección Oficial, en este caso fuera de competición. Además, otros tres títulos participan en otras secciones del Festival: en la Semana de la Crítica acude Las Mimosas, de Oliver Laxe; en la Quincena de Realizadores, Neruda, de Pablo Larraín, y el cortometraje Decorado, de Alberto Vázquez; y en L’Atelier, Ánimas, de José F. Ortuño.

El Festival de Cine de Cannes anuncia que su Palma de Honor de este año será para el actor francés Jean-Pierre Léaud, quien en esta edición estará presente en la película La muerte de Luis XIV del cineasta Albert Serra. Los organizadores destacan que Léaud «forma parte de la leyenda» del Festival de Cine de Cannes, para explicar por qué se han decantado por este actor de 71 años para su Palma de Honor. Empezando porque fue el protagonista de la famosa película Los cuatrocientos golpes, de François Truffaut, que fue quien lo descubrió como actor, y que con ella causó ya sensación con sólo 14 años en el certamen de 1959. «Su espontaneidad encarna por sí sola el viento de libertad que la Nouvelle Vague llevó al séptimo arte«, subrayan los responsables del Festival.

La actriz estadunidense Kirsten Dunst y la intérprete y cantante francesa Vanessa Paradis serán dos de los ocho miembros del jurado de la 69 edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 11 al 22 de mayo. El jurado, tal y como avanzó la organización el pasado febrero, estará presidido por el director, guionista y productor australiano George Miller. A su lado estarán también el director y guionista húngaro László Nemes, que el año pasado se hizo con el Gran Premio del Jurado por El hijo de Saul, su ópera prima. El director francés Arnaud Desplechin, la actriz, directora y productora italiana Valeria Golino, el actor danés Mads Mikkelsen, la productora iraní Katayoon Shahabi y el actor canadiense Donald Sutherland completan la lista de elegidos. «Cannes siempre ha buscado un enfoque universal e internacional, y en línea con su tradición, George Miller estará rodeado por ocho personalidades del cine mundial procedentes de Irán, Dinamarca, Estados Unidos, Italia, Francia, Canadá y Hungría«, asegura el festival en su comunicado.

Las secciones oficiales del 69º Festival de Cine de Cannes añade seis nuevos títulos a los ya anunciados hace ocho días por el delegado general Thierry Frémaux. Entre ellos, Asghar Farhadi se une a la competición de la Palma de Oro con The salesman, lo que hace que el número de participantes pase a 21. Fahadi compite en Cannes por segunda vez tras El pasado en 2013, que le proporcionó el premio a mejor actriz a Bérénice Bejo. La selección «Una cierta mirada», que inaugurará finalmente Clash del egipcio Mohamed Diab, recibe la llegada de la producción americana Hell or High Water del británico David Mackenzie. En cuanto a las proyecciones especiales, se incluyen Chouf de Karim Dridi, el documental Wrong Elements del novelista americano Jonathan Littell y el primer largometraje como director del actor Grégoire Leprince-Ringuet, La forêt de quinconces. Por último, la producción francesa Blood Father, de Jean-François Richet, protagonizada por Mel Gibson, se proyectará en sesión de medianoche. Cabe señalar que Iggy Pop asistirá a la proyección de Gimme danger, la película que Jim Jarmusch le ha dedicado.

El cineasta Emir Kusturica denuncia que su última película, On the Milky Road, ha sido rechazada en el Festival de Cine de Cannes por razones políticas. Según el director serbio, la cinta no ha sido aceptada porque apoya al presidente ruso Vladimir Putin. Kusturica, ganador de la Palma de Oro en dos ocasiones (Papá está en viaje de negocios y Underground), critica que «la política interfiere cada vez más en el Festival de cine de Cannes» y asegura a la agencia Russian News Service que su película no competirá este año por cuestiones ajenas a la calidad de la cinta. El propio director admite que On the Milky Road se presentó un día después del plazo establecido por el festival, pero ha matizado que eso nunca ha sido un problema en otras ediciones y que simplemente ha sido una excusa. En los últimos años, Kusturica ha mostrado su apoyo al líder ruso y al Kremlin en el conflicto con Ucrania, país en el que el pasado año no pudo actuar con su grupo de música.

Los cineastas chilenos Pablo Larraín y Alejandro Jodorowsky presentarán sus nuevos trabajos en la Quincena de los Realizadores, sección paralela del Festival de Cine de Cannes. Larraín estrenará, después del éxito cosechado con El club, Neruda, donde narra el periodo de clandestinidad del poeta, quien cruzó la cordillera de los Andes huyendo de la persecución del presidente Gabriel González Videla, para terminar refugiándose en Francia. La película está protagonizada por Luis Gnecco, en el papel del premio Nobel de Literatura, y Gael García Bernal, que interpreta a de sus inquisidores. Por su parte, Alejandro Jodorowsky presentará Poesía sin fin, continuación de La danza de la realidad. La película, financiada gracias al crowdfunding, habla de los años de juventud del padre de la psicomagia, antes de que se convirtiera en una estrella de la contracultura. Además, en la selección de cortos figura el gallego Alberto Vázquez con su último proyecto de animación, Decorado, una fábula en blanco y negro que ya pasó por el último Festival de Cine de Annecy. Las películas que conforman la Quincena de los Realizadores son:

• Divines, de Houda Benyamina
• Dog Eat Dog, de Paul Schrader
• Fai Bei Sogni, de Marco Bellocchio
• Fiore, de Claudio Giovannesi
• L’Économie du couple, de Joachim Lafosse
• L’Effet aquatique, de Sólveig Anspach
• La Pazza Gioia, de Paolo Virzì
• Les Vies de Thérèse, de Sébastien Lifshitz
• Ma vie de courgette, de Claude Barras
• Mean Dreams, de Nathan Morlando
• Mercenaire, de Sacha Wolff
• Neruda, de Pablo Larraín
• Poesía Sin Fin, de Alejandro Jodorowsky
• Raman Raghav 2.0, de Anurag Kashyap
• Risk, de Laura Poitras
• Tour de France, de Rachid Djaïdani
• Two Lovers and a Bear, de Kim Nguyen
• Wolf and Sheep, de Shahrbanoo Sadat

El segundo largometraje del director gallego Oliver Laxe, Mimosas, competirá en la 55 edición de la Semana de la Crítica del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará entre el 12 y 20 de mayo. El Festival da a conocer la lista de las películas a competición en la Semana de la Crítica en la que se encuentra este film coproducido por la coruñesa Zeitun Films, La Prod (Marruecos) y Rouge International (Francia). Esta es la segunda vez que una película de Laxe compite en Cannes, ya que su ópera prima, Todos vós sodes capitáns, participó en la «Quincena de Realizadores» de 2010, en una edición en la que ganó el premio FIPRESCI de la crítica internacional. Mimosas es un cuento épico sobre la fe que relata la historia de Ahme, Said y Shakib en su lucha por encontrar un camino a Sijilmasa, lugar al que deben llegar tras el encargo de dar sepultura allí al cuerpo de un honorable maestro sufí que acaba de fallecer y deseaba descansar junto a los suyos. El rodaje del film tuvo lugar en Marruecos. Los largometrajes en competición son:

• Albüm, de Mehmet Can Mertoğlu (Turquía, Francia, Rumanía)
• Diamond Island, de Davy Chou (Camboya, Francia, Alemania)
• Raw (Grave), de Julia Ducournau (Francia, Bélgica)
• Mimosas, de Oliver Laxe (España, Marruecos, Francia, Qatar)
• One Week and a Day (Shavua ve Yom), de Asaph Polonsky (Israel)
• Tramontane, de Vatche Boulghourjian (Líbano, Francia, Emiratos Árabes, Qatar)
• A Yellow Bird, de K. Rajagopal (Singapur, Francia)

Pedro Almodóvar competirá con Julieta en la sección oficial del 60º Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 11 al 22 de mayo. La película será la quinta de Almodóvar que competirá por la Palma de Oro tras Todo sobre mi madre (1999), ganadora del Premio al Mejor Director; Volver (2006) ganadora del Premio al Mejor Guión y Premio a la Mejor Interpretación Femenina (ex-aequo para todo el reparto femenino de la película); Los abrazos rotos (2009) y La piel que habito (2011). Así mismo, el cineasta Albert Serra estará presente en el Certamente dentro de la sección dedicada a «Proyecciones Especiales» con La mort de Louis XIV. La películas que conforman la sección oficial son las siguientes:

• Café society, de Woody Allen – fuera de concurso –
• Mare ADE, de Toni Erdmann (Alemania)
• Julieta, de Pedro Almódovar (España)
• American honey, de Andrea Arnold (Reino Unido)
• Personal shopper, de Olivier Assayas (Francia)
• La fille inconnue, de Jean-Pierre y Luc Dardenne (Francia)
• Juste la fin du monde (It’s only the end of the world), de Xavier Dolan (Canadá)
• Ma loute (Slack bay), de Bruno Dumont (Francia)
• Mal de Pierres, de Nicole Garcia (Francia)
• Rester vertical, de Alain Guiraudie (Francia)
• Paterson, de Jim Jarmusch (USA)
• Aquarius, de Kieber Filho Mendonça (Brasil)
• I, Daniel Blake, de Ken Loach (Reino Unido)
• Ma’Rosa, de Brillante Mendoza (Filipinas)
• Bacalaureat, de Christian Mungiu (Rumanía)
• Loving, de Jeff Nichols (USA)
• Agassi (The handmaiden), de Park Chan-Wook (Corea del Sur)
• The last face, de Sean Penn (USA)
• Sieranevada, de Cristi Puiu (Rumanía)
• Elle, de Paul Verhoeven (Holanda)
• The Neon demon, de Nicolas Widing Refn (Dinamarca)

El cortometraje Timecode, de Juanjo Giménez (Barcelona, 1963) es uno de los 10 trabajos seleccionados por el 69º Festival de Cine de Cannes, de un total de 5.008 aspirantes, para competir en la sección de cortometrajes de la próxima edición del certamen, que se celebrará entre el 11 y el 22 de mayo. La película está protagonizada por dos vigilantes de un aparcamiento, uno de los cuales trabaja de día y el otro de noche. El guion ha sido coescrito entre el propio Giménez -también productor- y Pere Altimira, su colaborador habitual, y en el rodaje han colaborado los alumnos de la Escuela de Cine de Reus, ECIR, donde Giménez da clases. Gimenez ha dirigido tres largometrajes, uno de ficción, Tilt (2001), y dos documentales, Esquivar y pegar (2010) y Contact proof (2014). Los diez cortometrajes seleccionados son:

• La laine sur le dos, de Lofti Achour (Túnez, Francia)
• Dreamlands, de Sara Dunlop (Reino Unido)
• Timecode, de Juanjo Giménez (España)
• Imago, de Raymund Gutiérrez (Filipinas)
• Madre, de Simón Mesa Soto (Colombia)
• A moça que dançou com o diabo, de João Paulo Miranda Maria (Brasil)
• Après Suzanne, de Félix Moati (Francia)
• 4:15 P.M. The End of the World (4:15 P.M. Sfarsitul Lumii), de Catalin Rotaru y Gabi Virginia Sarga (Rumanía)
• Il silencio, de Farnoosh Samadi Frooshan y Ali Asgari (Italia)
• Fight on a Swedish Beach, de Simon Vahlne (Suecia)

El cortometraje documental La silla de la vida, de los hermanos Carlos y Roberto Valle Casas, es seleccionado para participar en el Short Film Corner del 69º Festival de Cine de Cannes, una sección de la competición oficial que se celebra entre el 11 y el 22 de mayo. La película, producida por Auntie Films, cuenta la historia de dos ancianas (Carmen y María), cuñadas, pero sobre todo amigas, que han vivido juntas toda la vida, y de la silla de madera que una de ellas utiliza para caminar. El cortometraje nació en 2012, como trabajo previo al proyecto fin de carrera de Carlos Valle en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Castilla-La Mancha (UCLM) y está rodado en el municipio toledano de Consuegra, de donde sus creadores son originarios.

La película Café Society, del director estadounidense Woody Allen, inaugurará el próximo 11 de mayo la 69 edición del Festival de Cine de Cannes. La proyección de la cinta en el Grand Théâtre Lumière del Palacio de Festivales, en selección oficial fuera de competición, es la tercera para Allen tras inaugurarlo en 2002 con Hollywood Ending, y en 2011 con Midnight in Paris. Se trata, además, de la decimocuarta vez que Woody Allen muestra su trabajo fuera de competición en Cannes, donde se estrenó en 1979 con Manhattan. La nueva película de Allen relata «la historia de un joven que llega a Hollywood en los años 1930 con la esperanza de trabajar en la industria del cine, se enamora y se ve sumergido en la efervescencia» de esa época. El reparto cuenta con Kristen Stewart y Jesse Eisenberg como protagonistas. El Festival, cuyo jurado presidirá este año George Miller, se celebrará entre los próximos 11 y 22 de mayo y la selección oficial al completo no se conocerá hasta el próximo 14 de abril.

El director finlandés Aki Kaurismäki recibirá la Carroza de Oro, entregada por la Société des Réalisateurs de Films (SRF) durante la ceremonia de inauguración de la 48 Quincena de los Realizadores, que tendrá lugar del 12 al 22 de mayo de 2016, durante el 69 Festival de Cine de Cannes. La Carroza de Oro, que premia desde 2002 a un cineasta elegido por las cualidades innovadoras de sus películas, su audacia y su seguridad en la dirección y la producción de las mismas, ya ha ido a parar a cineastas como Jacques Rozier, Clint Eastwood, Nanni Moretti, Ousmane Sembene, David Cronenberg, Alain Cavalier, Jim Jarmusch, Naomi Kawase, Agnès Varda, Jafar Panahi, Nuri Bilge Ceylan, Jane Campion, Alain Resnais y Jia Zhangke.

Para festejar su «50+5 aniversario», el Gran Premio de la Semana de la Crítica de 2016, cuya 55ª edición tendrá lugar entre los días 12 y 20 de mayo en el marco del 69 Festival de Cine de Cannes, lo atribuirá un jurado compuesto por cinco cineastas que dejaron su impronta en esta misma sección en los últimos cinco años. La presidencia correrá a cargo de Valérie Donzelli, que sucederá en el cargo a Lee Chang-dong, Bertrand Bonello, Miguel Gomes, Andrea Arnold y Ronit Elkabetz. A su lado estarán Alice Winocour, el estadounidense David Robert Mitchell, el israelí Nadav Lapid y el argentino Santiago Mitre, ganador del Gran Premio de la Semana de la Crítica el año pasado con Paulina. Este jurado otorgará asimismo el premio Revelación en la categoría de largometrajes y el premio Descubrimiento a uno de los cortometrajes que compiten en la Semana de la Crítica. La selección de la edición de 2016 de esta sección se anunciará el 18 de abril.

El cartel oficial de la 69 edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará en esa localidad del sur de Francia entre los próximos 11 y 22 de mayo, ha sido ideado a partir de fotogramas de la película Le Mépris (El desprecio), de Jean-Luc Godard. «Todo está ahí. Las escaleras, el mar, el horizonte: la ascensión de un hombre hacia su sueño, bajo el calor de una luz mediterránea que se vuelve dorada«, indican los organizadores en un comunicado. La visión ofrecida por ese póster, a su juicio, recuerda la frase inicial del filme de Godard, en la que se afirmaba que «el cine sustituye nuestra mirada por un mundo acorde a nuestros deseos«. La imagen del francés Michel Piccoli subiendo las escaleras de la legendaria villa concebida para el escritor Curzio Malaparte es, según el Festival, una opción «simbólica«, porque esa película sobre el rodaje de un filme, «para muchos una de las más bellas realizadas en cinemascope, ha marcado la historia del cine y la cinefilia«. Cannes dice renovar con la elección de esa cinta de 1963 protagonizada también por Brigitte Bardot «el compromiso de su fundación: rendir homenaje a los creadores, celebrar la historia del cine y acoger nuevas formas de mirar el mundo«. Hervé Chigioni y su diseñador gráfico Gilles Frappier son los diseñadores del cartel.

La cineasta japonesa Naomi Kawase presidirá el Jurado de la Cinéfondation y de los cortometrajes en la 69ª edición del Festival de Cine de Cannes. Existen cineastas cuya carrera no ha dejado de cruzarse con el Festival y eso ha supuesto un impulso para su trayectoria. En el caso de Naomi Kawase, la historia comenzó en 1997. A los 27 años, se convirtió en la cineasta más joven en ser premiada con la Caméra d’or por su película Moe no Suzaku (Suzaku). Una irrupción cuyo prometedor futuro no tardaría en hacerse realidad, como demuestran las selecciones para la Competición de sus siguientes largometrajes: Shara (Sharasôju) en 2003, El bosque del luto (Mogari no Mori) en 2007, Hanezu no tsuki (Hanezu) en 2011 y Aguas tranquilas (Futatsume no mado) en 2014. En 2013, Naomi Kawase acudió una vez más a la Croisette pero en esta ocasión como miembro del Jurado de los largometrajes junto a Steven Spielberg. Tras el anuncio de su elección, Naomi Kawase declara que «las películas enriquecen la vida, sus universos abren perspectivas. Hace algo más de cien años que el cine existe y su potencial no deja de crecer. Se trata de un medio excepcional para mostrar la diversidad cultural del mundo y cada historia constituye una vida paralela que encandila al público. Los cortometrajes son ejercicios especialmente difíciles, ¿cómo transmitir una historia en tan poco tiempo? Paralelamente, ofrecen un sinfín de posibilidades inéditas. Entre las películas de estudiantes que veremos, descubriremos perlas y es por eso que estoy impaciente por formar parte de este jurado. Será una hermosa aventura«.

El Festival de Cine de Cannes anuncia que el maestro de ceremonias de su 69ª edición, que se celebrará entre los próximos 11 y 22 de mayo, será el actor y humorista francés Laurent Lafitte. El intérprete se encargará de animar la gala de apertura y la de clausura, en la que el jurado presidido por el director, guionista y productor australiano George Miller entregará la Palma de Oro y el resto de premios. Lafitte, miembro de la prestigiosa institución teatral Comédie Française desde 2012, empezó en los años noventa una carrera en la que ha trabajado en cine y teatro y ha tocado diferentes registros, desde la comedia, con películas televisivas como De l’autre côté du périph (1997), hasta filmes de autor como Les Petits Mouchoirs (Pequeñas mentiras sin importancia, 2010). Lafitte sustituye en el rol de maestro de ceremonias al también actor francés Lambert Wilson, un habitual del Festival de Cannes, que ejerció ese papel en las dos últimas ediciones.

La 69ª edición del Festival de Cine de Cannes , que comenzará el 11 de mayo, estará presidida por el director, guionista y productor australiano George Miller. Tras recibir la invitación del Festival, George Miller declara «¡Qué inmenso placer! Estar en el corazón de este festival repleto de historia que descubre joyas del cine mundial y tener la oportunidad de debatir apasionadamente durante horas con mis compañeros del Jurado representa un gran honor. ¡No me lo perdería por nada en el mundo!«. Fue precisamente en Cannes el pasado mes de mayo donde Mad Max: Furia en la carretera arrancó su fantástica andadura por las pantallas.

Dheepan, del francés Jacques Audiard, consigue la Palma de Oro de la 68 edición del Festival de Cine de Cannes. Las actrices estadounidense Rooney Mara y la francesa Emmanuelle Bércot se llevan «ex aequo» el premio de interpretación femenina de la por sus papeles en Carol, de Todd Haynes, y Mon Roi, de Maïwenn, respectivamente. El actor francés Vincent Lindon obtiene el galardón al mejor actor por su trabajado en la película La loi du marché, dirigida por Stéphane Brizé. Además, el griego Yorgos Lanthimos consigue el Premio del Jurado por The Lobster, mientras que Saul fia, del húngaro Laszlo Nemes, se alza con el Gran Premio del Jurado. El taiwanés Hou Hsiao-Hsien, por The Assassin, se lleva el premio al mejor director. En la gala de clausura, la cineasta Agnès Varda recibe la Palma de Oro de Honor, máxima distinción que entrega el Certamen.

Listado de todos los ganadores:

• Palma de Oro: Dheepan, de Jacques Audiard (Francia)
• Gran Premio del Jurado: Saul fia, de László Nemes (Hungría)
• Mejor dirección: Hou Hsiao-Hsien (Taiwán), por The Assassin
• Premio del Jurado: The Lobster, de Yorgos Lanthimos (Grecia)
• Mejor actor: Vincent Lindon (Francia), por La loi du marché
• Mejor actriz exaequo: Rooney Mara (Estados Unidos) por Carol y Emmanuelle Bercot (Francia) por Mon roi
• Mejor guion: Michel Franco (México) por Chronic
• Cámara de Oro a la mejor ópera prima: La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo (Colombia)
• Palma de Oro al mejor cortometraje: Waves’ 98, de Ely Dagher (Líbano)

El director australiano Justin Kurzel cierra las proyección a concurso de la presente edición del Festival de Cine de Cannes con una adaptación íntima de Macbeth. Tras Orson Welles (1948), Akira Kurosawa (Trono de sangre, 1957) y Roman Polanski (1971), Kurze se rodea de dos actores en la cima de sus carreras, Marion Cotillard, oscarizada en 2008 por La vida en rosa, y Michael Fassbender, actor fetiche de Steve McQueen descubierto gracias a Hunger, Caméra de Oro en el Festival de Cannes 2008. Frente a frente, encarnan a esos esposos con las manos ensangrentadas, corroídos por la avidez y el deseo hasta la locura. Así mismo, la ganadora de la sección Una cierta mirada, en la que se presentaron 19 películas procedentes de 21 países, es Hrútar (Rams), de Grímur Hákonarson. El Jurado, presidido por Isabella Rossellini, y compuesto por Haifaa al-Mansour, Panos H. Koutras, Nadine Labaki y Tahar Rahim, concede, así mismo, el premio del Jurado a Zvizdan (The High Sun), de Dalibor Matanić y el corrrespondiente a mejor dirección a Kiyoshi Kurosawa, por Kishibe Tabi (Journey to the Shore).

Cronic, del director mexicano Michel Franco, y The Valley of love, del cineasta francés Guillaume Nicloux casi completan la lista de 19 películas que compiten en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes, a falta de un título por ver. Franco, que obtuvo el premio Un Certain Regard en 2012 con Después de Lucía, compite en esta ocasión con un drama psicológico protagonizado por Tim Roth, que interpreta a un enfermero que se encarga del cuidado de pacientes terminales e intenta acercarse a su propia familia. La película está inspirada en la propia historia personal del diractor: el sufrimiento de su abuela y de sus seres queridos como consecuencia de un derrame cerebral. Por lo que respecta a The Valley of love, Guillaume Nicloux se reencuentra con el dúo Isabelle Huppert – Gérard Depardieu, 41 años después de Los rompepelotas (Les Valseuses), de Bertrand Blier, y 35 años después Loulou, de Maurice Pialat. Todo empieza con una carta que Isabelle y Gérard reciben de parte de su hijo, seis meses después de su suicidio. La cita póstuma es organizada y tallada con precisión por unos padres de duelo, quienes, al igual que los dos actores, llevan años sin verse. Para concluir, el Jurado de la Cinéfondation y los Cortometrajes, liderado por Abderrahmane Sissako y conformado por Cécile de France, Joana Hadjithomas, Daniel Olbrychski y Rebecca Zlotowski, concede el primer premio de las 18 películas de estudiantes, escogidas entre 1.593 trabajos procedentes de 381 escuelas de cine de todo el mundo, a Share, de Pippa Bianco (Estados Unidos) y un tercer premo, ex aequo a Victor XX, de Ian Garrido López, procedente de la ESCAC.

Hou Hsiao-Hsien se inspira en la literatura tradicional china para realizar Nie Yinniang (The Assassin), su séptima película a concurso en el Festival de Cine de Cannes. Se trata de una novela corta que lleva el nombre de su protagonista, una justiciera que mantiene la paz en la provincia de Weibo. Cuando Tian Ji’an decide desafiar la autoridad del gobernador, se ve enfrentada a un dilema: eliminar al rebelde de quien está enamorada. Para interpretar a estos amantes y adversarios, Hou Hsiao-Hsien colabora nuevamente con Shu Qi, con quien ya  había trabajado en Millennium Mambo y Three Times, y Chang Chen, también parte del reparto de Three Times. Por otro lado, Jacques Audiard regresa con Dheepan, una película sobre el exilio política y la esperanza de construirse en un país extranjero. Dheepan es un guerrero tamil, un Tigre, que lucha por la independencia tamil en Sri Lanka. Para huir de su país, víctima de la violencia y la derrota, se marcha con una mujer y un hijo que no son suyos hacia París, con la esperanza de encontrar una vida mejor. Para esta película, Jacques Audiard trabajó con actores tamil no profesionales. La provocación viene de la mano de Gaspar Noé, quien presenta fuera de la sección oficial la esperada Love, protagonizada por los actores Karl Glusman, Aomi Muyock y Klara Kristin que participan en una orgía de sexo explicito rodado en 3D.

La película del argentino Santiago Mitre, Paulina, obtiene el Gran Premio de la 54ª Semana de la Crítica del 68º Festival de Cine de Cannes , cuyo jurado estuvo presidido por la cineasta y actriz israelí Ronit Elkabetz. El Premio Révélation es para La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo, quien también obtiene el Premio SACD. Así mismo, en cuanto a los cortometrajes, el Premio Découverte recae en Varicella, del italiano Fulvio Risuleo, mientras que el rumano Andrei Cretulescu se lleva el Premio Canal+ con Ramona.

El título de la película presentada por Jia Zhang-Ke en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes, Shan He Gu Ren, podría traducirse como «los viejos amigos son como la montaña y el río«. Todo parte de una experiencia técnica. Jia Zhang-Ke ha acumulado a lo largo de su carrera imágenes de paisajes y ambientes registrados, como si tomara notas. El rodaje reproduce esta experiencia y sigue los pasos de tres amigos a lo largo de 26 años, desde 1999 hasta el 2035: la técnica de toma de imágenes evoluciona según el progreso de la intriga en el tiempo, el ángulo se abre a lo largo de la película: 1,33 al comienzo, más grande con la Alexa (1,85) y, finalmente, un objetivo anamórfico que proporciona otra dimensión al espacio. Por otro lado, con ya cinco películas presentadas en competición, Paolo Sorrentino compite de nuevo por la Palma de Oro con un largometraje que logra la proeza de reunir a Harvey Keitel, Michael Caine y Jane Fonda en un spa de alta montaña. Youth (Juventud), como su propio título sugiere, escruta la vena generacional poniendo en escena dos personalidades no menos truculentas, encarnadas por Michael Caine (Mick) y Harvey Keitel (Fred). Estos dos compinches de una determinada edad, estos dos viejos amigos, repasan su existencia y conocen, en el transcurso de sus actividades en un palacio alpino, a Rachel Weisz, Jane Fonda e incluso Paul Dano. Y como sucede a menudo en las películas del napolitano, los personajes tienen una carrera artística a sus espaldas: uno es compositor y el otro es director.

Denis Villeneuve y Valérie Donzelli dirigen las dos películas a concurso de la jornada en el Festival de Cine de Cannes. Con Sicario, Denis Villeneuve combina sus dos terrenos narrativos favoritos (las películas femeninas y los thrillers) para enviar a Emily Blunt a la frontera entre México y Estados Unidos y sumarse al grupo de élite de Josh Brolin y Benicio Del Toro. La película se adentra en la frontera entre México y Estados Unidos, que más que una línea de demarcación es una zona de riesgos económicos, políticos y diplomáticos, un terreno cinematográfico para Denis Villeneuve. Además, después de su paso por la Semana de la crítica en 2011 con Declaración de guerra, la actriz y directora Valérie Donzelli presenta en sección oficial Marguerite & Julien, un largometraje sobre la pasión fusional entre un hermano y una hermana que se adoran desde que nacieron y nunca han querido esconderlo. Donzelli adapta un guión que Jean Gruault había pensado en 1970 para François Truffaut. Finalmente, en Una cierta mirada se puede ver Taklub, de Brillante Mendoza, quien no olvida el tifón Yolanda que azota las costas filipinas dejando 2.500 muertos y convirtiéndose en una de las catástrofes naturales más devastadoras del país. En esta película narra el itinerario de tres personajes para quienes la miseria se suma a la catástrofe que arrasó sus vidas.

Presente por primera vez en la selección del Festival de Cine de Cannes, el director Stéphane Brizé, estrena su película La Loi du Marché, un drama social íntimo, protagonizado por Vincent Lindon y un grupo de actores no profesionales. En la película un desempleado de larga duración acepta un empleo como vigilante en un gran almacén para poder cubrir las necesidades básicas de su familia. Pero su nueva posición le plantea conflictos morales insospechados. Por su parte, cuatro años después de presentar la melancólica Oslo, 31 de agosto, el director noruego examina de nuevo la profundidad del alma de sus protagonistas en Louder Than Bombs, su tercer largometraje. Coescrita con Eskil Vogt, su guionista habitual, y filmada en Nueva York, se entrelazan las opiniones de los miembros de la familia de una fotógrafa de guerra fallecida ante la aparición repentina de un secreto de su pasado en la que declara que «quería hacer una película con personajes de varias generaciones, que se reflejaran entre sí y tuvieras dificultad para comunicar«. En la sección Una cierta mirada se presenta Rak ti Khon Kaen (Cemetery of Splendour), del director tailandés Apitchapong Weerasethakul , ganador de la Palma de Oro por Tío Boonmee que recuerda sus vidas pasadas, en la que relata la historia de unos soldados que padecen una misteriosa enfermedad del sueño. Fuera de concurso, la gran ovación del Certamen hasta el momento es para Inside Out, de Pete Docter, la nueva cinta animada de Pixar.

Todd Haynes encadila a la crítica con su película Carol en esta jornada del Festival de Cine de Cannes que se complementa con la proyección de Mon Roi, de Maïwenn. El director de Lejos del cielo se reconcilia con la América de los años 50 en la película Carol, protagonizada por Cate Blanchett, Rooney Mara y Sarah Paulson. Carol, interpretada por Blanchett, es una mujer sofisticada y burguesa, prisionera de un matrimonio infeliz. Conoce a Therese (Mara), empleada en unos grandes almacenes. Entre ellas nace una atracción desde la primera mirada, dejando rápidamente su lugar a los sentimientos. Poco después, Carol y Therese huyen juntas y se lanzan a la carretera a través de América. Se trata de la adaptación de la segunda novela de Patricia Highsmith, El precio de la sal, que escribió bajo el seudónimo de Claire Morgan. Por otro lado, después del éxito de Polisse, Maïwenn asume cierto estilo artístico con Mon Roi. Sin ser autobiográfica, esta crónica independientes descifra la historia de amor completa y fulgurante de Tony (Emmanuelle Bercot) y Georgio (Vincent Cassel).

Dos viejos conocidos del Festival de Cine de Cannes, Gus Van Sant y Nanni Moretti, protagonizan las sección oficial de esta jornada. Van Sant sorprende y decepciona con The Sea of Trees, prelícula protagonizada por Matthew McConaughey, quien se adentra en un bosque lleno de misterios. Lo hace para poner fin a sus días, pero un encuentro inesperado trastorna sus planes. En su camino se cruza Takumi, un hombre de luto que sufre, a quien decide salvar. El italiano Nanni Moretti completa el día con Mia Madre, un drama púdico, construido en torno a cuestionamientos interiores. El director encarna en la pantalla a Giovanni, hermano y confidente de Margherita (la siempre fiel Margherita Buy): una célebre directora de cine está en plena crisis personal y creativa, extenuada por un calamitoso rodaje y por las visitas a su madre enferma.

El griego Yorgos Lanthimos comparte jornada en la competición oficial del Festival de Cine de Cannes con el húngaro László Nemes. Lanthimos simboliza con The Lobster la llegada a la madurez de una ola de cineastas griegos a quienes la crisis estimuló la creatividad y exacerbó la impronta surrealista. El cine griego, privado de financiación debido a la terrible situación económica que atraviesa el país desde finales de la década del 2000, ofrece una paradójica explosión a través de una generación de autores experimentados e interconectados a la que pertenece el director. Esta comedia romántica negra, coescrita con Efthimis Filippou, su guionista de cabecera, y rodada en inglés,  narra en un futuro imaginario la historia de una sociedad en la que los solteros tienen que encontrar a su alma gemela para no ser convertidos en animales. Por otro lado, el húngaro László Nemes presenta su ópera prima Saul Fia, que se adentra en el infierno de un prisionero judío en Auschwitz-Birkenau quien reconoce a su hijo en medio de los cadáveres que van a ser incinerados. A sus 38 años, Nemes fue asistente de otro director húngaro, Bela Tarr. Fuera de concurso se presenta Irrational Man, de Woody Allen, en la que presenta la historia de un profesor de filosofía asaltado por la duda, de un «hombre irracional» encarnado por Joaquin Phoenix.

Las dos primeras películas a concurso del Festival de Cine de Cannes son Il Racconto dei Racconti (Cuento de cuentos), de Matteo Garrone y Umimachi Diary (Nuestra hermana pequeña), de Hirokazu Kore-Eda. Siete años después de Gomorra, Garrone presenta una película inspirada en el Pentamerón, una colección de cuentos del siglo XVII poblados por dragones marinos, pulgas y murciélagos gigantes, castillos maravillosos y laberintos. Tres fábulas, tres reinos, y tres relatos entrelazados. De las 50 historias del Pentamerón (o Lo cunto de li cunti overo Lo trattenemiento de peccerille en antiguo dialecto napolitano), de Giambattista Basile, Matteo Garrone ha adaptado tres. La historia de tres reinos vecinos, de un rey fornicador y libertino, de un soberano que prodiga su atención a un animal extraño, y de una reina obsesionada por el deseo de tener un hijo. El cineasta japonés Hirokazu Kore-Eda, por su parte, continúa explorando con sutileza las dinámicas familares con esta semblanza de tres mujeres que descubren la existencia de una media hermana. Kore-Eda vuelve a reflexionar en torno a la paternidad y ofrece una mirada poética y clarividente sobre las dinámicas del modelo familiar de su país. En la sección Una cierta mirada Naomi Kawase presenta An, sucesora de la suntuosa Aguas tranquilas, presentada en competición en 2014, que es la primera adaptación de la cineasta, que ha llevado a la pantalla un libro de Tetsuya Akikawa.

El Festival de Cine de Cannes inaugura su 68 edición con La Tête Haute, de la realizadora Emmanuelle Bercot, quien se convierte en la segunda mujer que dirige la cinta inaugural del certamen. La presencia de Catherine Deneuve, en un papel de jueza de menores que interpreta con solvencia, inyecta las primeras dosis de «glamour» a un Festival que ha hecho toda una declaración de intenciones al seleccionar esta obra como película de apertura. El filme sobre un joven delincuente y la juez, consejera y madre que intenta llevarlo por el buen camino, se aleja bastante del habitual glamour que caracteriza al Certamen. El realizador Fernando León de Aranoa es el principal representante de una presencia casi testimonial del cine español en esta edición. Dentro de la sección paralela Quincena de Realizadores, León de Aranoa presenta Un día perfecto, una historia que se desarrolla en los últimos momentos de una guerra en un territorio balcánico y que cuenta una jornada en la vida de unos trabajadores humanitarios. Después de una selección de entre 1.854 filmes, el director del Festival, Thierry Fremaux, asegura que esta edición destacará por los nuevos nombres que introduce. «Ponemos nuevos nombres en el mapa, y veremos en 12 días cuál será el resultado de todo«, asegura.

La realizadora, fotógrafa y actriz francesa Agnès Varda recibirá la Palma de Oro de honor del Festival de Cine de Cannes en la ceremonia de clausura de esta edición, el próximo 24 de mayo. Será la primera vez que esta distinción para cineastas, que solo se ha entregado en cuatro ocasiones precedentes, vaya a parar a las manos de una mujer. Anteriormente recibieron la Palma de Oro de honor -que distingue a directores de obra reconocida pero que no han conseguido la Palma de Oro a lo largo de su carrera- Woody Allen, en 2002, Manoel de Oliveira, en 2008, Clint Eastwood, en 2009, y Bernardo Bertolucci, en 2011. En 2001 recibió el Cesar Honorífico por el conjunto de su carrera y en 2005 fue parte del jurado del Festival de Cine de Cannes.

Luc Jacquet, el director oscarizado por El viaje del emperador, presentará su cuarto largometraje, La Glace et le ciel, durante la clausura del 68º Festival de Cine de Cannes, que se celebrará el domingo 24 de mayo en el Grand Théâtre Lumière del Palais des Festivals. En este documental, Luc Jacquet evoca los hallazgos del científico Claude Lorius, que en 1957 partió para estudiar el hielo de la Antártida y que en 1965 fue el primero en expresar su preocupación por el calentamiento global y sus consecuencias para el planeta.

El director mexicano Michel Franco competirá por la Palma de Oro en la selección oficial del Festival de Cine de Cannes con su última película, Cronic, que será la única representante hispanoamericana. La lista de aspirantes en la competición oficial se completa de esta forma con un total de 19 películas, entre las que también estará The Valley of love, del francés Guillaume Nicloux. También se revela que el colombiano José Luis Rugeles presentará su filme Alias Maria en la sección paralela Una cierta mirada, junto al filipino Brillante Mendoza con Taklub, el tailandés Apichatpong Weerasethakul con Cemetery of Splendour y la japonesa Naomi Kawase, que inaugurará la sección con AN. Además, este apartado acogerá a la primera película de Etiopía que es incluida en la selección oficial: Lamb, de Yared Zeleke. En una sesión especial se proyectará la última obra del francés Robert Guédiguian, Une histoire de fou.

La actriz Rossy de Palma, los directores Guillermo del Toro y el canadiense Xavier Dolan; las actrices Sienna Miller y Sophie Marceau, y el actor Jake Gyllenhaal, así como la compositora y cantautora de Mali, Rokia Traorè formarán parte del jurado responsable de entregar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes. Por primera vez en la historia del Certamen, que se celebrará del 13 al 24 de mayo, serán dos personas las que ocupen la presidencia de su jurado: los cineastas y hermanos estadounidenses Joel y Ethan Coen. La elección es un homenaje a otros dos hermanos, los Lumière, y los 120 años desde que inventaron el cine.

El director Fernando León de Aranoa representará al cine español en el Festival de Cine de Cannes con Un día perfecto que formará parte de la programación de la Quincena de los Realizadores. Además, el cortometraje Pueblo, de Elena López Riera, también formará parte de la selección de esta sección paralela. Se trata de la primera vez que León de Aranoa presenta una de sus películas en Cannes y Un día perfecto supone su debut en inglés y con un reparto internacional, en el que figuran Benicio del Toro, Tim Robbins y Olga Kurylenko, quienes encarnan a un grupo de cooperantes internacionales en una zona de conflicto. La película adapta un libro de la novelista y excooperante Paula Farias. Por su parte, López Riera presentará Pueblo, cortometraje sobre el choque cultural experimentado por un joven español residente en el extranjero que regresa a su pueblo durante las fiestas de Semana Santa. La inauguración de la sección  irá a cargo de L’ombre des femmes, la nueva película del cineasta francés Philippe Garrel. Además, el director Arnaud Desplechin presentará Trois souvenirs de ma jeunesse. Así mismo, el portugués Miguel Gomes mostrará una trilogía de seis horas titulada As mil e uma noites (Las mil y una noches), y también destaca la presencia del japonés Takashi Miike con Yakuza Apocalypse, el belga Jaco Van Dormael con Le tout nouveau testament y el estadounidense Jeremy Saulnier, con Green Rooms.

El Festival de Cine de Cannes anuncia los 16 largometrajes elegidos para la competición por la Palma de Oro, a los que se unirán próximamente entre dos o cuatro títulos más y en la que, de momento, no hay representación de cine en español. «Si Cannes es político o romántico es porque los autores lo son. Cannes es un reflejo de la preocupación de los artistas de hoy«, afirma en conferencia de prensa en París el delegado general, Thierry Frémaux. Las películas elegidas son:

• La tête haute, de Emmanuelle Bercot (apertura, fuera de competición)
• Dheepan, de Jacques Audiard
• La loi du marché, de Stéphane Brizé
• Marguerite et Julien, de Valérie Donzelli
• Il racconto dei racconti, de Matteo Garrone
• Carol, de Todd Haynes
• Nie Yinning (The Assassin), de Hou Hsiao Hsien
• Shan He Gu Ren (Mountains May Depart), de Jia Zhang-ke
• Umimachi Diary (Our Little sister), de Hirokazu Koreeda
• The Lobster, de Yorgos Lanthimos
• Mon roi, de Maïwenn
• Mia madre, de Nanni Moretti
• Saul Fia, de László Nemes
• La giovinezza, de Paolo Sorrentino
• Louder than bombs, de Joachim Trier
• The Sea of Trees, de Gus van Sant
• Sicario, de Denis Villeneuve.