Etiqueta: películas 2012

Extraterrestrial, 2011, 90 min. (España)
Vértigo Films
[rating=0]

Dirección: Nacho Vigalondo
Intérpretes: Michelle Jenner (Julia), Julián Villagrán (Julio), Carlos Areces (Ángel), Raúl Cimas (Carlos)
Guion: Nacho Vigalondo
Fotografía: Jon D. Domínguez
Música: Jorge Magaz
Montaje: Jon D. Domínguez
Producción: Nahikari Ipiña, Nacho Vigalondo

Julio y Julia no se conocen el uno al otro, pero despiertan en la misma cama, después de una borrachera de la que no recuerdan nada. Él se enamora al instante. Ella no. Y por si la situación no fuese lo suficientemente incómoda, Julio y Julia se dan cuenta de que un gigantesco OVNI flota sobre la ciudad.

Segundo largo dirigido por Nacho Vigalondo (Cabezón de la Sal, Cantabria, 1977) tras Los cronocrímenes (2008). Candidato al Oscar en 2005 por su aclamado cortometraje 7.35 de la mañana. Vigalondo es un polifacético artista que compagina sus
proyectos cinematográficos con tareas de interpretación en teatro, cine y televisión. Entre sus trabajos como actor destacan La máquina de bailar, El Síndrome de Svensson o The birthday. También intervino en el spot de Visionlab Tres en un burro.

Según Vigalondo «cuando escribí Extraterrestre mi principal interés era describir la periferia de una invasión extraterrestre. El punto de vista de un puñado de personajes que ven, desde el balcón de un piso en Madrid, un gigantesco OVNI, pero que, pasado el susto inicial, no saben cómo reaccionar porque no tienen ni pajolera idea de lo que hay que hacer. Es tal el vacío de información que sufren que, a medida que pasan los días, hay sitio para una sencilla y triste historia de amor. Si en mi anterior película Los Cronocrímenes, el protagonista era un pelele sometido a la tiranía de la trama, con Extraterrestre he intentado viajar al extremo opuesto y dejar que sean los personajes los que lleven la historia, sin que apenas haya interferencias extrañas. También he querido volver al género que más practiqué en mis cortometrajes, la comedia a escala íntima. En realidad hay más de una explosión. Pero ninguna de ellas vienen desde tan alto como las de La guerra de los mundos«.

Tyrannosaur, 2011, 91 min. (Reino Unido)
Festival Films
[rating=0]

Dirección: Paddy Considine
Intérpretes: Peter Mullan (Joseph), Olivia Colman (Hannah), Eddie Marsan (James), Paul Popplewell (Bod)
Guión: Paddy Considine
Fotografía: Erik Wilson
Música: Chris Baldwin, Dan Baker
Montaje: Pia Di Ciaula
Producción: Diarmid Scrimshaw

Joseph, un viudo alcohólico y dominado por la violencia, encuentra la esperanza de la redención en Hannah, una trabajadora de la caridad cristiana. Joseph se burla de la fe de Hannah y de su idílica existencia. Sin embargo, pronto descubre que la vida de Hannah no tiene nada de plácida. Según avanza su relación, ambos llegan a darse cuenta de que, a pesar del dolor, el amor y la amistad pueden encontrarse incluso en los lugares más oscuros.

Rodado en Leeds (Reino Unido) surge del primer trabajo del actor Paddy Considine como director, el corto Dog Altogether, que se estrenó en 2007. Rodado en Glasgow, el corto empieza con el personaje de Joseph (Peter Mullan), un hombre perdido en y por su propia ira, y a continuación siguen varias secuencias violentas en las que aparece como acosador y víctima, hasta que conoce a una mujer amable, en una tienda de barrio, que desempeña labores de caridad. Para él, la amabilidad de esa mujer aparece como una luz en medio de la oscuridad. «La idea de Dog Altogether era arrancar la película con un hombre dando patadas a un perro, hasta matarlo, pero que al final el público terminase empatizando con ese hombre«, dice Diarmid Scrimshaw, productor de ambas películas «Paddy ha conseguido eso brillantemente. Estaba claro que Paddy era un guionista y director excepcional«.

Mientras Considine escribía el guión, para el papel de Joseph no podía pensar en otro que no fuese Peter Mullan. «Peter Mullan fue mi única opción, incluso estaba dispuesto a aplazar la película para esperarle. Tiene cualidades que son difíciles de encontrar hoy. Pertenece a esa generación de actores que me encantan, como Lee Marvin y Jack Nicholson. Es un vaquero. Podría, sin problema, convivir con ellos. No hay momento en el que no esté increíble. Es carismático e instintivo y entendió enseguida las cualidades animales de Joseph, así como las sutilezas del personaje. Tiene una capacidad enorme para despertar empatía. Es uno de mis actores favoritos y no hay otro actor del mundo que yo hubiese elegido para el papel«.

Se presentó en el Festival de Cine de Sundance donde consiguió el Premio a Mejor Director, el Premio Especial del Jurado – Actor Dramático para Peter Mullan y el Premio Especial Del Jurado – Actriz Dramática para Olivia Colman.

The vow, 2012, 104 min. (USA)
Sony Pictures
[rating=0]

Dirección: Michael Sucsy
Intérpretes: Rachel McAdams (Paige), Channing Tatum (Leo), Sam Neill (Bill Thornton), Scott Speedman (Jeremy), Jessica Lange (Rita Thornton), Kim Roberts (Barbara)
Guion: Jason Katims, Abby Kohn, Marc Silverstein, Michael Sucsy
Fotografía: Rogier Stoffers
Música: Michael Brook, Rachel Portman
Montaje: Melissa Kent, Nancy Richardson
Producción: Gary Barber, Roger Birnbaum, Paul Taublieb

Paige y Leo son un joven matrimonio, locos el uno por el otro que viven una vida plena como artistas en Chicago. Durante una nevada nocturna sufren un accidente de tráfico. Leo sale ileso, pero Paige sufre un traumatismo craneal que borra a su marido de su memoria. Cuando ésta sale del coma, Leo es para ella un extraño. De repente, Leo se encuentra en la dolorosa situación de tener que reiniciar la relación que toda su vida había deseado y volver a ganarse el amor de su mujer. Mentalmente Paige regresa a su vida cuando estudiaba derecho cinco años atrás, antes de conocer a Leo y hacerse artista. En un instante, deja de ser la mujer que Leo conocía y encima no recuerda nada de su vida actual. No puede comprender por qué se ha alejado de sus padres, echa de menos su ropa más conservadora y no entiende por qué dejó la universidad y una prometedora carrera de Derecho. Para colmo, Paige cree que aún está comprometida con Jeremy, que todavía la quiere y se muestra reacia a querer a Leo, que lleva una vida menos convencional dedicándose a la música. Incluso le llega a extrañar que alguna vez haya podido amarle.

Dirige Michael Sucsy, quien se crió en Nueva York y Nueva Inglaterra y se graduó en la Escuela de Asuntos Internacionales Edmund A. Walsh por la Universidad de Georgetown. Se sacó un máster en Bellas Artes en cine en el Art Center College of Design. Empezó dirigiendo anuncios publicitarios en Palomar Pictures en Los Ángeles y pronto fue calificado por Shoot! Magazine como uno de los nuevos directores a seguir. Posteriormente, fue nominado para el Premio del Director Joven del Año en el Festival Internacional Publicitario de Cannes en 2002.

En 2003, comenzó a trabajar en Grey Gardens, una película basada en la historia real de los excéntricos familiares de Jackie O’, «la gran Edie» Boubier Beale y «la pequeña Eddie» Bouvier Beale. Tras ver el famoso documental de igual título, Sucsy se inspiró para escribir y dirigir una película narrativa sobre la solitaria vida de madre e hija e inmediatamente se embarcó en lo que se convertiría en un proceso de seis años hasta terminar Grey Gardens. Mientras investigaba y escribía el guión, se levantaba diariamente a las 5 de la mañana para trabajar durante horas antes de dedicarse a tiempo completo en un empleo como ayudante de un abogado del mundo del entretenimiento.

En 2005, dos años después de su idea inicial para Grey Gardens, terminó el borrador. Con Jessica Lange y Drew Barrymore formando parte de la fuerza del guión, el proyecto llegó a HBO, que en 2006 anunció que Grey Gardens entraba en producción. Tras otro año de desarrollo de guión y pre-producción, la fotografía comenzó en octubre de 2007. El film estuvo listo dos meses más tarde, en diciembre de 2007, a tiempo y ajustado al presupuesto.

Después de seis años, el film tuvo notorias premieres antes de estrenarse en la HBO en el Teatro Ziegfeld de Nueva York y en el Teatro Chino Gauman de Hollywood. Grey Gardens se estrenó en HBO en abril de 2009 con una gran acogida por parte de la crítica y público, convirtiéndolo también en un fenómeno para las nuevas generaciones. Recibió múltiples premios como 6 Premios Emmy Primetime incluida Mejor Película hecha para Televisión, el Premio de la Asociación de la Crítica de Televisión como Outstanding Achievement Movies, Mini Series and Specials. Recibió 17 nominaciones a los Emmy Primetime, tres de ellos para Sucsy, igualando el récord de nominaciones recibidas para una película hecha para televisión de todos los tiempos. También ganó el Broadcast Film Critics Award y un Globo de Oro como Mejor Película o Mini Serie Hecha para Televisión. Por Grey Gardens, Michael también estuvo nominado para el premio Directors Guild of America Award for Directorial Achievement in Movies for Television/Mini-Series y el Writers Guild of America Award.

Mirror, mirror, 2012, 00 min. (USA)
Tripictures
[rating=0]

Dirección: Tarsem Singh
Intérpretes: Julia Roberts (La Reina), Lily Collins (Blancanieves), Armie Hammer (Príncipe Alcott), Sean Bean (Rey), Nathan Lane (Brighton), Mare Winningham (Panadera Margaret), Michael Lerner (El Barón), Robert Emms (Charles Renbock), Jordan Prentice (Napoleón)
Guion: Melissa Wallack, Jason Keller
Fotografía: Brendan Galvin
Música: Alan Menken
Montaje: Robert Duffy, Nick Moore
Producción: Bernie Goldman, Ryan Kavanaugh, Brett Ratner

Blancanieves es una princesa en el exilio. Siete valerosos y rebeldes enanitos la ayudarán a preparase para que pueda reclamar su derecho al trono que le pertenece por nacimiento y también a conseguir al Príncipe.

Esta versión de la historia actualiza el personaje. Dirige Tarsem Singh (India, 1961), quien en los años noventa destacó como uno de los grandes valores del videoclip, ámbito en el que realizó el aclamado vídeo Losing My Religion de R.E.M. También realizó numerosos anuncios para televisión. Estudió en un internado en el Himalaya en la India y se fue a Estados Unidos a los veinticuatro años de edad. Es su segundo largometraje tras La celda (2000), The Fall. El sueño de Alexandria (2006) e Inmortals (2011).

La famosa cantante española Soraya Arnelas, es la encargada de interpretar el tema principal I Believe, un tema inspirado en Bollywood. La película cuenta con un presupuesto de más de 130 millones de dólares.

Almanya – Willkommen in Deutschland, 2011, 97 min. (Alemania)
Golem
[rating=0]

Dirección: Yasemin Samdereli
Intérpretes: Vedat Erincin (Hüseyin, de mayor), Fahri Yardim (Hüseyin, de joven), Lilay Huser (Fatma, de mayor), Demet Gül (Fayma, de joven), Aylin Tezel (Canan), Rafael Koussouris (Cenk), Denis Moschitto (Ali), Petra Schmidt-Schaller (Gabi)
Guion: Yasemin Samdereli, Nesrin Samdereli
Fotografía: Ngo The Chau
Música: Gerd Baumann
Montaje: Andrea Mertens
Producción: Andreas Richter, Ursula Woerner, Annie Brunner

Después de vivir 45 años en Alemania como un «Gastarbeiter» (trabajador invitado) turco, Hüseyin Yilmaz, setenta años cumplidos, anuncia a su familia que ha comprado una casa en Turquía y que todos deben volver con él para hacer las reformas necesarias. La familia no se siente en absoluto atraída por la idea y todos empiezan a discutir acaloradamente. Por si no fuera bastante, Canan, una nieta de Hüseyin, decide anunciar que está embarazada y que el padre es su novio inglés, del que nadie sabía nada. Para consolar a su primo Cenk, de seis años, al que trataron de «extranjero» el primer día de colegio, Canan decide contarle la fantástica historia de por qué acabaron todos en Alemania a pesar de no ser alemanes. Viajan en el tiempo a un maravilloso lugar donde una pequeña familia turca descubre una tierra poblada de gigantes rubios que comen cerdo, sacan a unas ratas muy gordas a pasear con correa, beben agua llamada Coca-Cola, adoran a un hombrecito en una cruz de madera y usan un galimatías ininteligible, una tierra llamada Almanya.

Dirige Yasemin Samdereli (Dortmund, 1973), quien estudió en la Escuela de Televisión y Cine de Múnich. A los 20 años empezó a trabajar como ayudante de dirección y guionista. Entre 1994 y 1998 trabajó en el proyecto mediático-pedagógico Das filmende Klassenzimmer, para Bavaria Film. Adquirió más experiencia en producciones como Who Am I/¿Quién soy? (1997), de Jackie Chan; Te wu mi Cheng (El espía accidental) (2000), de Teddy Chan, entre otras, así como en numerosos anuncios.

En 1994 escribió y dirigió su primer corto, Schlüssellöcher, al que siguieron Lieber Gott (1995), Lachnummern (1996), Kismet (2001), por el que fue nominada al Premio Max Ophuls, y Sextasy (2004). Rodó su primer telefilm en 2002, la comedia romántica multicultural Alles Getürkt, y en 2007, la comedia Ich Chefe, du nix. Trabajó como guionista en la premiada serie Türkisch für Anfänger (2006) y participó en el desarrollo del guión de varios episodios de la serie radiofónica Hui Buh. En 2004 trabajó como actriz en el corto Delicious, dirigido por su hermana Nesrin.

Man on a ledge, 2012, 00 min. (USA)
Aurum
[rating=0]

Dirección: Asger Leth
Intérpretes: Sam Worthington (Nick Cassidy), Elizabeth Banks (Lydia Mercer), Jamie Bell (Joey Cassidy), Ed Harris (David Englander), Edward Burns (Jack Dougherty), Anthony Mackie (Mike Ackerman), Titus Welliver (Nathan Marcus), Genesis Rodriguez (Angie), Kyra Sedgwick (Suzie Morales)
Guion: Pablo Fenjves, Chris Gorak, Erich Hoeber, Jon Hoeber
Fotografía: Paul Cameron
Música: Henry Jackman
Montaje: Kevin Stitt
Producción: Lorenzo di Bonaventura, Mark Vahradian

Cuando Nick Cassidy, un antiguo agente de policía de Nueva York que ahora es un preso fugado, entra en el famoso Hotel Roosevelt de la calle 45 con la avenida Madison, en la ciudad de Nueva York, se dirige a uno de los pisos más altos y se sube a la cornisa, pone en peligro mucho más que su propia vida. Una ciudad entera está a punto de quedarse paralizada, incluidos ciertos individuos muy nerviosos que guardan grandes secretos. La decisión de infarto de Cassidy de subirse a la cornisa de un rascacielos de la ciudad no solamente desata una auténtica vorágine de medios, sino que pone en una situación comprometida a Lydia Spencer, una activa negociadora del departamento de policía de Nueva York, que trata de convencerlo para que salga de la cornisa, mientras tiene que vérselas con un rival del departamento, que cree que ella tiene un conflicto de intereses. Sin embargo, cuanto más tiempo pasa Lydia intentado llegar a la raíz del problema de Cassidy, más se da cuenta de que este ex policía podría albergar segundas intenciones al crear tal revuelo.

Al borde del abismo era un guión escrito por Pablo F. Fenjves, cuyos derechos esperaba adquirir Lorenzo di Bonaventura durante su época de presidente de Warner Bros. Más adelante, lo adquiriría a través de su sello, di Bonaventura Pictures. El guión se quedó atascado por el camino en MGM Studios, donde mostraron interés por quedárselo. Luego fue a parar a Paramount, con intención de asignárselo a Paramount Vantage. Tres meses después, Paramount Vantage cerró sus puertas y el guión volvió a quedarse en el limbo.

Pero di Bonaventura y Vahradian no lo dieron por perdido. De pronto, Sam Worthington (Avatar) mostró interés por él, y Summit lo compró esa misma semana. Decidieron incorporar al proyecto al director Asger Leth, que tenía experiencia en documentales, para ponerse al mando de la cinta y que se convirtiera así en su primer largometraje de ficción. Fue una decisión que tenía a los productores especialmente entusiasmados, porque las cualidades que había demostrado para contar historias reales eran precisamente las que andaban buscando.

Es el primer largo dirigido por Asger Leth, hijo del cineasta Jørgen Leth, tras el impactante documental Ghosts of Cité Soleil (2006).

Viene una chica, 2012, 84 min. (España)
–
[rating=0]

Dirección: Chema Sarmiento
Intérpretes: Borja González Carpintero (Tino), Javier Martínez (Logio), Cristina Marcos (Mina), Andrea Franco Delejido (Bego), Carlos González Otero (Baldo), Luz Divina Pereira (Elvira), Quintiliano Ferrero Alonso (Don Rosendo)
Guión: Chema Sarmiento, Luis Mateo Díez
Fotografía: Damien Dufresne
Música: Maximo Olóriz, Roberto Escribano
Montaje: Marino García Fernandez
Producción: Javier Muñiz, Fabrice Bonniot

Tino es el protagonista de esta historia. Tiene 17 años y una particularidad que le diferencia de la mayor parte de la gente: el síndrome de Down. Tino hace sus estudios en Amidown, centro especializado de una ciudad de provincias. En el momento en que nos acercamos a él, su mundo está configurado principalmente por sus amigos del colegio, con los que comparte muchas horas de formación, y por su hermana Licia (que le adora) y la pandilla de ésta. También está su primo Baldo que recaba su ayuda, sin darle momento de respiro, como mensajero en sus cuitas amorosas con Elvira. Esta película cuenta lo que va a ser un período decisivo en su vida, las circunstancias en que descubre tanto el amor como las pequeñas desdichas que conlleva. Y cómo, a través de una serie de peripecias divertidas, se va a preparar para enfrentarse a la vida con una mirada nueva.

La película se basa en la obra del ahora Académico de la Lengua, Luis Mateo Díez, quien publicó un libro de cuentos y microrrelatos titulado Los males menores. Según el director «por razones de producción el guión quedó durmiendo durante años. Circunstancias que no viene al caso detallar, hicieron que volviera a leerlo en Diciembre del 2009 y ello me incitó nuevamente a intentar realizarlo. Hablé con Luis Mateo y escribimos una nueva versión, más adaptada a nuestros días y a las posibilidades de mi productora, Impromptu S.L. El principal cambio de la nueva versión era que tanto el protagonista como la mitad del reparto eran jóvenes con síndrome de Down. Nos pusimos en contacto con una Asociación de Padres de Hijos con Síndrome de Down: Amidown. Les contamos nuestro proyecto e inmediatamente nos dieron su apoyo con entusiasmo. Según nos dijeron, apreciaban particularmente que la película fuera protagonizada por un muchacho-down cuando en realidad su tema no es esa cuestión específica, sino que cuenta las divertidas peripecias un joven como otro cualquiera, Tino, y la manera en que va a encontrar su sitio en la vida a través de sus primeras contrariedades amorosas«.

Chema Sarmiento, el director, es licenciado en filosofía por el instituto “Angelicum” de Santander y en Historia del Arte por la Universidad de Valladolid. Curso estudios de cine en Francia (IDHEC, 33a promoción) especializándose en Realización y Montaje. Ha trabajado como ayudante de realización y montador jefe. Como director ha hecho numerosos corto-metrajes tanto documentales como de ficción. Su opera prima fue Los Montes, y su primer largometraje, El Filandón, realizado en 1984. Su documental Homenaje al viento fue premiado en el Festival Etnográfico de Huesca en 1989.

Contraband, 2012, 1100 min. (USA, Reino Unido)
Universal Pictures
[rating=0]

Dirección: Baltasar Kormákur
Intérpretes: Mark Wahlberg, Kate Beckinsale, Ben Foster, Lukas Haas, Giovanni Ribisi, J.K. Simmons, Diego Luna, Caleb Landry Jones, David O’Hara
Guion: Aaron Guzikowski
Fotografía: Barry Ackroyd
Música: Clinton Shorter
Montaje: Elísabet Ronaldsdóttir
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Baltasar Kormákur, Stephen Levinson, Mark Wahlberg

Mark Wahlberg encabeza el reparto de este thriller acerca de un hombre decidido a no volver a entrar en un mundo que se esforzó en dejar, y a proteger a su familia a toda costa. La historia transcurre en Nueva Orleans y explora el feroz mundo clandestino del contrabando internacional, poblado por delincuentes dispuestos a todo, policías corruptos, peligros y sobornos, donde la lealtad es un bien escaso y la muerte espera a la vuelta de la esquina.

Hace tiempo que Chris Farraday dejó el mundo de la delincuencia, pero cuando su cuñado Andy mete la pata en un asunto de drogas encargado por su implacable jefe Tim Briggs, Chris se ve obligado a volver a hacer lo que mejor se le da, pasar contrabando, para pagar la deuda de Andy. Chris es un legendario contrabandista y no tarda en reunir a un equipo de primera con la ayuda de su mejor amigo, Sebastian, y realizar un último viaje a Panamá para traer millones de dólares en billetes falsos.

Pero las cosas no salen como estaba previsto y con solo unas horas para hacerse con el dinero, Chris deberá hacer uso de sus oxidadas habilidades y superar una traicionera red criminal con brutales narcos, polis y sicarios, antes de que su esposa Kate y sus hijos se conviertan en objetivos.

En 2008, el guionista Arnaldur Indriðason y el guionista y director Óskar Jónasson crearon el thriller escandinavo Reykjavik-Rotterdam. La película, protagonizada y producida por Baltasar Kormákur, sigue las andanzas de un guarda de seguridad llamado Kristófer que se ve envuelto en el contrabando de alcohol cuando acepta un trabajo a bordo de un carguero de contenedores que sale de Reikiavik, en Islandia, rumbo a Róterdam, en Holanda.

El thriller fue un éxito no solo en Islandia, sino en toda Europa. Dos años después, Baltasar Kormákur habló con su representante acerca de la posibilidad de hacer una versión más internacional. Este se puso en contacto con los cineastas británicos Tim Bevan y Eric Fellner, que decidieron desarrollar el proyecto con su productora Working Title.

Después de pensar en quién sería el guionista más apropiado para reinventar la historia dirigida a un nuevo público, el cineasta se inclinó por el prometedor guionista Aaron Guzikowski, algo en lo que Liza Chasin y Evan Hayes, los dos productores ejecutivos de Working Title, estuvieron totalmente de acuerdo.

Dado que el estado de Luisiana es un lugar de paso de muchos barcos que recorren el mundo y que gran parte del contrabando estadounidense pasa por allí, los productores, el realizador y el guionista visitaron la zona y decidieron que la cintatranscurriría en Nueva Orleans, y no en Islandia.

Contraband está rodada íntegramente en decorados naturales en diversos barrios de Nueva Orleans y en la ciudad de Panamá. Bajo la creativa mirada del director de fotografía Barry Ackroyd, el thriller fue filmado usando cámaras múltiples con el propósito de captar la acción en tiempo real. Muy al principio de la producción, el equipo de diseño viajó a la ciudad de Panamá para decidir qué escenas debían rodarse allí mismo.

El hecho de usar más de una cámara ofrece mayor libertad a los actores para improvisar sin que tengan que preocuparse tanto por permanecer en el encuadre de una sola cámara. Baltasar Kormákur confiaba plenamente en que Barry Ackroyd, un experto director de fotografía de películas de acción, captara los movimientos de los actores.

Baltasar Kormákur (nacido el 27 de febrero de 1966) es un actor, director y productor de cine y teatro de origen hispano-islandés. Es conocido en el mundo del cine por algunas de sus películas como 101 Reykjavík, que protagonizó Victoria Abril, El mar o Verdades ocultas. Su padre es el pintor barcelonés residente en Islandia Baltasar Sabater.

The devil inside, 2012, 83 min. (USA)
Paramount Pictures
[rating=0]

Dirección: William Brent Bell
Intérpretes: Fernanda Andrade, Simon Quarterman, Evan Helmuth, Suzan Crowley, Ionut Grama, Bonnie Morgan, Brian Johnson
Guion: William Brent Bell, Matthew Peterman
Fotografía: Gonzalo Amat
Música: Brett Detar, Ben Romans
Montaje: William Brent Bell, Tim Mirkovich
Producción: Matthew Peterman, Morris Paulson

En 1989, los servicios de emergencia recibieron una llamada al 112 de Maria Rossi confesando que había asesinado brutalmente a tres personas. 20 años después, su hija Isabel), trata de comprender la verdad de lo sucedido esa noche y viaja al Hospital de Centrino para depravados mentales en Italia, donde su madre ha sido encerrada para determinar si es una enferma mental o está poseída por demonios. Isabel decide reclutar a dos jóvenes exorcistas que podrían curar a su madre usando métodos poco convencionales que combinan la ciencia y la religión y terminan enfrentándose cara a cara con el mal en estado puro en forma de cuatro poderosos demonios que poseen a María.

Segundo largo dirigido por William Brent Bell (Lexington, Kentucky) tras Stay alive (2006). El cineasta trabajó en la legendaria productora de Roger Corman y fue primer ayudante de dirección y director de la segunda unidad en películas independientes como Assignment Berlin, Midnight Blue, Star Maps, así como en la producción de Roger Corman para televisión Bucket of Blood.

Les herbes folles, 2009, 104min. (Francia, Italia)
Karma Films
[rating=0]

Dirección: Alain Resnais
Intérpretes: Mathieu Amalric, Sabine Azéma, André Dussollier, Anne Consigny, Emmanuelle Devos, Michel Vuillermoz, Sara Forestier, Nicolas Duvauchelle
Guion: Alan Resnais, Laurent Herbiet
Fotografía: Eric Gautier
Música: Mark Snow
Montaje: Hervé de Luze
Producción: Jean-Louis Livi

Marguerite no contaba con que le robaran el bolso al salir de la tienda. Y menos aún con que el ladrón tirara lo que había dentro en un aparcamiento. En cuanto a Georges, de haberlo sabido, no se habría agachado a recogerlo. Entre estos dos personajes que no tenían ninguna probabilidad de encontrarse, va a establecerse una relación sentimental llena de sobresaltos e imprevistos.

Basada en la novela L’Incident, de Christian Gailly, la película consiguió el Premio Especial del Jurado del Festival de Cine de Cannes 2009.

Dirige Alain Resnais, una de las más importantes figuras del cine moderno. Comenzó realizando cortos documentales a finales de los años 40, la mayoría sobre temas de arte, como Van Gogh (1948), Gauguin (1950) y Guernica (1950). Su logro documental más importante es la elegía de 31 minutos Noche y niebla (1956), que para el entonces crítico François Truffaut fue la mejor película alguna vez hecha. En ella examina en forma estructurada los campos de concentración del Holocausto, superponiendo escenas documentales en blanco y negro, con filmación contemporánea en color.

Su ascenso a la fama coincide con otros directores de la Nueva Ola Francesa como Godard, Truffaut o Chabrol. Su mayor reconocimiento cinematográfico llegó con Hiroshima mon amour en 1959, con la que ganó el premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes. Su filmografía se completa con Hiroshima mon amour (1959), El año pasado en Marienbad (1961), Muriel (1963), La guerra ha terminado (1966), Loin du Vietnam (1967), Te amo, te amo (1968), Stavisky (1974), Providence (1976), Mi tío de América (1980), La vie est un roman (1983), L’Amour à mort (1984), Mélo (1986), I want to go home (1989), Contre l’oubli (1991), Smoking/No smoking (1993), On connait la chançon (1998), Pas sur la bouche (2003) y Asuntos privados en lugares públicos (2006).

Resnais declara que decidió adaptar al cine la novela a cine ya que «el productor Jean-Louis Livi me había pedido que filmara una película para él. Inicialmente, se acordó que sería la adaptación de una obra de teatro. Yo ya había leído una docena de obras, cuando me topé con una novela de Christian Gailly, un escritor cuya voz encantadora, irónica y melancólica me chocó profundamente en una emission de Alain Veinstein en France Culture. Esta novela me cautivó hasta el punto de leer otra inmediatamente y de llamar al día siguiente a Jean-Louis Livi. Le dije: «Ese sonido, esa Blue Note que llevamos buscando desde hace algunas semanas, creo que tal vez la he encontrado.» La escritura de Gailly es tan musical que me di cuenta de que si hablaba con alguien después de terminar uno de sus libros, lo hacía hablando como sus personajes. Sus diálogos son como solos o duetos a la espera de ser dichos por los actores. Irène Lindon, la directora de «Edicions de Minuit» que publicó los trece libros de Gailly, nos comunicó que los derechos cinematográficos de doce de ellos estaban disponibles. Así que solicité un encuentro con Gailly. Me dio total libertad para escoger el libro que deseara, teniendo en cuenta que yo sólo había leído cuatro, pero mostró cierta preocupación por la idea de que la película alterara su agenda, ya que quería dedicar toda su energía a la nueva novela que estaba escribiendo. Por tanto, le propuse tímidamente no molestarle nunca, ni tampoco pedirle escenas adicionales o asesoramiento sobre la selección o la adaptación de los actores, así como no mostrarle una copia estándar de la película que el aprobaría o no. Vi entonces cómo una sonrisa aparecía en su rostro. Los siguientes días leí las novelas que me faltaban por descubrir y le propuse a Livi llevar a la pantalla El incidente, lo que él había ya pensado por su parte. Este libro era más caro que otros para filmar, pero Livi, con la ayuda de la productora ejecutiva Julie Salvador, consideró que se podía intentar«.

La montaña rusa, 2012, 110 min. (España)
Alta Classics
[rating=0]

Dirección: Emilio Martínez-Lázaro
Intérpretes: Verónica Sánchez, Alberto San Juan, Ernesto Alterio, Ara Malikian, Luis Bermejo, Sara Martín, Cristina Zapata, Marisa Zapata, Gabriel Chamé
Guion: Daniela Fejerman, Emilio Martínez-Lázaro
Fotografía: Teo Delgado
Música: Roque Baños
Montaje: Iván Aledo
Producción: Carlos Bernases

Comedia romántica sobre el sexo, el amor y sus muchas y complicadas combinaciones. Tres amiguitos de la infancia que vuelven a encontrarse muchos años después: una mujer y dos hombres. Un triángulo: en un vértice, el sexo; en otro, el amor; y en medio… nuestra protagonista hecha un lío.

Dirige Emilio Martínez-Lázaro (Madrid), quien estudió el bachillerato con los jesuitas, y Física en la Universidad Complutense. Escribió crítica de cine en las revistas Griffith y Nuestro Cine. De 1968 a 1971 dirigió cortometrajes y mediometrajes en precarias condiciones técnicas. A continuación dio sus primeros pasos en el cine profesional colaborando con Jesús Franco en diversos cometidos y con Gonzalo Suárez como ayudante de dirección. En el año 1973 realizó reportajes de actualidad en televisión. Como guionista ha trabajado para Jesús Franco, la productora Profilmes, Carlos Aured, León Klimowski, Mur Oti, Alfonso Ungría, Ricardo Franco y Elías Querejeta. También para Televisión Española adaptando a Dostoievski.

Su filmografía filmografía se completa con Las palabras de Max (1977), que consiguió el oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín, Sus años dorados (1980), Lulú de noche (1985), El juego más divertido (1987), Amo tu cama rica (1991), Los peores años de nuestra vida (1994), Carreteras secundarias (1997), La voz de su amo (2001),  El otro lado de la cama (2002), Los 2 lados de la cama (2005) y Las 13 rosas (2007).

Según el director «nos gustaba imaginar que Nabokov hubiera sonreído ante este planteamiento de ficción. Y también su denostado Freud. Lo cierto es que a Daniela y a mí nos hizo gracia, y probamos a ver adónde nos conduciría. Se trataba de partir de las fantasías infantiles sobre la sexualidad y la vida adulta, ese mundo que de niños se nos antoja algo tan misterioso e incomprensible. Y de ver cómo esas fantasías infantiles generan expectativas, se convierten en aspiraciones secretas que nos acompañan durante años. Y cómo esas expectativas se van viendo defraudadas por la realidad de la vida adulta«.

No es esta la primera vez que el director colabora con Daniela Fejerman. Hace años escribió con ella y con Inés París un guión que no llegó a rodarse. Martínez-Lázaro añade que «me gustan mucho sus tres películas, especialmente la primera, A mi madre le gustan las mujeres, y la tercera, 7 minutos. Daniela me pidió que leyera el guión de esta última y colaboré con tres o cuatro cosillas. Así que ya sabíamos que nos íbamos a entender. Lo que más nos costó encajar en el guión fue la culpabilidad de Ada, que fue surgiendo poco a poco hasta dar sentido a la segunda parte de la película y ayudar a terminarla. También había que suavizar y hacer más cercano el personaje de Ernesto Alterio, para que no quedara como un monstruo. Lo que hicimos fue invertir los deseos de la pareja en lo más alto de su romance. Ada tomaba el lugar de Lorenzo y viceversa. Esto nos proporcionó buenas situaciones de comedia. Creo que también a Daniela el humor le parece una forma superior de expresión. Después de rodar Las 13 rosas, donde tuve que batallar con demasiadas actrices y situaciones y figurantes, parece que la vuelta a la comedia romántica, con esta historia tan pequeñita, casi sin ambientes, con tres personajes nada más ante la cámara, debería haber sido una liberación. Nada de eso. Esta película, con su parte dramática, con sus escenas de sexo, pero sobre todo con su ironía, difícil de manejar en medio del alud de sentimientos, ha sido muy complicada de hacer. Si no hubiera tenido unos actores tan buenos, y no la hubiéramos preparado tanto, habría salido muy mal«.

We need to talk about Kevin, 2011, 112 min. (Reino Unido, USA)
Vértigo Films
[rating=0]

Dirección: Lynne Ramsay
Intérpretes: Tilda Swinton (Eva Khatchadourian), John C. Reilly (Franklin), Ezra Miller (Kevin, adolescente), Jasper Newell (Kevin, 6-8 años), Rock Duer (Kevin, bebé), Ashley Gerasimovich (Celia)
Guion: Lynne Ramsay, Rory Kinnear
Fotografía: Seamus McGarvey
Música: Jonny Greenwood
Montaje: Joe Bini
Producción: Jennifer Fox, Luc Roeg, Robert Salerno

Eva deja a un lado su carrera y sus ambiciones para dar a luz a Kevin. La relación entre madre e hijo es difícil desde los primeros años. Cuando Kevin cumple 15 años hace algo irracional e imperdonable a ojos de la comunidad. Eva lucha con sus propios sentimientos de dolor y responsabilidad. ¿Alguna vez quiso a su hijo? ¿Cuánto de lo que ha hecho Kevin es culpa suya?.

Presentada en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes, la película está dirigida por Lionel Shriver (Carolina del Norte, 1957), periodista y escritora que estudió en la Universidad de Columbia y ha vivido en Nairobi, Belfast y Bangkok, aunque en la actualidad reside en Londres. Después de varias novelas, en el año 2005 ganó el prestigioso Premio Orange con Tenemos que hablar de Kevin, una novela que ha suscitado fuertes polémicas y se ha convertido en un best-seller internacional que ha consagrado a la autora.

Ramsay alcanzó reconocimiento por primera vez en 1996 con su corto Small Deaths, su trabajo de graduación en la National Film and Television School de Inglaterra que ganó el Premio del Jurado en Cannes. Le siguió Kill the Day (1996), y Gasman (1997), ganadores del Premio del Jurado en Clermont Ferrand y de nuevo en Cannes respectivamente. Ramsay se convirtió de repente en uno de los más brillantes nuevos talentos del cine británico. Su aclamado debut en la pantalla grande, Ratcatcher (1999), es un oscuro film de redención ambientado en el Glasgow de los 70 golpeado por las huelgas. La película inauguró el Festival de Edimburgo y le valió el BAFTA en el año 2000. Su siguiente película, Morvern Callar (2002), adaptación de la novela de culto de Alan Warner, es la historia de una joven cajera de un supermercado que descubre que su novio se ha suicidado, y de las secuelas posteriores y el mundo que se abre ante ella.

Extremely loud and incredibly close, 2011, 129 min. (USA)
Warner Bros.
[rating=0]

Dirección: Stephen Daldry
Intérpretes: Tom Hanks, Sandra Bullock, Thomas Horn, John Goodman, Max Von Sydow, Viola Davis, Jeffrey Wright, Zoe Caldwell
Guion: Eric Roth
Fotografía: Chris Menges
Música: Alexandre Desplat
Montaje: Claire Simpson
Producción: Scott Rudin

La película es una adaptación del aclamado best seller de Jonathan Safran Foer, que narra la historia de la joven mente de Oskar Schell, un ingenioso neoyorquino de once años que, tras descubrir una llave entre las posesiones de su difunto padre, decide registrar con apremio toda la ciudad en busca de la cerradura que abrirá. Un año después de que su padre muriera en el World Trade Center, el día que Oskar llama «El día fatídico», decide mantenerse unido al recuerdo del hombre que un día le enseñó a través de los juegos a enfrentarse a sus peores temores. Cuando Oskar recorre los cinco distritos de Nueva York en busca de la cerradura perdida, conoce a un montón de personas diferentes, supervivientes a su manera, que le hacen descubrir cosas sobre el padre al que extraña, la madre de la que se siente tan distanciado y el ajetreado, peligroso y confuso mundo que le rodea.

Cuarta película del británico Stephen Daldry (Dorset, Reino Unido, 1961), tras Billy Elliot (2000), Las horas (2002) y The reader (El lector) (2008).  Anteriormente fue director de la Royal Court Theatre y ha dirigido más de cien obras teatrales, así como el cortometraje Eight (1998).

En 2005, el novelista Jonathan Safran Foer, famoso por su mezcla de comedia incisiva y tragedia en su novela debut Todo está iluminado, publicó su continuación, Tan fuerte, tan cerca. Su segunda novela fue, por un lado, la traviesa historia de un niño inusualmente precoz y sensible que inventa artilugios fantásticos, sueña con astrofísica, colecciona inmensas bases de datos aleatorios y se enfrasca en una quijotesca odisea por toda la ciudad de Nueva York. Al mismo tiempo, la novela fue el primer trabajo literario importante sobre la tragedia de las familias afectadas por el 11-S y un estudio sobre cómo la imaginación de un niño puede ayudarle a superar un miedo abrumador y una pérdida incomprensible ante las consecuencias de un suceso que ninguna lógica sería capaz de explicar.

Cuando el director Stephen Daldry leyó el libro le impactó sobre todo el punto de vista subjetivo de Oskar. Oskar, un niño poco común que, a pesar de tener una inteligencia excepcional, muestra comportamientos excéntricos y obsesivos que podrían situarlo en el marco del autismo, describe el mundo que le rodea con una mezcla particular de ingenuidad y perspicacia, nerviosismo y audacia, así como de incomprensión y necesidad de entender. A Daldry le intrigaba especialmente cómo este punto de vista, la imaginación de un niño, podía combinar pensamientos, recuerdos, listas de ideas y fantasías improvisadas con pura emoción, todo en el momento en que la vida en la familia de Oskar y el mundo que le rodea cambian por completo.

De tu ventana a la mía, 2012, 101 min. (España)
Alta Classics
[rating=0]

Dirección: Paula Ortiz
Intérpretes: Maribel Verdú, Leticia Dolera, Luisa Gavasa, Roberto Álamo, Fran Perea, Pablo Rivero, Cristina Rota, Carlos Álvarez-Novoa, María José Moreno, Luis Bermejo, Julián Villagrán, Ramón Barea, Álex Angulo
Guion: Paula Ortiz
Fotografía: Miguel Ángel Amoedo
Música: Avshalom Caspi
Montaje: Irene Blecua, Javier García Arrendondo
Producción: Kike Mora, Puy Oria, Raúl García, David Matamoros, Montxo Armendáriz

Inés, Violeta y Luisa. Tres mujeres en diversas épocas. Tres edades. Tres paisajes. Tres silencios, y un amor que se entreteje como el hilo de un ovillo mágico que rueda de una a otra mientras cosen tras la ventana. Hasta que sus vidas sufren un giro inesperado. Desde ese momento, las tres se enfrentan a una decisión vital en busca de sus sueños, sus pasiones, su dignidad, su felicidad. Porque hay historias de amor que son como las amapolas… rojas, frágiles, casi viento, pero se agarran a la garganta toda la vida.

Esta película nace de los recuerdos, las imaginaciones y deseos de tantas mujeres que alguna vez, cierto día, levantaron la mirada y se atrevieron a soñar más allá de sus ventanas. Tres historias de amor, frágiles como amapolas, entrelazadas en un fascinante tapiz visual y poético creado por Paula Ortiz, una joven directora aragonesa formada en Barcelona, Nueva York y Los Ángeles. De tu ventana a la mía, su ópera prima, es un cuento moderno que, ambientado en mundos de luces y colores diferentes a lo largo de un siglo, narra las decisiones límite de mujeres de tres generaciones que luchan por sus sueños y su felicidad en un mundo que parece cerrarles todas las ventanas.

Paula Ortizfd (Zaragoza, 1979), guionista y realizadora, Doctora en Teoría de Escritura de Guión de Cine, desarrolló sus estudios en Dirección de Cine en la Universidad de Nueva York (NYU) y en UCLA. A lo largo de los últimos años, ha escrito y realizado diversos proyectos cinematográficos que narran siempre historias ávidas de significado emocional, surcadas de poderosas imágenes con una evocadora sensibilidad hipnótica, entre lo real y lo soñado.

Los orígenes de la película se remontan a su período de formación en Nueva York, donde inició la escritura de dicho guión asesorada por profesores como Spike Lee, Bill Reilly, Ezra Sachs, Paul Thompson, Nick Tannis, Milcho Manchevsky, Anthony Minghella, o Susan Sandler. El guión se terminó en Los Ángeles, donde contó con las sugerencias de Steven Soderbergh, Robert McKee, Syd Field o Richard Walter. Los consejos y ayuda cercana de todos ellos han sido esenciales para la escritura y el desarrollo de la película.

Antes de escribir este guión, escribió y dirigió varios cortometrajes. Entre ellos, en El hueco de Tristán Boj (2008), protagonizado por Álex Angulo, creó un universo poético donde títeres y personajes reales vivían una historia de fuerte impacto visual y emocional. En Fotos de familia (2005), Carlos Álvarez-Nóvoa interpretaba a un anciano fotógrafo que busca refugio a su soledad en cada fotografía que toma en las calles de Zaragoza. Mientras que El rostro de Ido (2003) es un relato sobre la vanidad, la belleza y el paso del tiempo en un mundo imaginario ambientado en el universo de los cuentos.

Licenciada en Filología Hispánica, inició su formación en el campo del guión a través del Máster de Escritura para Cine y Televisión de la Universidad Autónoma de Barcelona (2003), dirigido por Lorenzo Vilches. Realizó el Taller de Guión para Cine Pilots Workshops en 2003, organizado por el Media Program de la UE, con Christopher Vogler y Linda Seger, entre otros. Formó parte, además, del Taller Bigas Luna en el 2002-2003. Y en el campo televisivo, trabajó como guionista en 2003 y 2004 de la serie de televisión educativa Hoobs Enciclopedia, una producción de Mizar Multimedia con Jim Henson’s Company para De A Planeta.

Paula ha combinado sus estudios y su trabajo audiovisual con una sólida carrera académica. Ha sido durante varios años Investigadora y Profesora de la Universidad de Zaragoza, gracias a la obtención de la prestigiosa Beca FPU del Ministerio de Educación. Ha publicado dos libros y numerosos artículos de investigación relacionados con el mundo de la narrativa y el guión de cine en revistas especializadas. Actualmente, es profesora en la Universidad San Jorge de Zaragoza.

El otro lado del espejo en la guerra secreta de Nicaragua, 2009, 100 min. (España)
Barton Films
[rating=0]

Dirección: Ángel Amigo
Guion: Ángel Amigo, Manuel Pérez Paredes
Fotografía: Frank Pineda
Música: Álvaro Fernández Gaviria
Montaje: Alfonso Andrés
Producción: Mateo Valencia

A partir del relato de la guerra de Nicaragua de los años 80, el último director de análisis del KGB, Nikolái Leonov, el general de inteligencia cubano, Fabián Escalante, y el jefe de inteligencia sandinista, Lenín Cerna, explican el papel de jugaron en las operaciones y actividades secretas y los efectos de la crisis de la URSS en el conflicto, junto a otros testimonios como el de Edén Pastora, Boris Kolomiakov, Juan José Úbeda y Vicente Chávez.

Dirige Ángel Amigo (Rentería, 1952), quien inicia sus actividades cinematográficas como productor y co–guionista de La fuga de Segovia, de Imanol Uribe (1981). Desde 1981 ha trabajado como guionista, productor ejecutivo y director. Con un centenar de producciones en su currículum, ha rodado largometrajes de ficción, documentales y series, tanto para salas como para televisión.

El germen del documental estuvo en la preparación de la última película de ficción de Ángel Amigo, que tras un año de retraso finalmente se estrenará en mayo. Para documentar el guión de Dragoi ehiztaria’/’El cazador de dragones, investigó en la colaboración de los servicios de Inteligencia de Cuba con la revolución sandinista en Nicaragua. Conoció a Fabián Escalante y descubrió que «tenía acceso a un mundo siempre inaccesible, el de los servicios secretos«.

El paso del tiempo y el hecho de que los protagonistas ya estuviesen retirados contribuía a que se abriesen ventanas donde siempre hubo muros. «Son gente entrenada en la discreción, pero que treinta años después muestran sus emociones, la pasión con la que vivieron su trabajo«.

Dictado, 2012, 95 min. (España)
Filmax
[rating=0]

Dirección: Antonio Chavarrías
Intérpretes: Juan Diego Botto, Bárbara Lennie, Nora Navas, Mágica Pérez, Marc Rodríguez, Ágata Roca, Cristina Azofra
Guion: Antonio Chavarrías
Fotografía: Guillermo Granillo
Música: Zacarías M. de la Riva, Joan Valent
Montaje: Martí Roca
Producción: Antonio Chavarrías

Daniel acepta acoger en su casa a Julia, la hija de un amigo de la infancia que acaba de suicidarse. Mientras Laura, su mujer, va consiguiendo que Julia recobre las ganas de vivir, Daniel empieza a sentir como amenazas algunas de las acciones de la niña, que despiertan dentro de él miedos y sentimientos de un pasado que había decidido enterrar.

Presentada en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín 2012, la película es un thriller psicológico dirigido por Antonio Chavarrías (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona), guionista y director de películas como Las vidas de Celia (2006), Volverás (2002), Susanna (1995) y Manila (1991). En 1990 fundó Oberon Cinematogràfica, desde donde ha producido numerosos largometrajes, tanto propios como de otros directores.

Con esta película, el diriector declara que «quise construir una historia que creciese como una amenaza. Una amenaza inconcreta que poco a poco fuese adueñándose de todos los personajes hasta hacerlos víctimas de un peligro incierto pero cada vez más real e inmediato. También quería saber si podía contar una historia dominada por el mal pero sin personajes malvados. Quería saber hasta qué punto el mal puede nacer de la inocencia y puede crecer en un entorno luminoso, racional, cotidiano y con personajes que sólo buscan la felicidad. Y sí, es posible. Sólo hace falta darle un motivo para después sembrar la semilla de la desconfianza y alimentarla con la culpa y el miedo«.

Intouchables, 2011, 115 min. (Francia)
A Contracorriente Films
[rating=0]

Dirección: Eric Toledano, Olivier Nakache
Intérpretes: François Cluzet, Omar Sy, Audrey Fleurot, Anne Le Ny, Clotilde Mollet, Alba Gaïa Bellugi, Cyril Mendy, Christian Ameri
Guión: Eric Toledano, Olivier Nakache
Fotografía: Mathieu Vadepied
Música: Ludovico Einaudi
Montaje: Dorian Rigal-Ansous
Producción: Nicolas Duval-Adassovsky, Laurent Zeitoun, Yann Zenou

Tras un accidente de parapente, Philippe, un rico aristócrata, contrata a Driss como asistente y cuidador, un joven procedente de un barrio de viviendas públicas que ha salido recientemente de prisión… En otras palabras, la persona menos indicada para el trabajo. Juntos, van a mezclar a Vivaldi y ‘Earth, Wind & Fire,’ la dicción elegante y la jerga callejera, los trajes y los pantalones de chándal… Dos mundos van a chocar y van a tener que entenderse mutuamente para dar lugar a una amistad tan demencial, cómica y sólida como inesperada, una relación singular que genera energía y los hace… ¡intocables!.

La película, que clausuró el Festival de Cine de San Sebastián 2012, ha sido uno de los grandes éxitos de la historia del cine francés con cifras de taquilla que alcanzan los 19,2 millones de espectadores y más de 120 millones de euros.

Avalada por los productores de Los Seductores, la película está dirigida por una pareja de directores franceses Olivier Nakache y Eric Toledano, y está protagonizada por François Cluzet (Pequeñas Mentiras sin Importancia) y Omar Sy (Micmacs). La idea para llevar adelante la cinta se retrotrae a 2003 y según Nakache «en cierta velada, estuvimos viendo un documental que nos marcó: A la vie, a la mort. Trataba sobre un muy improbable encuentro entre Philippe Pozzo di Borgo, que se había quedado tetraplégico tras un accidente practicando parapente, y Abdel, un joven procedente de las viviendas sociales contratado para cuidarle. En aquella época, acabábamos de rodar Je préfère qu’on reste amis (2005). Probablemente, no éramos aún lo suficientemente maduros en aquel momento para abordar aquel tema, pero el documental se quedó en nosotros. Y a menudo lo veíamos de nuevo… y, tras Tellement proches (2009), sentimos que quizá ya era el momento de trabajar la historia«.

Eric Toledano y Olivier Nakache se conocieron a principios de los años noventa. En 1995, dirigieron juntos su primer corto, Le jour et la nuit, con Zinedine Soualem y Julie Mauduech. Sin embargo, fue su segundo corto, Les petits souliers, el que logró atraer la atención sobre el tándem. Inspirado en su mutua experiencia (las rondas de Santa Claus que habían afrontado en Navidades para hacer algo de dinero), e interpretado por un reparto excelso de actores más o menos desconocidos aún en aquella época (Gad Elmaleh, Atmen Kélif, Jamel Debbouze y Roschdy Zem), la película fue elegida para el Festival de Cortometrajes de Clermont-Ferrand, y para el Festival de Cine de París, donde se hizo con el Premio del público de 1999, así como para varios otros Festivales de Francia y del extranjero, en los que también se granjeó una docena de galardones.

Al haber frecuentado los campos de verano como líderes de actividades, los dos compañeros siguieron juntos su trabajo recurriendo una vez más a su pasado como fuente de inspiración. Así, en 2001, se estrenó el corto Ces jours heureux (con Lorant Deutsch, Omar Sy, Fred Testot, Lionel Abelanski y Barbara Schulz), que llevaba las semillas de lo que se convertiría en Aquellos días felices (Nos jours heureux, 2006), el que sería su segundo largometraje. La película, otro gran éxito, se hizo acreedora de muchos premios (El premio del jurado y el del público en el Festival de Comedia de Meudon, en su edición de 2001; el premio del público en Poitiers y Sarlat, aquel mismo año).

En 2003, Eric Toledano y Olivier Nakache abordaron su primer largo juntos, Je préfère qu’on reste amis. Este proyecto quedó marcado por el encuentro con Gérard Depardieu, y el comienzo de la colaboración de los cineastas con Jean-Paul Rouve. Éste último se reunió con ambos directores para Aquellos días felices, que cuando se estrenó, en 2006, obtuvo gran éxito de crítica y público. Entonces, el tándem realizó Tellement proches, que trata el tema de la familia en estos tiempos que corren. Protagonizaban la cinta Vincent Elbaz, Isabelle Carré, Omar Sy, François-Xavier Demaison y Joséphine de Meaux.

This means war, 2012, 97 min. (USA)
Hispano Foxfilm
[rating=0]

Dirección: McG
Intérpretes: Reese Witherspoon, Chris Pine, Tom Hardy, Til Schweiger, Angela Bassett, Chelsea Handler, Abigail Spencer
Guion: Timothy Dowling, Simon Kinberg
Fotografía: Russell Carpenter
Música: Christophe Beck
Montaje: Nicolas De Toth
Producción: Simon Kinberg, James Lassiter, Robert Simonds, Will Smith

Chris Pine y Tom Hardy encarnan a dos agentes de la CIA que son los más mortíferos del mundo, además de inseparables camaradas y amigos íntimos… hasta que ambos se enamoran de la misma mujer. Quienes en el pasado contribuyeron a aplastar a naciones enemigas enteras, recurren ahora a sus incomparables habilidades y a una colección inacabable de artilugios de alta tecnología para plantar cara al peor enemigo al que cada uno de ellos se haya enfrentado jamás: su respectivo ex amigo del alma.

Dirige McG (Joseph McGinty Nichol) (Kalamazoo, Michigan, 1970), quien comenzó su carrera dirigiendo campañas de publicidad para compañías como Gap y Coca Cola, y ha dirigido más de 50 vídeos musicales para artistas como Sublime y Wyclef Jean. Su filmografía se completa con Los ángeles de Charlie (2000), Los ángeles de Charlie, al límite (2003), Equipo Marshall (2006) y Terminator Salvation (2009). McG es el fundador de Wonderland Sound & Vision, una productora de cine y televisión con un acuerdo con Warner Bros. Bajo su liderazgo, Wonderland Sound & Vision ha crecido y se ha convertido en una entidad multifacética que ha marcado una diferencia por la manera en que produce y entrega su contenido.

Después de finalizada la fotografía principal, McG y sus equipos se entregaron al trabajo de montar, incorporar la música, mezclar y dar los últimos toques a los efectos visuales. Más adelante, durante este periodo de posproducción, proyectarían la película a grupos de espectadores seleccionados para evaluar sus reacciones y afinar la película. Las proyecciones lograron calificaciones sobresalientes que revelaron que la cinta gusta a hombres, mujeres, solteros y parejas. Esto, y una positiva recomendación verbal posterior, llevaron al estudio a elegir una fecha de estreno inesperada: El Día de los Enamorados, que cae en el 14 de febrero, martes. (La mayoría de las películas se estrenan en viernes, a tiempo para el fin de semana). Pero a McG, el estreno en ese festivo le pareció perfecto. «Después de todo«, señala, «¡todo el mundo necesita un poco de acción en el Día de los Enamorados!«.

John Carter, 2012, 132 min. (USA)
The Walt Disney Company
[rating=0]

Dirección: Andrew Stanton
Intérpretes: Taylor Kitsch, Willem Dafoe, Lynn Collins, Samantha Morton, Mark Strong, Ciarán Hinds, Dominic West, James Purefoy, Daryl Sabara, Polly Walker, Bryan Cranston, Thomas Haden Church
Guion: Andrew Stanton, Mark Andrews, Michael Chabon
Fotografía: Dan Mindel
Música: Michael Giacchino
Montaje: Eric Zumbrunnen
Producción: Jim Morrison, Colin Wilson, Lindsey Collins

La película narra la historia de John Carter, un veterano de guerra y antiguo capitán del ejército, que viaja inexplicablemente a Marte donde se ve envuelto en un conflicto de proporciones épicas entre los habitantes del planeta. Entre ellos se encuentran Tars Tarkas y la cautivadora Princesa Dejah Thoris. En un mundo al borde del colapso, Carter redescubre su humanidad al comprender que la supervivencia de Barsoom y su pueblo está en sus manos.

En 2012 se celebra el centenario de la creación de John Carter, el personaje de Edgar Rice Burroughs. Se trata del héroe espacial que aparecía en la serie y que ha hecho las delicias de varias generaciones con sus fascinantes aventuras en Marte. En concreto, esta película se basa en Una Princesa de Marte, la primera novela de Burroughs, nacido en Chicago y conocido por escribir y crear Tarzán que sigue siendo uno de los personajes de ficción más populares de todos los tiempos.

Con el paso del tiempo, Carter se ha convertido en un paradigma del héroe en todos los ámbitos de la cultura popular, desde los libros cómics, la ilustración y la animación, la televisión y ahora el cine. Está claro que este personaje ha servido de inspiración a las mentes más creativas del siglo pasado.

El director y guionista Andrew Stanton, explica que ha querido llevar la nobvela a la gran pantalla en su primera incursión en el género de acción real porque «leí estos libros en la edad perfecta. Tenía unos diez años y me entusiasmó la idea de un ser humano que viaja a Marte y encuentra unas criaturas asombrosas que viven en un mundo totalmente nuevo y extraño para él. Es decir, un extraño en tierra extraña. Era una visión muy romántica del género de ciencia ficción y aventuras. Siempre pensé que sería genial llevarlo al cine«. Stanton añade: «John Carter es una auténtica epopeya con acción, romance e intrigas políticas. La historia se escribió hace muchos años así que fue pionera en ese tipo de relatos. Un cómic antes de que existieran los cómics, una historia de aventuras antes de convertirse en un género propio«.

Andrew Stanton (Rockport, Boston, Massachusetts, 1965) dirigió y coescribió el guión de WALL•E de Disney•Pixar, que fue galardonada con los Premios de la Academia y un Globo de Oro a la Mejor Película Animada de 2008. Stanton ha sido una de las grandes fuerzas creadoras de Pixar Animation Studios desde 1990, cuando se convirtió en el segundo animador (y noveno empleado) en incorporarse al grupo de pioneros de la animación por ordenador del Estudio. Como Vicepresidente y creativo, actualmente dirige y supervisa todos los largometrajes y cortometrajes que se realizan en los Estudios. Stanton debutó como director con un largometraje que batió récords, Buscando a Nemo (2003), galardonada con un Oscar en la categoría de Mejor Largometraje de Animación en 2003, siendo este el primer Premio de la Academia que Pixar Animation Studios recibía por un largometraje. Fue coguionista de Toy Story (Juguetes), Bichos, una aventura en miniatura y Monstruos S.A., así como de Toy story 2, los juguetes vuelven a la carga. Además, fue codirector en Bichos, una aventura en miniatura. Se licenció en animación de personajes en el California Institute of the Arts (CalArts), donde realizó dos películas como estudiante. Comenzó su carrera profesional en los años ochenta en Los Ángeles, como animador en el estudio Kroyer Films de Bill Kroyer y como guionista en Mighty Mouse, The New Adventures (1987), de Ralph Bakshi.

Cuchillo de palo, 2010, 91 min. (España)
–
[rating=0]

Dirección: Renate Costa
Intérpretes: Miguel Auad Petunia, Renate Costa, Manuel Cuenca
Guión: Renate Costa
Fotografía: Carlos Vásquez
Montaje: Núria Esquerra
Producción: Susana Benito

La realizadora paraguaya Renate Costa hace en Cuchillo de palo varios retratos: el de su tío Rodolfo; el de su familia (en especial el de su padre); el de la represión del régimen de Alfredo Stroessner hacia los homosexuales; y el del miedo y los prejuicios todavía arraigados en la sociedad paraguaya. Si bien la cineasta aparece y guía las entrevistas, la primera persona es un rasgo de enunciación tenue, enmarcado por el pudor, el respeto y la justa distancia ante la historia de su propia familia. El tío Rodolfo fue alguien que vivió perseguido, encarcelado y reprimido, y fue uno de los gays incluidos en «los 108», una lista que convirtió hasta al propio número en estigma. Rodolfo, según se cuenta en la película, murió de tristeza. Con singular sensibilidad, concisión y rigor, Costa hace un film político y personal a flor de piel –las entrevistas con su padre Pedro y el relato de un velorio tienen especial impacto– que emociona con las mejores armas.

Consiguió la Biznaga de Plata al mejor documental en el Festival de Cine Español de Málaga.

Renate Costa (Asunción, Paraguay, 1981), se graduó en Dirección y Producción Audiovisual en el Instituto Profesional de Artes y Ciencias de la Comunicación del Paraguay. Se especializó en Realización Documental en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Baños, Cuba. Desde 2006 vive en Barcelona donde obtuvo el Máster en Documental de Creación por la Universitat Pompeu Fabra con el desarrollo de Cuchillo de Palo / 108.

The ides of march, 2011, 101 min. (USA)
Wide Pictures
[rating=0]

Dirección: George Clooney
Intérpretes: Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Jeffrey Wright, Evan Rachel Wood, Max Minghella
Guion: George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
Fotografía: Phedon Papamichael
Música: Alexandre Desplat
Montaje: Stephen Mirrione
Producción: George Clooney, Grant Heslov, Brian Oliver

Stephen Meyers es un idealista y brillante comunicador. Es el segundo de a bordo de la campaña presidencial del gobernador Mike Morris, en quien confía ciegamente. Durante las primarias de Ohio, Tom Duffy el jefe de campaña del máximo oponente de Morris, ofrece a Meyers un puesto de trabajo. Al mismo tiempo, las negociaciones de Morris para conseguir el apoyo adicional de un senador de Carolina del Sur se estancan. Y la joven becaria Molly Sterns capta la atención de Stephen. Los republicanos guardan varios ases bajo la manga, Meyers puede haberse confiado en exceso y Molly guarda un secreto. ¿Qué es más importante: la carrera, la victoria o la verdad?.

«Consideraría esta película un thriller político. No diría que es necesariamente un film político» –comenta George Clooney, quien dirige, produce, coescribe, y protagoniza la película. Dado que la historia se centra más en el proceso electoral que en las ideas políticas en sí mismas, Clooney dice que atraerá por igual a los seguidores de ambos partidos. «Supongo que si usted es demócrata preferirá el principio de la película, y si, por el contrario, es republicano, se inclinará por el final. La cinta avanza con la tesitura de meterse con todos. Si se trata de un film político, lo es sin insistir en una determinada dirección, y justo eso era lo importante para nosotros«.

Los orígenes de la película se retrotraen al verano de 2004. Fue entonces cuando Beau Willimon, un joven escritor que no hacía mucho había dejado de trabajar con el personal de la esperanzada campaña presidencial de Howard Dean en Iowa, escribió un primer borrador de su pieza teatral Farragut North. Willimon recurrió a su propia experiencia para tramar esta historia de intriga política y traición tras las escenas de una campaña presidencial.

La obra se estrenó en 2008 en el Atlantic Theater Company de Nueva York, para trasladarse en 2009 al Geffen Playhouse de Los Ángeles. Finalmente, cayó en manos de un empleado de Smokehouse Pictures, la productora de George Clooney y Grant Heslov. Amigos de hace mucho, Clooney y Heslov habían colaborado previamente en la nominada a varios Oscars Buenas noches, y Buena suerte (2005); así como en Ella es el partido (2008); Los hombres que miraban fijamente a las cabras (2009); y El americano (2010).

Llevar la pieza teatral a la pantalla cinematográfica implicó hacer diversos cambios, y no es el menor que el gobernador Morris, el candidato, sea uno de los personajes, pues nunca aparece en la obra. «El candidato no existe en la pieza teatral, nunca pronuncia palabra«, –informa Clooney–. «Con miras a establecer una buena historia, ideamos un personaje, un candidato en el que Stephen cree, en el que todo el mundo cree, para poder destrozarlo. Al principio, tiene una apariencia inocente, honorable, hasta que descubres que se trata del más deshonesto de todos«.

Los realizadores también cambiaron el título, lo que Clooney justifica: «Farragut North es un gran título para la pieza, pero para un film se nos antojaba un poco demasiado concreto. Enmarcamos las primarias en el 15 de marzo, y en la cinta pueden percibirse algunos temas shakesperianos«.

Con el guión listo, Clooney y Heslov planificaron el rodaje para 2008. Pero entonces, bastante oportunamente, los políticos entraron en acción. «En 2008, llevábamos trabajando en el guión en torno a un año y medio«, –explica Clooney–. «Y entonces, Obama fue elegido, y había tanta esperanza, todo el mundo estaba tan feliz, que no parecía el momento adecuado para hacer la película, pues la gente se mostraba demasiado optimista ¡para un film tan cínico! Hacia un año más tarde, todos volvían a ser cínicos, y entonces nos pareció que podíamos hacer la película«.

Es el cuarto largometraje que dirige George Clooney (Lexington, Kentucky, 1961), tras Confesiones de una mente peligrosa (2002), Buenas noches, y buena suerte (2005) y Ella es el partido (2008).

Una canción, 2011, 100 min. (España)
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Dirección: Inmaculada Hoces
Intérpretes: Inmaculada Hoces, Miguel Molina, Jorge Cabrera, Malena Polo), Balbino Lacosta
Fotografía: Ángel Luis Fernández
Música: Tony Pereyra
Montaje: José Salcedo, Leonor Fernández
Producción: Inmaculada Hoces

María, una mujer madura, abogado, se queda en paro por su honestidad. Una persona como ella que cree en la Justicia de Dios parece no tener cabida en esta sociedad, pero no desespera y, mientras busca trabajo, escribe lo que importa en un cuadernito.

Conoce a dos hombres, Manuel, un músico que sobrevive como puede, con el que comparte sus escritos, y Santiago, un directivo de una discográfica, muy comprometido con la protección de los autores del desastre de las descargas ilegales en internet. Ambos le influyen, y se ve abocada a asumir nuevos retos donde, una vez más, tendrá que poner a prueba su integridad.

Dirige Inmaculada Hoces (Jerez de la Frontera, 1960), quien ha escrito, dirigido y producido los cortometrajes en 35mm Cualquier día con Manuela y Por un puñado de duros, recibiendo por el primero el premio Jinete Ibérico a la mejor película española en el XVIII Festival Internacional de Huesca, y viajando con ambos a importantes festivales nacionales e internacionales, Cuenta con una larga trayectoria en televisión como realizadora y guionista. Es fundadora de productora Las Cosas Nuevas.

Según la directora «esta historia surge de la necesidad de compartir verdades. La madurez es una etapa idónea ya que se cuenta con el valor de la experiencia y con las capacidades desarrolladas. Pero la sociedad, o quien sea, decide que a esas edades ya no se es productivo. No interesa. Nuestra protagonista lo sabe y nada espera. Su necesidad nunca cambia: trabajar con honradez, compromiso, y rigor. Pero la sociedad o quien sea, no se lo va a poner fácil. A pesar de ello, María vive cada ocasión, por desafortunada que parezca, como una oportunidad. Sabe que lo que realmente importa es gratis, que la vida es un regalo, que no hay que dejar de hacer, de sembrar, de mejorar, de cambiar, sin perder el rumbo. Esta historia habla de creencia, de leyes, de Justicia, de Dios. Habla de poemas, de música, de lo que hay detrás de las canciones, lo que se expone, lo que se arriesga. De Propiedad Intelectual, de inconsciencia, de interés soterrado, de amistad. No se detiene en el pasado ni en el futuro, solo en el presente, a veces doloroso, otras incierto, siempre esperanzador. Porque Una canción es eso: esperanza«.

Para hacer el largo la directora contó «con el apoyo de colaboradores altruistas, amigos sinceros, grandes profesionales, licenciados, gente sin experiencia, y con una capacidad de entrega y de trabajo por mi parte que agradezco profundamente a Dios. Producir, dirigir e interpretar algo que también se ha escrito es muy estimulante y tremendamente complejo. Sin Su inestimable ayuda no podría estar escribiendo estas palabras«, según declara.

El cielo abierto, 2010, 100 min. (México)
El documental del mes
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Dirección: Everardo González
Intérpretes:
Guión: Everardo González
Fotografía: Everardo González
Música: Saúl Ledesma RADAID
Montaje: Juan Manuel Figueroa
Producción: Everardo González, Martha Orozco

Primero fue la palabra, luego la bala asesina y a continuación el silencio. El cielo abierto es la historia de Monseñor Óscar Arnulfo Romero, la voz de los sin voz en El Salvador, el cura revolucionario que fue asesinado el 24 de marzo de 1980. Sus homilías, retransmitidas por radio por todo el país, fueron una llamada constante contra la violencia y la violación de los derechos humanos que tenían lugar en su tierra.

La historia de un crimen largamente anunciado, hecho premonitorio de una guerra civil que duraría más de 10 años y una llamada de atención al resto de mundo hacia las injusticias sufridas por un pueblo amenazado por la pobreza y las desapariciones de familiares.

Everardo González es director, productor y fotógrafo. Licenciado en Comunicación Social por la Universidad Autónoma Metropolitana, González ha dirigido diversos documentales, entre los que destacan La canción del pulque (2003), ópera prima premiada a la Muestra de Cine Mexicano de Guadalajara, Los ladrones viejos (2007) y Cuates de Australia (2011), su obra seleccionada a IDFA el 2011 bajo el título Drought.

Any de Gràcia, 2012, 90 min. (España)
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[rating=0]

Dirección: Ventura Pons
Intérpretes: Rosa Maria Sardà, Oriol Pla, Santi Millán, Amparo Moreno, Diana Gómez, Àlex Maruny, Ricard Farré, Lluis X. Villanueva, Nuria Feliu
Guion: Carme Morell, Jaume Cuspinera, Ventura Pons
Fotografía: Sergi Gallardo
Música: Mazoni, Sanjosex, El Petit de Cal Eril, Éric Vinaixa, Illa Carolina, Gato Pérez
Montaje: Marc Matons
Producción: Ventura Pons

David tiene veinte años y llega a Barcelona buscando una oportunidad. Gràcia tiene setenta y le ofrece una habitación a cambio de compañía y atención. Su convivencia es, desde el principio, explosiva. ¿Se darán cuenta a tiempo de que se necesitan?.

Rosa María Sardà, Santi Millán, Amparo Moreno y el joven Oriol Pla protagonizan la última película del cineasta catalán Ventura Pons, Año de Gracia, quien ha optado por una comedia optimista porque considera que hacer reír es lo mejor ahora, «tal y como están las cosas«. Pons, que también es el productor del largometraje, reconoce que ya tenía ganas de hacer una comedia «aunque no tiene el prestigio social del drama, tal y como están ahora las cosas, está bien hacer algo que invite a reír a la gente«.

Con 23 películas a sus espaldas el director señala que «después de haber paseado en mis anteriores trabajos mi interés narrativo alrededor de temas más trascendentes, más dramáticos, nuevamente he sentido la llamada de la comedia. Será porqué en las vivencias del hijo de mi antiguo compañero de internado encontré una buena historia. Una buena historia, sí, la madre de todas las películas, que me permitía un reparto de aquellos en los que podía creer ciegamente. Y también porque me sentí fascinado por las posibilidades de hacer una simbiosis con el tipo de humor basado en esos seres, tan frágiles en el fondo, en la lucha cotidiana con el trasfondo de un barrio tan singular como es Gracia. Gràcia es el paisaje de mi infancia y adolescencia y, aúnque ya no es lo que era, todavía conserva una personalidad mágica, atractiva, única. Es la suma y el placer de todo ello, añadir al rigor del concepto de la puesta en escena y de la interpretación, la emoción y la ternura de unos seres que, una vez más en mis películas, van a la busca de un poco de realización y de comunicación entre la vorágine de los tiempos que nos ha tocado vivir«.

Chronicle, 2012, 84 min. (Reino Unido, USA)
Hispano Foxfilm
[rating=0]

Dirección: Josh Trank
Intérpretes: Dane DeHaan, Michael B. Jordan, Alex Russell, Michael Kelly, Ashley Hinshaw, Anna Wood
Guion: Max Landis
Fotografía: Matthew Jensen
Montaje: Elliot Greenberg
Producción: John Davis, Adam Schroeder

Es tan real como parece. Andrew, Matt y Steve son unos adolescentes absolutamente reconocibles, cada uno con su propia personalidad, que deben afrontar los típicos retos que se derivan de estudiar en el instituto, establecer nuevas amistades y explorar los nuevos aspectos de unas vidas en constante evolución. Son imperfectos, algo inadaptados y un poco imprudentes. Podrían ser tú mismo. Como tantos de nosotros, están obsesionados con contar su vida, por más que ésta sea trivial o, como en su caso, extraordinaria. Andrew, Matt y Steve se han topado con algo que escapa totalmente a su comprensión, o a la de cualquiera. Ese descubrimiento les lleva a la obtención de unas poderosas capacidades telequinéticas; en la jerga propia de los cómics, tienen superpoderes. Ahora son capaces de, bueno, casi cualquier cosa. Pueden mover objetos simplemente pensando en ello, pueden aplastar coches con la fuerza de su voluntad. Y aprenden a volar…, satisfaciendo su máxima aspiración. Pero entonces las cosas se complican.

Estas son las curiosas cuestiones que plantea la película que, en apariencia, pertenece al relativamente nuevo subgénero denominado «de metraje encontrado» o «POV» (cámara subjetiva), pero completamente transformado. Es inquietante, no obstante, nos resulta muy familiar; es una película repleta de creativo e imaginativo trabajo de cámara y efectos visuales, pero asentada en la realidad.

Dirige Josh Trank, que realiza su debut en la dirección cinematográfica y también fue coautor de la historia junto a Max Landis. Trank, cuyo experimental cortometraje Stabbing at Leia’s 22nd Birthday constituyó un éxito online, alcanzando más de 10 millones de visitas, adopta vehementemente esta nueva estética, pero también incrementa su potencial e impacto. Criado en un ambiente cinematográfico, ya que es hijo de Richard Trank (ganador de un Oscar por su documental The Long Way Home en 1997), es posible que el cine estuviera en el ADN de Josh y desde pequeño mostró su predisposición para hacerse realizador. Después de terminar el instituto, Josh se dio cuenta que nunca encajaría en un trabajo “normal”. Comenzó a trabajar en el montaje y la producción de una película en Nueva York. A pesar de un durísimo horario durante treinta días y de un salario miserable, ese trabajo le haría decidirse a seguir con su carrera en el cine.

Dalla vita in poi, 2010, 85min. (Italia)
Sherlock Films
[rating=0]

Dirección: Gianfrancesco Lazotti
Intérpretes: Cristiana Capotondi, Filippo Nigro, Nicoletta Romanoff, Pino Insegno, Carlo Buccirosso, Giovanni Cinelli
Guión: Gianfrancesco Lazotti
Fotografía: Alessandro Pesci
Música: Pietro Freddi
Montaje: Federico Aguzzi, Andrea Bonanni, Francesca Masini
Producción: Pierpaolo Paoluzi

Rosalba está enamorada de Danilo, un joven que cumple condena en la cárcel. Para ayudarle a sobrellevar la soledad, decide escribirle una dulce y apasionada carta cada día. Al no verse capaz de expresar sus sentimientos con palabras, pide a su mejor amiga, Katia, impedida en silla de ruedas, que la ayude. Poco a poco, de esas líneas en principio surgidas de los pensamientos de Rosalba, nacerán los propios sentimientos de su amiga, que serán correspondidos por Danilo… Ambos empezarán a enamorarse a distancia, y comenzará su lucha por estar juntos más allá de cualquier barrera

Se trata de un atípico y esperanzador drama romántico con toques de comedia, inspirado en hechos reales, escrito y dirigido por Gianfrancesco Lazotti. La nueva película del que fuera ayudante de dirección de Ettore Scola (La sala de baile) o Dino Risi (Teresa), está protagonizada por la bellísima Cristiana Capotondi, Filippo Nigro y Nicoletta Romanoff.

El director señala que «las historias de Katia, Danilo y Rosalba no son simplemente «historias de amor», sino que dotan a la vida de un punto heroico e irónicamente novelesco, una nueva visión de la misma. No necesitas las piernas para alcanzar un destino más que estar libre para sentirte libre. El mejor horizonte se encuentra a veces en los ojos de otra persona«.

In the land of blood and honey, 2011, 00 min. (USA)
Aurum
[rating=0]

Dirección: Angelina Jolie
Intérpretes: Zana Marjanovic, Goran Kostic, Rade Serbedzija, Nikola Djuricko, Branko Djuric, Dolya Gavanski
Guión: Angelina Jolie
Fotografía: Dean Semler
Música: Gabriel Yared
Montaje: Patricia Rommel
Producción: Angelina Jolie, Tim Headington, Graham King, Tim Moore

Con la Guerra de Bosnia, que destrozó la región de los Balcanes en la década de los 90, como telón de fondo, la película cuenta la historia de Danijel y Ajla (pronunciado «Aila»), dos bosnios de bandos distintos de un brutal conflicto étnico. Danijel, agente de policía serbobosnio, y Ajla, artista bosnia musulmana, están juntos antes de que estalle la guerra, pero su relación cambia cuando el país se sume en la violencia. Meses después, Danijel sirve a las órdenes de su padre, el general Nebojsa Vukojevich, como oficial del Ejército serbobosnio. Ajla y él vuelven a verse las caras cuando tropas a las órdenes de Danijel se la llevan del apartamento que comparte con su hermana, Lejla, y el hijo pequeño de esta. Al adueñarse el conflicto de sus vidas, su relación cambia, sus motivos y el vínculo que los une se vuelven ambiguos y sus lealtades se vuelven inciertas. El filme muestra el increíble coste emocional, moral y físico que se cobra la guerra en los individuos, así como las consecuencias derivadas de la falta de voluntad política de intervenir en una sociedad asolada por el conflicto

Se trata del primer largo dirigido por la actriz Angelina Jolie, quien sabía que este proyecto era necesario tratarlo con el debido respeto y delicadeza, por lo que declara que «hablé con gente de los distintos gobiernos, gente de la comunidad internacional, la ONU y periodistas que cubrieron la guerra y les pregunté: «¿Esto es correcto?». Pero las voces más importantes fueron las de la gente del lugar, los actores. Habían vivido personalmente la guerra. Aunque la gente que había cubierto la historia —periodistas internacionales, políticos internacionales— tenían puntos de vista importantes, la gente que estuvo allí, cuyas familias se vieron afectadas, a quienes dispararon, se vieron convertidos en refugiados, esos eran a quienes me ponía más nerviosa enviarles el guión, y cuya opinión más valoraba«.

Una vez asegurados el guión y la financiación, Jolie se dispuso a reunir a los actores más adecuados para cada papel. Siempre había sido primordial abordar el proceso de selección con sensibilidad y delicadeza. «Mientras elegíamos a los actores, hicimos que la directora de ‘casting’ le preguntara a cada uno por lo que había pasado, por sus experiencias«, explica. «Quería elegir a un serbobosnio como actor principal y a una bosnia musulmana o alguien de una familia mixta como actriz principal. También quería gente de Serbia dispuesta a colaborar en el proyecto, no solamente serbobosnios. Me resultaba muy importante que ese país participara artísticamente«. Se pidió a gente de todos los credos y condiciones que se unieran para contar esta historia.

Todos los miembros del reparto se vieron de un modo u otro directamente afectados por lo sucedido en la guerra. Cada uno aportó sus propias historias y experiencias al proyecto y enriquecieron sus personajes y la película con sus propias vivencias.

Faust, 2011, 134min. (Rusia)
Golem
[rating=0]

Dirección: Alexander Sokurov
Intérpretes: Hanna Schygulla, Maxim Mehmet, Georg Friedrich, Antoine Monot Jr., Katrin Filzen, Isolda Dychauk
Guion: Alexander Sokurov, Marina Koreneva
Fotografía: Bruno Delbonnel
Música: Andrey Sigle
Montaje: Jörg Hauschild
Producción: Andrey Sigle

Fausto, de Sokurov, no es una adaptación cinematográfica de la obra de Goethe en el sentido habitual de la palabra, sino una lectura de lo que queda entre líneas. ¿De qué color es un mundo que da a luz ideas tan colosales? ¿A qué huele? El universo de Fausto es sofocante: ideas que harán temblar el mundo nacen en el espacio reducido en el que se mueve. Es un pensador, un portavoz de ideas, un transmisor de palabras, un maquinador, un soñador. Un hombre anónimo empujado por instintos básicos: el hambre, la codicia, la lujuria. Una criatura infeliz y perseguida que plantea un reto al Fausto de Goethe. ¿Por qué contentarse con el momento si se puede ir más allá? Cada vez más allá, siempre hacia delante, sin darse cuenta de que el tiempo se ha detenido.

León de Oro en el Festival de Cine de Venecia 2011, según el director, la película «es la última entrega de mi tetralogía cinematográfica acerca de la naturaleza del poder. Los personajes principales en las tres películas anteriores son figuras históricas reales: Adolf Hitler (Molock, 1999); Vladimir Lenin (Telets, 2000), y el emperador Hirohito (Solntse, 2005). La imagen simbólica de Fausto completa esta serie de grandes jugadores que perdieron la mayor apuesta de su vida. Fausto es un personaje literario, casi museístico, que habita una trama sencilla y que no parece encajar en esta galería de retratos. ¿Qué tiene en común con estos hombres de carne y hueso que alcanzaron el pináculo del poder? Un amor por palabras fáciles de creer y una vida diaria patológicamente desdichada. El mal es reproducible, y Goethe supo formular su esencia: Las personas infelices son peligrosas«.

Sokurov nació en Rusia en 1951. Después de acabar el instituto en 1968, ingresó en la facultad de Historia de la Universidad Gorki. Mientras seguía estudiando, empezó a trabajar para la Televisión Gorki y produjo su primer programa televisivo a los 19 años. Entre 1975 y 1979 estudió Realización en el Instituto Sindical de Cinematografía, el VGIK, de Moscú. Su primer largometraje, Odinokiy golos cheloveka (La solitaria voz de un hombre), gustó mucho a Andrei Tarkovsky y fue galardonado con el Leopardo de Bronce en el Festival de Locarno de 1987. Anteriormente había realizado un gran número de documentales para el Estudio Leningrado de Documentales.

A menudo también es el guionista y director de fotografía de sus proyectos. Ha sido premiado en numerosas ocasiones en Rusia y en otros países. Destacaremos, entre otros, el Premio FIPRESCI, el Premio Tarkovsky, el Premio del Estado de Rusia, en dos ocasiones (1997 y 2001), el Premio Libertad, creado por Andrzej Wajda, y el Premio Tercer Milenio concedido por el Vaticano (1998). La Academia de Cine Europeo le incluyó en la lista de los Cien Mejores Directores del Cine Mundial.

Hora menos, 2011, 95 min. (Venezuela, España, Brasil)
–
[rating=0]

Dirección: Frank Spano
Intérpretes: Rosana Pastor, Erika Santiago, Luis Fernández, Julie Restifo
Guión: Frank Spano
Fotografía: Gabriel Guerra
Música: Aquiles Báez
Montaje: Carolina Aular
Producción: Gustavo Benítez

En 1999, unas lluvias torrenciales provocaron la mayor catástrofe de la historia de Venezuela: Un alud de lodo sepultó a 15.000 habitantes de la ciudad de la Guaira. Dos mujeres. Dos generaciones. Dos damnificadas se encuentran durante la tragedia que ha sido capaz de quitarles su pasado en cuestión de horas. Isabel y Yudeixi son dos mujeres opuestas a las que la violencia del destino une y convierte en emigrantes de la noche a la mañana. Isabel, enfermera, 49 años, española radicada en Venezuela desde niña y Yudeixi del Carmen, 16 años, joven marginal acostumbrada a ganarse la vida delinquiendo viajan juntas a Canarias como refugiadas. Pero para que Yudeixi pueda quedarse en Europa, Isabel se convierte en su representante legal, de forma que se ven obligadas a comenzar de cero… juntas. Es posible que tu navegador no permita visualizar esta imagen. El encuentro con Alfredo abrirá un triangulo donde las emociones, errores y excesos van forjando una intensa complicidad.

Partiendo de la «tragedia de Vargas», (una catastrófica inundación que arrasó Venezuela hace algunos años), Frank Spano, debuta en la dirección con esta película, una conmovedora tragicomedia que narra el viaje de dos mujeres que se ven obligadas a reconstruir sus vidas desde cero, creando una peculiar familia de la nada. «He querido hacer una película emotiva y ágil, donde una sosegada cámara al hombro evolucione junto a los personajes, de la lluviosa catástrofe a la luz cálida de la toma de conciencia«, explica el director.

La música también jueva un papel fundamental en la película estimulando al espectador a viajar con cada uno de los personajes de la historia. Compuesta por Aquiles Báez, todo un ícono musical con más de treinta años de trayectoria en América Latina (Calle 54) la banda sonora cuenta también un tema de Roberto Blades como canción original de la película.

Es una coproducción venezolana española que terminó el rodaje de 5 semanas (marzo-abril 2010) y dos semanas en Las Palmas de Gran Canaria (mayo 2010).

Haywire, 2011, 93 min. (USA, Irlanda)
Aurum
[rating=0]

Dirección: Steven Soderbergh
Intérpretes: Gina Carano, Michael Fassbender, Ewan McGregor, Michael Douglas, Bill Paxton, Channing Tatum, Antonio Banderas, Michael Angarano, Mathieu Kassovitz
Guion: Lem Dobbs
Fotografía: Steven Soderbergh
Música: David Holmes
Montaje: Steven Soderbergh
Producción: Gregory Jacobs, Ryan Kavanaugh

Mallory Kane es una joven, dura y hermosa agente encubierta. Su jefe, Kenneth, se encarga de ofrecer sus servicios a distintas entidades globales para llevar a cabo trabajos que los gobiernos no pueden autorizar y de los que los jefes de estado preferirían no saber nada.A pesar de su aspecto y juventud, Mallory es la mejor en su campoy sus habilidades están muysolicitadas.

Tras una misión para rescatar a un rehén en Barcelona, Kenneth despacha rápidamente a Mallory a otra misión en Dublín. Allí, se unirá a otro agente, el refinado y elegante Paul.Cuando la operación se va al traste y Mallory descubre que la han traicionado, tendrá que valerse de todas sus habilidades, trucos y aptitudes para escapar de una persecución internacional, regresar a los Estados Unidos, proteger a su familia y vengarse de todos los que lahan traicionado.

Steven Soderbergh dirige esta película protagonizada por la estrella de las artes marciales mixtas Gina Carano como Mallory Kane, y Antonio Banderas. El rodaje comenzó el 2 de febrero de 2010 en Dublín, Irlanda, continuó en Barcelona y, finalmente, fue a parar a Nuevo México, para las escenas rodadas en Santa Fe, Las Vegas, y Los Álamos.

Red lights, 2012, 119 min. (España, USA)
Warner Bros
[rating=0]

Dirección: Rodrigo Cortés
Intérpretes: Cillian Murphy, Sigourney Weaver, Robert De Niro, Elizabeth Olsen, Leonardo Sbaraglia, Toby Jones, Joely Richardson
Guión: Rodrigo Cortés
Fotografía: Xavi Giménez
Música: Víctor Reyes
Producción: Rodrigo Cortés, Adrián Guerra

Dos investigadores de fraudes paranormales, la veterana doctora Margaret Matheson y su joven ayudante Tom Buckley, estudian los más diversos fenómenos metapsíquicos con la intención de demostrar su origen fraudulento. Simon Silver, legendario psíquico, tal vez el dotado más célebre de todos los tiempos, reaparece después de treinta años de enigmática ausencia para convertirse en el mayor desafío mundial para la Ciencia ortodoxa y los escépticos profesionales. Tom comienza a desarrollar una densa obsesión por Silver, cuyo magnetismo se refuerza de forma peligrosa con cada nueva manifestación de oscuros fenómenos inexplicables.

Tercer largometraje de Rodrigo Cortés tras las multipremiadas Concursante (2007) y Buried (Enterrado) (2010). Un thriller psicológico que explora los mecanismos de percepción del cerebro humano y las fronteras difusas entre creencia y ciencia, a partir de las vivencias de dos científicos racionalistas que diseccionan el mundo de los fenómenos metapsíquicos, y del choque de fuerzas que llevarán a cabo con un psíquico de fama mundial.

La anterior película de Cortés, Buried, se realizó con un presupuesto muy reducido; el coste de Luces rojas multiplica diez veces esa cantidad. La soledad de Reynolds a lo largo de sólo 17 días de rodaje contrasta con los exhaustivos castings realizados para esta pelícla en Los Ángeles, Nueva York, Londres o Toronto, que se traducen en más de 60 actores, 4.000 extras y un elenco principal de primeras estrellas.

Se rodó a lo largo de diez semanas y media de rodaje en diversas localizaciones de Barcelona y Toronto. Sin embargo, el ritmo frenético de trabajo, la cantidad de planos obtenida por Cortés en cada jornada para conseguir el meticuloso ritmo de montaje a que acostumbra, y el radical control creativo sobre cada aspecto de la producción, mantenido al 100% desde España, emparientan ambas experiencias mucho más de lo que parece a simple vista.

Big miracle, 2012, 00 min. (USA)
Universal Pictures
[rating=0]

Dirección: Ken Kwapis
Intérpretes: Drew Barrymore, John Krasinski, Ted Danson, Kristen Bell, Dermot Mulroney, Vinessa Shaw, Tim Blake Nelson, Stephen Root
Guion: Jack Amiel, Michael Begler; basado
Fotografía: John Bailey
Música: Cliff Eidelman
Montaje: Cara Silverman
Producción: Tim Bevan, Liza Chasin, Eric Fellner, Michael Sugar

Inspirada en la historia real que conmovió al mundo, la cinta relata la asombrosa y emotiva historia de una voluntaria amante de los animales y del reportero de una pequeña ciudad, a los que se une un joven nativo de Alaska, que consiguen mover a toda una comunidad, e incluso a superpotencias rivales, para salvar a una familia de tres majestuosas ballenas grises atrapadas en el hielo del Círculo Polar Ártico. Adam Carlson ejerce el periodismo en Barrow y se muere de ganas de escapar de la punta septentrional de Alaska y trasladarse a mejores horizontes. Tiene la historia de su vida al alcance de la mano, pero el mundo quiere hacerla suya. Un rey del petróleo, varios mandatarios y una horda de periodistas hambrientos caen como buitres en el helado pueblo, pero a Adam solo le preocupa Rachel Kramer, una acérrima ecologista que fue su novia.

El tiempo se acaba; Rachel, Adam y Nathan, un niño nativo de once años que aprende a conectar con su pueblo y su cultura, deberán reunir a una inesperada coalición formada por los habitantes del pueblo, personal de las empresas petroleras y militares estadounidenses y rusos que dejarán de lado sus desacuerdos para luchar por algo en lo que todos creen: liberar cuanto antes a las ballenas. Los habitantes de Alaska empiezan a cavar agujeros en el hielo durante millas para que las ballenas respiren, mientras un barco rompehielos soviético abre un canal por el otro lado para llegar a los mamíferos. Si consiguen lo imposible, las ballenas podrán alcanzar el mar abierto y realizar su migración anual de ocho mil kilómetros.

En 1988 no existían los teléfonos inteligentes, las redes sociales ni la comunicación instantánea y las noticias no iban a la misma velocidad que hoy. Sin embargo, los canales de televisión por cable y vía satélite eran cada vez más populares, y el mundo descubrió que no dependía únicamente del periódico de la mañana o de las noticias de las grandes cadenas para mantenerse informado. Ya empezaba a ser posible seguir una noticia durante 24 horas. Para las tres ballenas grises que se quedaron atrapadas en la costa de Barrow, Alaska, durante su migración anual en octubre, eso significó mucho.

Dirige Ken Kwapis (Belleville, Illinois, 1957), procedente de la televisión, donde rodó numerosas series, cuya filmografía se completa con The Beniker gang (1985), Sesame Street Presents: Follow That Bird (1985), El misterio de la pirámide de oro (1988), Él dijo, ella dijo (1991), Mi colega Dunston (1996), La novia del presidente (1997), Sexual life (2005), Uno para todas (2005), Hasta que el cura nos separe (2007) y Qué les pasa a los hombres (2009). Kwapis estudió cinematografía en la Universidad Northwestern y en la Universidad de California del Sur (USC). Obtuvo el Premio de la Academia para Estudiantes en Trabajo Dramático, por la película que presentó en su tesis de grado en la USC: For Heaven’s Sake, una adaptación de la ópera cómica de un solo acto de Mozart: Der Schauspieldirektor (El Empresario).

Et maintenant, on va où? , 2011, 110 min. (Francia, Líbano, Italia, Egipto)
Alta Classics
[rating=0]

Dirección: Nadine Labaki
Intérpretes: Claude Bazz Mossawbaa, Layla Hakim, Nadine Labaki, Yvonne Maalouf, Antoinette Noufaily, Julien Farhat, Ali Haidar, Kevin Abboud
Guion: Nadine Labaki, Jihad Hojeily
Fotografía: Christophe Offenstein
Música: Khaled Mouzanar
Montaje: Véronique Lange
Producción: Anne-Dominique Toussaint

En el camino que lleva al cementerio del pueblo, una procesión de mujeres de negro afronta estoicamente el calor del sol estrechando contra ellas las fotos de sus maridos, de sus padres o de sus hijos. Algunas llevan velo, otras una cruz, pero todas comparten el mismo duelo, consecuencia de una guerra funesta e inútil. Al llegar a la entrada del cementerio, el cortejo se divide en dos: uno musulmán, el otro cristiano.

Con el telón de fondo de un país desgarrado por la guerra, la cinta narra la determinación sin fisuras de un grupo de mujeres de todas las religiones para proteger a su familia y a su pueblo de las amenazas exteriores. Demostrando un gran ingenio, inventando estratagemas, unidas por una amistad inquebrantable, esas mujeres sólo tienen un objetivo: distraer la atención de los hombres y hacer que se olviden de su cólera y de su indiferencia. Pero cuando los acontecimientos toman una orientación trágica, ¿hasta dónde estarán dispuestas a llegar para no perder a los que todavía quedan?.

Es el segundo largometraje dirigido por Nadine Labaki (Líbano, 1974) tras Caramel. Labaki terminó el bachillerato en Beirut en 1993. Obtuvo su título en estudios audiovisuales en la Universidad de San José de Beirut (IESAV) y en 1997 rodó su proyecto de fin de carrera, 11 Rue Pasteur, que obtuvo el Premio al Mejor Cortometraje en la Bienal de Cine Árabe del IMA en París en 1998. A continuación, rodó anuncios publicitarios y numerosos clips musicales para famosas cantantes de Próximo Oriente, por los cuales obtuvo diversos premios en 2002 y 2003. En el año 2004 participó en el programa Residencia del Festival de Cannes para escribir el guión de Caramel, su primer largometraje. Lo rodó en 2006 y lo presentó en la Quincena de Realizadores de Cannes: tuvo un gran éxito en Francia y difusión mundial.

La cineasta declara que «para esta película no me he inspirado en ninguna historia real, su origen es muy personal. El día 7 de mayo de 2008 supe que estaba esperando un hijo. Ese mismo día, Beirut, una vez más, retomaba el rostro de la guerra: carreteras bloqueadas, aeropuerto cerrado, incendios… Había violencia por todas partes. En esos momentos yo estaba trabajando con Jihad Hojeily, mi coguionista y amigo, y estábamos reflexionando acerca de mi siguiente película. En la ciudad, mientras, había una auténtica guerra callejera: gente que desde hacía años vivía en el mismo inmueble, que había crecido junta, que iba al mismo colegio, se enfrentaba de la mañana a la noche porque no pertenecía a la misma comunidad. Y entonces me dije: Si yo tuviera un hijo, ¿qué haría yo para impedirle que empuñara un fusil y bajara a la calle? ¿Hasta dónde llegaría para que mi hijo no viera lo que pasa fuera y pensara que debe defender su inmueble, su familia o sus ideas? La película surgió de ahí».

Al igual que en Caramel, Khaled Mouzanar ha compuesto la música. Khaled es el marido de la directora y el padre de su hijo. Labaki afirma que «me gusta mucho su sensibilidad y siempre me sorprende su capacidad para visualizar las imágenes de la película y traducirlas al lenguaje musical desde la lectura del guión y a veces incluso antes de que las ideas o las escenas se hayan escrito«.

The invention of Hugo Cabret, 2011, 00 min. (USA)
Paramount Pictures
[rating=0]

Dirección: Martin Scorsese
Intérpretes: Asa Butterfield, Chloë Grace Moretz, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Jude Law, Christopher Lee, Richard Griffiths, Ray Winstone, Emily Mortimer
Guion: John Logan
Fotografía: Robert Richardson
Música: Howard Shore
Montaje: Thelma Schoonmaker
Producción: Johnny Depp, Tim Headington, Graham King, Martin Scorsese

Es la aventura de un chico resuelto e ingenioso cuyos esfuerzos por desvelar un secreto que le ha dejado su padre trasformarán a Hugo y a todos los que le rodean, y le descubrirán un lugar tranquilo y lleno de cariño al que podrá considerar su casa.

Martin Scorsese rueda su primera película en 3D, basada en la célebre novela de Brian Selznick titulada La invención de Hugo Cabret. Encontrar al chico que iba a interpretar a Hugo fue probablemente lo más difícil de conseguir. Muchos jóvenes actores fueron llevados ante Ellen Lewis, directora de casting. Bastante al principio, Asa Butterfield hizo una prueba para el papel. Scorsese recuerda: «Leyó dos escenas, y me convenció inmediatamente. Antes de tomar la decisión definitiva, vi una película, «El chico del pijama de rayas». Vera (Farmiga) salía con él en la película, y yo había trabajado con ella en «Infiltrados». Me habló de él, y me dijo que era muy, muy bueno«.

Ben Kingsley interpreta a George Méliès y Scorsese recuerda que «tengo unos DVDs de las películas de Méliès, y hay una imagen de Méliès en la portada. Un día en el plató, pasaron por allí dos chicos de la película, de unos 12 años de edad. Uno vio la portada del DVD y dijo: ‘¡Oh, ése es Ben (Kingsley)’, y le contesté: «No, en realidad es Méliès». «¿Quieres decir que existió, que es real?» Y yo dije: «Pues claro»«.

My week with Marilyn, 2011, 99 min. (Reino Unido, USA)
Universal Pictures
[rating=0]

Dirección: Simon Curtis
Intérpretes: Michelle Williams, Kenneth Branagh, Eddie Redmayne, Judi Dench, Emma Watson, Dominic Cooper, Toby Jones, Derek Jacobi, Dougray Scott, Julia Ormond
Fotografía: Ben Smithard
Montaje: Adam Recht
Producción: David Parfitt

A principios del verano de 1956, la estrella del cine norteamericana Marilyn Monroe pisó por primera vez suelo británico. Recién casada con Arthur Miller y coincidiendo con su luna de miel, Marilyn llega a Inglaterra para rodar El príncipe y la corista, el film que le haría compartir escena con el célebre Sir Laurence Olivier, legendario actor británico de teatro y cine, que protagonizaba y dirigía la cinta. Ese mismo verano Colin Clark, un joven de 23 años, pisaba un set de rodaje por primera vez. Recién licenciado en Oxford y aspirante a director, aceptó un trabajo de ayudante de producción en el set de la películas. Cuarenta años después explicó sus experiencias durante los seis meses de rodaje en un libro autobiográfico: El príncipe, la corista y yo. Pero en el libro se omitía lo que había pasado durante una semana.

No fue hasta años después que Clark reveló, en una secuela de su autobiografía llamada Mi semana con Marilyn, lo que de verdad ocurrió en esos siete días que compartió con la mayor estrella de todos los tiempos. La semana que él pasó con Marilyn. En un relato a la vez cómico y conmovedor, el filme ofrece un punto de vista íntimo y poco conocido del icono de Hollywood, trazando la breve y emotiva relación que estableció con un hombre que pareció comprenderla mejor que nadie.

Polisse, 2011, 127 min. (Francia)
Vértigo Films
[rating=0]

Dirección: Maïwenn
Intérpretes: Karin Viard, Joey Starr, Marina Foïs, Nicolas Duvauchelle, Maïwenn, Emmanuelle Bercot, Frédéric Pierrot, Sandrine Kiberlain
Guion: Maïwenn, Emmanuelle Bercot
Música: Stephen Warbeck
Fotografía: Pierre Aïm
Montaje: Laure Gardette
Producción: Alain Attal

La rutina diaria para los policías de la Unidad de Protección de menores del Departamento de Policía: arrestar pederastas, perseguir carteristas menores de edad y discutir problemas de pareja a la hora de comer; interrogar a padres maltratadores, recoger declaraciones de los chicos, hacer frente a los excesos de la sexualidad adolescente, disfrutar la solidaridad con los colegas y reír descontroladamente en los momentos más insospechados. Sabiendo que lo peor existe y viviendo con ello, ¿cómo mantienen el equilibrio entre sus vidas privadas y la realidad que afrontan cada día de trabajo? Fred, el hipersensible chico para todo del grupo, va a pasarlo mal enfrentándose al escrutinio de Melissa, una fotógrafa con el encargo del Ministerio de documentar la Unidad.

Es el tercer largo dirigido por la actriz Maïwen Le Besco, quien además interpreta una fotógrafa. Su anteriores trabajos como directora fueron Le bal des actrices (2009) y Pardonnez-moi (2006). La película obtuvo el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Cannes 2011.

Ghost Rider: Spirit of vengeance, 2012, 00 min. (USA)
Sony Pictures
[rating=0]

Dirección: Mark Neveldine, Brian Taylor
Intérpretes: Nicolas Cage, Idris Elba, Ciarán Hinds, Violante Placido, Johnny Whitworth, Fergus Riordan, Christopher Lambert, Anthony Head
Guion: Scott M. Gimple, Seth Hoffman
Fotografía: Brandon Trost
Música: David Sardy
Montaje: Brian Berdan
Producción: Ashok Amritraj, Avi Arad, Ari Arad, Michael De Luca, Steven Paul

Nicolas Cage retoma el papel de Johnny Blaze y sigue luchando con la maldición de ser el cazarrecompensas del diablo, pero puede que lo arriesgue todo al unir fuerzas con el líder de un grupo de monjes rebeldes para salvar a un niño de las garras del diablo… e intentar librarse de una vez por todas de su propia condena.

Secuela de Ghost Rider: El Motorista Fantasma (2007), basada en un argumento de David S. Goyer; a partir de los personajes y los cómics de Marvel. Dirigida por Mark Steven Johnson la película cumplió en taquilla (costó 110 millones de dólares y recaudó el doble), pero se llevó un clamoroso varapalo crítico que ha obligado a afrontar la continuación de la franquicia en otros términos.

Ahora dirigen Neveldine y Taylor (Mark Neveldine y Brian Taylor), quienes dejaron volar su imaginación gracias a la libertad que recibieron por parte del estudio. En este sentido declaran que «sólo había una cosa que queríamos mantener de la primera película: a Nick Cage. Quisimos cambiar todo lo demás – su imagen, su vestuario, su moto. Queríamos incendiar almas y arrastrarlas al infierno. Y por suerte el estudio dijo: «Genial; eso es precisamente lo que queríamos escuchar». Y así comenzó todo. Lo que buscábamos en realidad era una atmósfera, una emoción, una estética – vamos, todo lo necesario para hacer de él el perfecto macarra«.

John Blaze no es el único papel que tiene Cage en el filme; también interpreta a Ghost Rider por primera vez. En el filme del 2007, Rider lo interpretaron varios especialistas cuyos rostros fueron sustituidos por la famosa calavera ardiente.

Los directores, Neveldine y Taylor, llegaron con fuerza al cine al escribir, dirigir y operar la cámara del instantáneo clásico de culto Crank: veneno en la sangre, protagonizado por Jason Statham.  A continuación escribieron y produjeron el thriller de culto Juegos criminales, protagonizado por Milo Ventimiglia. N/T se reunió nuevamente con Statham para Crank – Alto voltaje, y también escribieron y dirigieron Gamer protagonizada por Gerard Butler.

À bout portant, 2010, 84 min. (Francia)
A Contracoriente Films
[rating=0]

Dirección: Fred Cavayé
Intérpretes: Gilles Lellouche, Roschdy Zem, Gérard Lanvin, Elena Anaya, Mireille Perrier, Claire Pérot, Moussa Maaskri
Guion: Fred Cavayé, Guillaume Lemans
Fotografía: Alain Duplantier
Música: Klaus Badelt
Montaje: Benjamin Weil

Samuel y Nadia son una pareja que vive feliz en París. Él trabaja como enfermero y juntos esperan su primer hijo. Pero todo cambia cuando Nadia es secuestrada bajo la mirada impotente de su marido. Para salvar a su esposa, Samuel deberá ayudar a escapar del hospital a un paciente que se encuentra bajo vigilancia policial. Y a partir de ese momento, empezará su particular cuenta atrás.

Thriller protagonizado por Gilles Lellouche, Roschdy Zem y Elena Anaya, quien vuelve a participar en una producción francesa tras Mesrine: L’instinc de mort (2008), de Jean-François Richet. Precisamente ésta fue la película en la que el director descubrió a la actriz y decidió que protagonizase su segundo largo tras Pour elle (2008). Su equipo de rodaje vuelve a ser el mismo ya que repite con el director de fotografía, el diseñador de producción (Philippe Chiffre), el montador (Benjamin Weill), el compositor (Klaus Badel).

Buna! Ce faci?, 2010, 105 min. (Rumanía, España, Italia)
Paycom Multimedia
[rating=0]

Dirección: Alexandru Maftei
Intérpretes: Dana Voicu, Ionel Mihailescu, Paul Diaconescu, Jordi Garcia, Ana Popescu, Ioan Ionescu
Guion: Lia Bugnar
Fotografía: Radu Aldea
Música: Dragos Alexandru
Montaje: Mihai Codleanu

Una comedia romántica sobre una pareja que, después de 20 años de matrimonio, no sienten ya ningún tipo de atracción el uno hacia el otro. Después de varias noches de chatear a lo loco, ambos están convencidos de haber encontrado el amante perfecto en la Web. La fascinación hacia el amante virtual se mezcla con el sentimiento de culpa, pero ninguno sospecha que la persona de quien se ha enamorado por Internet no le es tan desconocida. Aunque sea especialmente liberal en sus propias relaciones sexuales, su hijo de 17 años está más que sorprendido cuando descubre las historias de amor de sus padres.

Ópera prima del rumano  Alexandru Maftei cuya realización se prolongó durante cuatro años. Los problemas financieros alargaron el proceso de producción hasta que en 2009 reunieron el dinero necesario y pudieron comenzar el rodaje en vernao. La película estaba lista en mayo de 2010, pero entonces los dos coproductores extranjeros con quienes contaban decidieron abandonar el proyecto y dejaron un gran agujero en el presupuesto para la post-producción.

The grey, 2012, 117 min. (USA)
DeAPlaneta
[rating=0]

Dirección: Joe Carnahan
Intérpretes: Liam Neeson, Dermot Mulroney, Frank Grillo, Joe Anderson, James Badge Dale, Dallas Roberts, Nonso Anozie, Ben Bray
Guion: Joe Carnahan, Ian Mackenzie Jeffers
Fotografía: Masanobu Takayanagi
Música: Marc Streitenfeld
Montaje: Roger Barton, Joseph Jett Sally
Producción: Joe Carnahan, Jules Daly, Ridley Scott, Mickey Lidell

El personaje de Liam Neeson es el líder de un indisciplinado grupo de trabajadores de una refinería cuyo avión se estrella en las remotas montañas de Alaska. Los supervivientes, expuestos a heridas mortales y un tiempo inclemente, disponen de pocos días para escapar de los gélidos elementos (y de una feroz manada de lobos cazadores) antes de que sea demasiado tarde.

El cineasta Joe Carnahan combina la acción y el drama, creando una intensidad en la pantalla que cautiva a los espectadores de todo el mundo. Su película de 2002 Narc, que él mismo escribió y dirigió, fue candidata al Gran Premio del Jurado en Sundance y le valió una nominación al premio Independent Spirit al mejor director. Recientemente, Carnahan escribió y dirigió los éxitos El equipo A y Ases calientes. Asimismo, es coautor del guión de Cuestión de honor, drama policial de Warner Bros. protagonizado por Colin Farrell y Edward Norton.

Carnahan se interesó por el proyecto al leer un relato del escritor Ian Mackenzie Jeffers titulado Ghost Walkers, que trataba de unos trabajadores de una refinería perseguidos por una manada de lobos salvajes tras un accidente de avión. Jeffers elaboró un guión bruto, y Carnahan pasó los siguientes 4 años desarrollando a intervalos la narración y los diversos personajes.

The woman in black, 2012, 95 min. (Reino Unido, Canadá, Suecia)
Aurum
[rating=0]

Dirección: James Watkins
Intérpretes: Daniel Radcliffe, Ciarán Hinds, Janet McTeer, Liz White, Shaun Dooley
Guion: Jane Goldman
Fotografía: Tim Maurice-Jones
Música: Marco Beltrami
Montaje: Jon Harris
Producción: Richard Jackson, Brian Oliver, Simon Oakes

El joven abogado Arthur Kipps tiene que trasladarse hasta un perdido rincón de Gran Bretaña para atender las últimas voluntades de uno de sus clientes más ricos. Mientras trabaja sólo en una aislada y siniestra casa, Kipps descubrirá los trágicos secretos que la poseen, creciendo su inquietud cuando descubre que el pueblo al que pertenece tal vivienda, esta poseido por el espiritu de una mujer vestida de luto con ansia de venganza.

La película es una adaptación de la novela de gran éxito de Susan Hill, publicada en 1982 que ya se ha convertido anteriormente en un telefilme, un serial de radio y una obra de teatro. La alabada guionista Jane Goldman es la encargado encarga de trasladar la historia de Hill a la gran pantalla. Dirige James Watkins, quien debutó en la dirección con el thriller Eden Lake, que obtuvo el Premio del Jurado del Festival de Cine Fantástico de Sitges y el premio al Mejor director en Fantasporto. Antes de pasarse a la dirección, James tenía un acuerdo preferente como guionista con Working Title Films. A través de este acuerdo, escribió una serie de guiones, como el alabado thriller de terror My Little Eye (La cámara secreta).

Está protagonizada por Daniel Radcliffe, más conocido por su papel en la supertaquillera serie de Harry Potter, quien reconoce la necesidad de distanciarse de su papel del niño mago que lo había hecho famoso. «Me siento orgullosísimo de Potter«, asegura Radcliffe, «pero ahora necesito demostrar a todo el mundo que me tomo en serio la interpretación y creo que el mejor modo de hacerlo es empezar a elegir material interesante«.

Señalar también que está producida por la mítica Hammer, fundada originalmente en 1934, el legendario estudio cinematográfico británico de terror ha ofrecido una larga serie de películas de enorme éxito a lo largo de los años. Desde 2008, la compañía ha formado parte de Exclusive Media Group (Exclusive), que se está encargando de infundir nuevo vigor a esta marca global, a través de inversiones tanto en nuevos medios como en los más tradicionales. Tras cesar sus actividades de producción en la década de 1980, Hammer regresó a la gran pantalla en 2010 con el estreno de la cinta de gran éxito de crítica Déjame entrar (Let Me In), adaptación de la alabada película sueca Déjame entrar (Let The Right One In). En 2011, Hammer estrenó La víctima perfecta, de Antti Jokinen, así como Wake Wood, dirigida por David Keating.

Shame, 2011, 99 min. (Reino Unido)
Alta Classics
[rating=3]

Dirección: Steve McQueen
Intérpretes: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Hannah Ware
Guion: Steve McQueen, Abi Morgan
Fotografía: Sean Bobbitt
Música: Harry Escott
Montaje: Joe Walker
Producción: Iain Canning, Emile Sherman

Brandon es un hombre de treinta y tantos años que vive en un confortable apartamento en Nueva York. Para evadirse de la monotonía del trabajo, seduce a las mujeres, en una serie de historias sin futuro y encuentros de una noche. Pero el ritmo metódico y ordenado de su vida se ve alterado por la imprevista llegada de su hermana Sissy, una chica rebelde y problemática. Su presencia explosiva llevará a Brandon a perder el control sobre su propio mundo.

Michael Fassbender se consagra con esta película por la que obtuvo la Copa de Oro Volpi al mejor actor en el Festival de Cine Venecia 2011. Es el segundo largometraje de Steve McQueen, videoartista británico que ha trabajado en distintos sectores del mundo del arte y del espectáculo, tras Hunger (2008), también protagonizado por Fassbender y que narra los últimos meses de Bobby Sands, el militante irlandés del IRA, que para protestar por el tratamiento brutal al que se veía sometido en la cárcel de Belfast, empezó una huelga de hambre que lo llevó a la muerte tras una larga agonía.

McQueen estudió en la Chelsea School of Art y en el Goldsmith College de Londres, donde realizó sus primeras películas, casi exclusivamente mudas y en blanco y negro, entre las que hay que citar Bear (1993), que narraba un breve e insólito encuentro entre dos hombres desnudos; Deadpan (1997), en la que un señor se mantenía de pie en el centro de un edificio que se derrumbaba a su alrededor; y Drumroll (1998), para la que el director montó una cámara de cine sobre un barril y lo hizo rodar por las calles de Manhattan.

Según el director «mi película anterior, Hunger, hablaba de un hombre privado de libertad, que utilizaba su cuerpo como instrumento político y a través de ese acto creaba su propia libertad. Shamese centra en una persona que goza de todas las libertades occidentales y que, a través de su aparente libertad sexual, crea su propia prisión. Mientras asistimos —y nos vamos insensibilizando— a la constante y continua sexualización de la sociedad, ¿cómo podemos orientarnos en este laberinto para no dejarnos corromper por el ambiente que nos rodea? Lo que me propongo es explorar todo este fenómeno que fingimos ignorar, concentrándome en las personas, porque cada persona nos lleva a un contexto y a un lugar diferente«.

Journey 2: The mysterious island, 2012, 94min. (USA)
Warner Bros.
[rating=0]

Dirección: Brad Peyton
Intérpretes: Dwayne Johnson, Josh Hutcherson, Vanessa Hudgens, Michael Caine, Luis Guzmán, Kristin Davis
Guion: Brian Gunn, Mark Gunn
Fotografía: David Tattersall
Música: Andrew Lockington
Montaje: David Rennie
Producción: Beau Flynn, Tripp Vinson, Charlotte Huggins

Comienza cuando un joven de diecisiete años, Sean Anderson, recibe una señal de auxilio codificada desde una isla misteriosa donde no debería haber ninguna isla. Incapaz de detenerle en su búsqueda del origen de la señal, el nuevo padrastro de Sean, Hank, se une a él en una expedición que primero les llevará al Pacífico Sur y luego a un lugar que pocas personas han visto o han vivido para contarlo. Se trata de un sitio de increíble belleza, con extrañas y amenazadoras formas de vida, volcanes, montañas de oro y más de un secreto impactante. Junto con Gabato, el único piloto de helicópteros dispuesto a asumir el riesgo del viaje, y la hermosa y decidida hija de Gabato, Kailani, parten en busca de la isla, rescatan a su único habitante humano y escapan antes de que las fuerzas sísmicas la sumerjan bajo las aguas enterrando sus tesoros para siempre.

Secuela de Viaje al Centro de la Tierra (2008) protagonizada por un Brendan Fraser, que no repite en esta segunda entrega y es sustituido por Dwayne Johnson, la película está dirigida por Brad Peyton, que sustituye a Eric Brevig. Fraser parece ser que abandonó el proyecto por no estar de acuerdo con el cambio de director. Se trata del segundo largo dirigido por Peyton tras Como perros y gatos: la revancha de Kitty Galore, quien proviene de la realización de cortometrajes.

En 2008, la primera entrega marcó un hito como la primera película narrativa en utilizar el sistema Fusion System, un sofisticado dispositivo de cámara digital 3D desarrollado por James Cameron y el director de fotografía Vince Pace, y que posteriormente se emplearía en Avatar. La isla misteriosa a la que hace referencia el título se refiere a la que describiera Julio Verne en su novela del mismo título de 1875.

Young adult, 2011, 94 min. (USA)
Paramount Pictures Spain
[rating=0]

Dirección: Jason Reitman
Intérpretes: Charlize Theron, Patrick Wilson, Elizabeth Reaser, Patton Oswalt, Jill Eikenberry, Richard Bekins, Collette Wolfe
Guion: Diablo Cody
Fotografía: Eric Steelberg
Música: Rolfe Kent
Montaje: Dana E. Glauberman
Producción: Diablo Cody, Lianne Halfon, Mason Novick, Jason Reitman, Russell Smith, Charlize Theron

La oscarizada actriz Charlize Theron es Mavis Gary, una escritora de novelas románticas que regresa a su pueblo para reconquistas a su novio del instituto, ahora felizmente casado. Cuando volver a casa resulta más difícil de lo que esperaba, Mavis entabla una extraña relación con otro antiguo compañero de clase que tampoco ha superado el instituto.

Del equipo de Juno (la oscarizada guionista Diablo Cody y el director nominado al Óscar Jason Reitman) llega una nueva comedia, cuya historia, tanto la ficticia como la de la vida real, comienza en Minneapolis, en el estado de Minnesota. La escritora Diablo Cody vivió varios años allí, y la ciudad se ha convertido en algo así como una musa para ella.

Es el cuarto largo realizado por Jason Reitman (Montreal, 1977), hijo del director Ivan Reitman, tras Gracias por fumar (2006), Juno (2007) y Up in the air (2009).

Lo mejor de Eva, 2012, 93 min. (España)
TriPictures
[rating=0]

Dirección: Mariano Barroso
Intérpretes: Leonor Watling, Miguel Ángel Silvestre, Nathalie Poza

Eva, una juez con mucho futuro, lleva años entregada exclusivamente a su profesión. Cree profundamente en la justicia y no está dispuesta a hacer concesiones, vengan de donde vengan. Un día le toca instruir el asesinato de una bailarina de striptease. Y ante ella aparece un testigo del caso, el novio de la víctima, Rocco, un gigoló solícito y amable que está dispuesto a ayudarla. A cambio, Eva tendrá que darle algunas claves de su propia identidad. Pero la vida íntima de Eva es un misterio, una caja fuerte que nadie sabe cómo abrir. Nadie excepto Rocco, un gigoló especializado en mujeres esquivas y solitarias.

Cinco años después de Hormigas en la boca, Mariano Baroso estrena Lo mejor de Eva, completando una filmografía poco prolífica que incluye títulos como Mi hermano del alma (1993), Éxtasis (1996), Los lobos de Washington (1999) o Kasbah (2000). La película está protagonizada por Leonor Watling y José Ángel Silvestre, quien sigue intentando superar el éxito y encasillamiento que le proporcionó la serie de televisión Sin tetas no hay paraíso, a pesar de que interpreta a un gigoló.

Papá, soy una zombi, 2012, 80 min. (España)
Barton Films
[rating=0]

Dirección: Ricardo Ramón y Joan Espinach

Cinco años después del traumático divorcio de sus padres, Dixie se ha convertido en una adolescente arisca, que quiere escapar del odioso mundo en que vive. En la escuela se ríen de ella por su actitud introvertida y su aspecto gótico, e incluso su mejor amiga le esquiva, para poder flirtear a escondidas con el chico que le gusta a Dixie. El padre de Dixie se lleva a su amada hija a la feria en un loable intento por alegrarle las penas, pero las cosas se tuercen de tal manera para Dixie que la niña ya no lo soporta más y acaba estallando. Queriéndose morir, la jovencita huye por el bosque bajo la tormenta. De pronto, un rayo impacta contra un árbol y este se le desploma encima. Al despertar, descubre que se encuentra enterrada dentro de la tumba de un cementerio y es… ¡una zombi!

Película de animación con la que debutan en la dirección de largometrajes Ricardo Ramón y Joan Espinach, quienes cuentan con una amplia experiencia en el mundo de la animación. La cinta consiguió el Premio del Público del Festival de Cine de Gijón donde se presentó dentro de la sección Enfants Terribles, y fue nominada alos Premios Goya a la Mejor Película de Animación. El proyecto llevó su tiempo ya que la primera versión de guión es del año 2006, y desde entonces se trabajaron sobre nuevas versiones del guion y con diseños de personajes y decorados.

The French kissers, 2009, 90 min. (Francia)
Karma Films
[rating=0]

Dirección: Riad Sattouf
Intérpretes: Vincent Lacoste, Anthony Sonigo, Alice Trémolière, Julie Scheibling, Valeria Golino, Iréne Jacob

Hervé, 14 años, es un adolescente desbordado por sus impulsos, poco agraciado físicamente y medianamente listo que vive solo con su madre. En el colegio, va tirando, mal que bien, rodeado de sus buenos amigos. Salir con una chica, eso es lo que moviliza todo su pensamiento. Desgraciadamente en ese campo, acumula fracaso tras fracaso, aunque no pierde la esperanza. Un día, sin entender muy bien cómo, se entera de que Aurore, una de las chicas más guapas de su clase, está a por él… Está rodeado por una galería de personajes variopintos y que se las traen: Camel, fan del heavy habitado por fantasmas similares a los suyos, Benjamin y Meryl, adolescentes complejos y acomplejados, Loïc, Anas y Mohamed, típicos jóvenes machos dominantes, Mahmoude, la cabeza de turco, Mégane y Sadia, las chicas blandas que parecen vivir al ralentí, Aurora y Laura, las chicas guapas, que están aprendiendo a manejar el poder que ejercen sobre los chicos, y muchos más. Hervé trata de crecer en este pequeño mundo en perpetua mutación, este mundo de la adolescencia en donde aprendemos a dominar las emociones.

Primer largometraje de Riad Sattouf (París, 1978), quien ha publicado un gran número de álbumes de cómics y colabora con un varios periódicos y revistas. La película consiguió el César a la mejor ópera prima y se presentó en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cine de Cannes y en el Festival de Cine de Gijón. Su título, Les beaux gosses, significa Los chicos guapos.

Three, 2010, 119 min. (Alemania)
Karma Films
[rating=0]

Dirección: Tom Tykwer
Intérpretes: Sophie Rois, Sebastian Schipper, Devid Striesow

Berlin. Época actual. Hanna y Simon son una pareja que viven juntos desde hace años. El amor, el trabajo, el sexo y la vida cotidiana se entremezclan en una combativa armonía. Son atractivos, modernos, maduros, sin niños, cultivados y con los pies en la tierra. Pero Hanna conoce a Adam. Y Adam conoce a Simon. E inesperadamente los tres se enamoran.

Tom Tykwer, que se dio a conocer internacionalmente con Corre Lola corre (1998), siguió una carrera irregular que incluye grandes producciones como El perfume, historia de un asesino (2006) o, más recientemente The international (2009), que inauguró ese año el Festival de Cine de Berlín. Ahora retorna Alemania y declara que “el amor, el trabajo, la vida cotidiana y la muerte se funden en esta historia de una manera muy diferente. Es una película sobre la cercanía y la distancia, sobre la soledad y la presión de pareja, sobre los peligros de la intimidad y la tentación de las responsabilidades familiares. Gira en torno a los deseos, esperanzas, enigmas y contradicciones de tres personas de treinta y tantos años que han tenido que cuestionarse el supuesto «éxito» en sus vidas. ¿Qué significa hoy en día vivir «adecuadamente» en lo referente a lo social. emocional, político o personal?”. La película se presentó en la sección oficial del Festival de Cine de Venecia y consiguió los Premios del Cine Alemán a mejor director, montaje y actriz (Sophie Rois).

War horse, 2011, 146 min. (USA, Reino Unido)
The Walt Disney Company
[rating=0]

Dirección: Steven Spielberg
Intérpretes: Jeremy Irvine, David Thewlis, Emily Watson, Toby Kebbell, David Kross, Peter Mullan, Niels Arestrup, Eddie Marsan, Benedict Cumberbatch, Tom Hiddleston, Celine Buckens

Este relato sobre un chico llamado Albert y su querido Joey, un caballo de granja, se inicia con el estallido de la Primera Guerra Mundial. El padre de Albert vende a Joey a la caballería del ejército británico para luchar en el frente. Joey será testigo de un extraordinario periodo de la Historia con la Gran Guerra como trasfondo. A pesar de los obstáculos que encuentra en su camino, su coraje será fuente de inspiración para todos los que se cruzan con el noble animal. Albert no puede olvidar a su amigo y abandona su hogar para luchar en los campos de batalla de Francia. Allí busca incansablemente a su amigo para traerlo sano y salvo a casa.

La novela War Horse se publicó por primera vez en 1982 y pronto se convirtió en un clásico de la biblioteca familiar ya que su canto al amor y a la lealtad encandiló a grandes y pequeños. El libro se adaptó al teatro y fue un enorme éxito internacional. Allí fue donde Steven Spielberg se enamoró de la historia. Por otro lado, tras ver la adaptación teatral en Londres, la productora Kathleen Kennedy llevó el proyecto a al director. Conmovida por la obra, Kennedy de inmediato pensó que sería una maravillosa película y Spielberg, el director que sabría dar vida a su emotiva historia en la pantalla grande. «La historia me pareció absolutamente fascinante. Me conmovió profundamente«, recuerda el cineasta. «Me parecía una historia muy sincera, y me di cuenta que se podía hacer una película para toda la familia sobre la aventura de un chico y su caballo que se ven separados por el destino. Espero que la gente se identifique con esta historia y la comparta. Su ternura y su mensaje son absolutamente universales y van a llegar al público de todos los países«. Es la segunda película dirigida por Steven Spielberg en 2011 junto a Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, y la primera de su filmografía que edita digitalmente.

Star Wars: Episode I – The phantom menace 3D, 1999, 136 min. (USA)
Hispano Foxfilm
[rating=0]

Dirección: George Lucas
Intérpretes: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Ian McDiarmid, Pernilla August, Oliver Ford Davies, Hugh Quarshie, Terence Stamp, Keira Knightley, Ray Park, Samuel L. Jackson

Reestreno en 3D del primer episodio de La guerra de las galaxias donde se relatan las andanzas de Anakin Skywalker, de 9 años de edad, que todavía no sabe que acabará convirtiéndose en el perverso Darth Vader, padre de Luke Sywalker. Un joven Obi-Wan Kenobi será su mentor y guía por el camino de la fuerza.

George Lucas es el alma mater de la saga La guerra de las galaxias a la que parecía haber exprimido hasta la saciedad. Pues no, aún le queda la edición en 3D de toda la serie. Dirigió su primera película THX 1138, en 1970 y un año después creó su propia compañía, Lucasfilm Ltd. Antes de rodar la primera entrega de la serie realizó American Grafitti. Lucas también fue productor ejecutivo de otra famosa saga, En busca del arca perdida, dirigida por Steven Spielberg. En 1988 dirigió Willow.

Á Torinói Ló, 2011, 146 min. (Hungría, Francia, Alemania, Suiza, USA)
Paco Poch Cinema
[rating=0]

Dirección: Béla Tarr y Ágnes Hranitzky
Intérpretes: János Derzsi, Erika Bók, Mihály Kormos

Turín, 1889, Friedrich Nietzsche sale a la calle y se lanza al cuello de un caballo. Al regresar a su casa, el filósofo pronuncia una frase antes de entrar en una fase de silencio hasta el día de su muerte. Lejos de cuestionarse los porqués de la acción de Nietzsche, la película se pregunta: ¿qué pasó con el caballo? La película retrata la rutina de un padre y una hija que viven en medio de la nada y que ven como su caballo ha decidido no moverse más. Anunciada como la última película de Béla Tarr, este filme de carácter apocalíptico e imágenes hipnóticas supone un monumental broche de oro a la carrera de un cineasta que siempre ha flirteado con lo fantástico.

Libremente inspirado en un episodio que marca el final de la carrera como filósofo de Friedrich Nietzsche: el 3 de enero de 1889, en la plaza Alberto de Turín, Nietzsche se lanzó llorando al cuello de un caballo agotado y maltratado por su cochero. Luego se desmayó. Después de este acontecimiento, que constituye el prólogo de la película de Béla Tarr, el filósofo dejó de escribir y se hundió en la locura y el mutismo. Sobre esta base, The Turín Horse explora los destinos del cochero, su hija y el caballo, en una atmósfera de pobreza que anticipa el final del mundo.

Béla Tarr (Pécs, 1955), tras estudiar cine y teatro, comenzó una colaboración con el escritor László Krasznahorkai que ha durado hasta la actualidad. Sátántangó (1994), su obra magna, de siete horas y Werckmeister Harmoniak (2000) lo convirtieron en uno de los directores más importantes del cine contemporáneo. Con esta cinta, de sólo 30 planos, consiguió el Oso de Plata – Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI de la Crítica en el Festival de Cine de Berlín.

La guerre est déclarée, 2011, 100 min. (Francia)
Golem
[rating=0]

Dirección: Valérie Donzelli
Intérpretes: Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, César Dessix, Gabriel Elkaïm, Brigitte Sy, Elina Lowensohn, Michèle Moretti, Philippe Laudenbach, Bastien Bouillon

Una pareja, Roméo y Juliette. Un niño, Adam. Una lucha, la enfermedad. Y, sobre todo, una gran historia de amor, la suya. Así de simple es la sinopsis de esta película dirigida por Valérie Donzelli que se llevó tres premios en el Festival de Cine de Gijón 2011, incluido el de mejor película, además de los de interpretación femenina y masculina, y que se presentó en la Semana de la Crítica del Festival de Cine de Cannes. Protagonizada por la propia directora y por su pareja, Jérémie Elkaïm, la cinta es en cierta medida autobiográfica debido a que ambos tuvieron un hijo que enfermó gravemente, aunque no relata exactamente su propia historia. Es el segundo largo de Valérie Donzelli, tras La reine des pommes (2009) y hay que destacar que las escenas del Hospital están rodadas con una cámara fotográfica,  una Canon y con luz natural, con el objetivo de ser discretos y evitar que se pensase que se estaba rodando una película. Los únicos planos rodados en 35 mm son los del final porque son a cámara lenta y la cineasta quería que salieran bien, algo mucho más difícil de conseguir con una cámara fotográfica.

Safe house, 2012, 115 min. (USA)
Universal Pictures
[rating=0]

Dirección: Daniel Espinosa
Intérpretes: Denzel Washington, Ryan Reynolds, Brendan Gleeson, Robert Patrick, Sam Shepard, Liam Cunningham, Vera Farmiga

Denzel Washington interpreta al renegado más peligroso de la CIA, que vuelve a reaparecer en Sudáfrica después de diez años, asombrando a toda la comunidad del espionaje. Cuando unos mercenarios atacan el piso franco al que ha sido asignado, un agente novato (Ryan Reynolds) se ve obligado a ayudarle a escapar. El maestro de la manipulación juega con su joven protector, poniendo a prueba su moralidad y su idealismo. Pero no les queda más remedio que mantenerse con vida lo suficiente como para descubrir quién quiere verles muertos.

Cuarta película dirigida por el realizador sueco de origen chileno Daniel Espinosa (sus padres huyeron de Chile a Suecia en 1977 como refugiados políticos, el mismo año en el que él nació) tras The Babylon Disease (2004), Outside Love (2007) y la exitosa Dinero fácil (2010). El título de la película en su versión original es Safe House, que podría traducirse como “piso franco”.

 

Katmandú, un espejo en el cielo, 2011, 104 min. (España)
Alta Classics
[rating=0]

Dirección: Icíar Bollaín
Intérpretes: Verónica Echegui, Sumyata Battarai, Norbu Tsering Gurung

En los primeros años 90, Laia, una joven maestra catalana, se traslada a Katmandú como voluntaria en una escuela local. Pronto descubrirá una pobreza extrema y un panorama educativo desolador que además deja fuera a los más necesitados. Tras contraer, as su pesar, un matrimonio de conveniencia para legalizar su situación, Laia se embarca en un ambicioso y personal proyecto pedagógico en los barrios de chabolas de Katmandú. En seguida se enfrenta a la evidencia de que no puede hacerlo sola. Pero también se encuentra con un hermosos regalo que no esperaba: enamorarse del desconocido con el que se ha casado. De la mano de su amiga y joven maestra Sharmila, Laia emprende un viaje que la llevará hasta el fondo de la sociedad nepalí y también, hasta el fondo de sí misma.

Nuevo proyecto de Icíar Bollaín rodado fuera de España tras También la lluvia (2010) quien, esta vez, se traslada a Katmandú para enfrentarse a otra historia inspirada en hechos reales. Filmada con actores no profesionales, gran número de niños, y en inglés y nepalí, la acción transcurreen dos escenarios: Katmandú, la capital, y Mustang, quizá la más bella región de Nepal, el último reino tibetano perdido del Himalaya abierto a los occidentales. La filmografía de la cineasta se completa con Hola, ¿estás sola? (1995), Flores de otro mundo (1999), Te doy mis ojos (2003) y Mataharis (2007).

The Muppets, 2011, 103 min. (USA)
The Walt Disney Company
[rating=0]

Dirección: James Bobin
Intérpretes: Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper, Rashida Jones, Emily Blunt, John Krasinski, Zach Galifianakis, Jack Black, Selena Gomez, Whoopi Goldberg, Ricky Gervais, Alan Arkin, Neil Patrick Harris

Durante sus vacaciones en Los Ángeles, Walter, el fan numero uno de los Muppets y sus amigos Gary y Mary de Smalltown, Estados Unidos, descubren que el petrolero Tex Richman planea arrasar con el Teatro de los Muppets para perforar y extraer el petróleo hallado debajo del viejo solar de los Muppets. Para montar el mayor Teletón de los Muppets jamás visto y recaudar los 10 millones de dólares necesarios para salvar el teatro, Walter, Mary y Gary ayudan a Kermit La Rana a reunir nuevamente a los Muppets, cuyas vidas ahora han tomado rumbos diferentes: Fozzie trabaja en un casino de Reno con una banda tributo llamada los Moopets; Miss Piggy es una editora de moda de talla grande de la revista Vogue Paris; Animal se encuentra en una clínica de Santa Bárbara para aprender a controlar su ira; y Gonzo es un magnate de la industria de la fontanería. Con actuaciones especiales únicas de numerosas celebridades.

Los famosos teleñecos, que ahora recuperan su nombre en versión original, regresan a la gran pantalla después de once años con la que conforma la séptima película de su filmografía. Dirige el debutante James Bobin, quien fue co-creador del show de HBO Flight of the Conchords, el cual escribió, dirigió y produjo ejecutivamente. En total, en la película aparecen más de 120 teleñecos, coreografiados por Michael Rooney, hijo del veterano Mickey Rooney, quien hace una fugaz aparición en el film. Esta es la primera vez que ambos trabajan juntos en una película.

Moneyball, 2011, 133 min. (USA)
Sony Pictures
[rating=0]

Dirección: Bennett Miller
Intérpretes: Brad Pitt, Jonah Hill, Philip Seymour Hoffman, Robin Wright, Chris Pratt, Tammy Blanchard, Stephen Bishop

Basada en la historia real de Billy Beane, interpretado por Brad Pitt, una prometedora estrella del béisbol que, incitado por el fracaso de no haber demostrado en el campo todo lo que se esperaba de él, enfocó toda su naturaleza competitiva hacia el área de la dirección de equipos. Al comienzo de la temporada 2002, Billy se enfrenta a una situación deprimente: su modesto equipo, los Oakland Athletics, ha perdido, una vez más, a sus mejores jugadores a manos de los clubes grandes -y sus contratos millonarios- y encima tiene que reconstruirlo con sólo un tercio del presupuesto. Decidido a ganar, Billy se enfrenta al sistema desafiando a los más grandes de este deporte. Busca opciones fuera del mundo del béisbol y topa con las teorías innovadoras de Bill James . Es entonces cuando se decide a contratar a Peter Brand, un economista de Yale, inteligente y con talento para los números. Juntos se enfrentan a las teorías establecidas para medir la actividad en el juego y las reexaminan apoyándose en el análisis estadístico por ordenador, hasta entonces despreciado por la clase dirigente del béisbol.

En 2003, el ex corredor de bolsa de Salomon Brothers Michael Lewis, hasta ese momento conocido por sus superventas de libros de negocios y política como Liar’s Poker y The New New Thing, publica un libro sobre béisbol que es la base en la que se sustenta esta película. Dirige Bennett Miller, quien fuera nominado al Oscar a mejor director, algo nada habitual en un debutante, por su primera película, la aclamada Truman Capote (Capote). Brad Pitt se sintió atraído de forma inmediata por el director general de los Oakland Athletics, por su personalidad astuta y descomunal, su mezcla de obstinación e ingenio y por su relación íntima y personal con la delgada línea que separa el éxito del fracaso. El propio Beane admite que le extrañó ser interpretado por Pitt, pero que le gustó la seriedad del trabajo del actor.

Promoción fantasma, 2012, 89 min. (España)
Hispano Foxfilm
[rating=0]

Dirección: Javier Ruiz Caldera
Intérpretes: Raúl Arévalo, Alexandra Jiménez, Andrea Duro, Jaime Olías, Alex Maruny, Anna Castillo, Aura Garrido, Javier Bódalo, Joaquín Reyes, Luis Varela, Carlos Areces, Silvia Abril

Modesto es profesor y en ocasiones ve muertos. Esto no solo le ha costado una fortuna en psiquiatras, sino que también ha hecho que le despidan de todos lo colegios donde ha trabajado. Su suerte cambia cuando consigue plaza en el Monforte y tiene que dar clase a cinco alumnos que han convertido un colegio de prestigio en la casa de los horrores. Modesto tiene que lograr que los cinco chicos aprueben el último curso y se larguen de allí de una vez por todas. Pero no lo va a tener fácil: los cinco llevan más de veinte años muertos.

Segundo largometraje dirigido por Javier Ruíz Caldera tras el éxito de Spanish Movie (2009), la primera película spoof española. Fue el humorista Antonio Castelo quien le dio a conocer a los productores el guión que habían escrito Adolfo Valor (Papanatos, El Intermedio) y Cristóbal Garrido (Gran reserva). Durante varios meses, el propio director y los dos autores originales trabajaron juntos hasta dar con el guión definitivo de una historia con referentes cinematográficos en las comedias ochenteras de instituto de John Hughes tales como El Club de los Cinco, 16 Velas o Todo en un Día, y por otro el género fantástico al estilo Cazafantasmas, Agárrame esos fantasmas o Los fantasmas atacan al jefe.

Ithemba, 2010, 72 min. (USA, Zimbabwe)
El Documental del Mes
[rating=0]

Dirección: Elinor Burkett

Imagínate un país donde cada día mueren más personas a causa del SIDA, la malnutrición y la falta de atención médica, que los que mueren en Afganistán, Iraq o Darfur. Donde los hospitales funcionan sin médicos, las ciudades pueden pasar meses sin agua corriente y la tasa de desempleo es del 90%.

Imagínate ahora cómo es circular por este país -donde los discapacitados son vistos como seres malditos- con silla de ruedas, sin poder utilizar las manos o con alguna otra discapacidad. No hace falta que te lo imagines. Ithemba –»esperanza» en ndebele– te lleva a Zimbabue a través de Liana, un conjunto musical formado por ocho jóvenes discapacitados que afrontan con sentido del humor y valentía la caótica realidad de su país y los prejuicios sociales y culturales profundamente arraigados. Elinor Burkett es escritora, productora y directora. Su carrera como documentalista la ha traído de Cuba a Mongolia y de Kirguistán a Zimbabue. Ha sido reportera del Miami Herald con el que ha escrito 9 libros, y ha trabajado para las principales revistas americanas. En 2010 ganó el Óscar al mejor cortometraje documental con Music by Prudence y sus trabajos han sido reconocidos en diversas ocasiones por organizaciones como el National Press Club, el Penney-Missouri o la New York Newswomen.

Rassvet/Zakat. Dalai Lama 14, 2008, 72 min. (Rusia, China, India)
Desconocida
[rating=0]

Dirección: Vitali Mansky

La película muestra al XIV Dalai Lama en la intimidad. Rodado en la residencia en la residencia del Dalai en Dharamsala, India, el director Vitali Mansky ofrece un punto de vista diferente sobre un líder espiritual y religioso. Desde el amanecer hasta el atardecer, desfilan las opiniones de Su Santidad el Dalai Lama con respecto a la esencia del universo, la brecha entre ricos y pobres, el papel que el individuo desempeña en la religión en general, y el budismo en particular, en el marco de la sociedad contemporánea. También aparece en audiencias privadas, conferencias de prensa y dando las bendiciones que imparte todos los días. El exiliado líder espiritual del pueblo tibetano ha dicho de sí mismo «A veces la gente me llama un Buda viviente o un Rey de Dios, pero yo digo siempre, esto no tiene sentido yo soy un simple monje budista a través de ésta película se dará cuenta, yo soy un ser humano normal, nada especial. Sólo un monje budista normal«.

Vitali Mansky estudió en la Escuela de Cine de Moscú, y aunque su intención era la de hacer películas de ficción, hacia el final de sus años de estudio, el poder soviético desapareció de repente y descubrió que los documentales le permitían hablar de la vida real, sumergirse en la realidad, conocer a personas reales. Ha producido más de 300 documentales y es uno de los cineasta de documentales de mayor éxito en Europa del Este.

Wszystko, co kocham, 2011, 95 min. (Polonia)
Aquelarre
[rating=0]

Dirección: Jacek Borcuch
Intérpretes: Mateusz Kosciukiewicz,Olga Frycz, Jakub Gierszal, Andrzej Chyra, Anna Radwan

Primavera de 1981, en Polonia. Janek vive en una ciudad costera del país, tiene 18 años y es hijo de un capitán de la marina. Junto con tres amigos, Kazik, Diabel y Staszek, deciden crear una banda de rock punk para expresar los sentimientos y los problemas que más les importan. La vida de Janek es sólo la música y su pasión es su primer amor, Basia. Pero las cosas están por cambiar en el país y en su vida. Los sindicatos alternativos juegan un rol político fundamental en el proceso de transformación del país, entre ellos «Solidaridad». Las huelgas masivas inundan Polonia mientras el partido Comunista prepara la imposición de la ley marcial. Mientras la tensión crece en el país y la rebelión de la juventud se transforma en algo peligroso, se desencadena una tormenta política. Un conflicto con un comisario que gestiona la ley marcial y la muerte de un ser querido cambiarán la vida de Janek para siempre.

Producción polaca que ha desfilado por los Festivales de Cine de Sundance y Rotterdam. Está dirigida por el polaco Jacek Borcuch, cuyas películas muestran su eterna búsqueda a través de la existencia humana. Primero fue la actuación, una experiencia que luego fue sustituida por la filosofía – un espacio dedicado a la ampliación de la percepción, la comprensión y la experimentación de distintas facultades. La música está presente desde su infancia (piano), primero a través de una educación clásica y luego utilizando sonidos más contemporáneos. La dirección fue el siguiente escalón. Esta la es la oportunidad de contar su propia historia y, al mismo tiempo, introducir a un gran publico dentro de un terreno imparcial – esto es algo que a él mas lo compromete.

Arrugas, 2011, 89 min. (España)
Wanda Visión
[rating=3]

Dirección: Ignacio Ferreras

Arrugas narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos que es como llaman allí a los deshauciados. Su alocado plan tiñe de comedia y ternura el tedioso día a día de la residencia porque aunque para muchos sus vidas habían acabado, ellos acababan de empezar una nueva.

Dirigida por el argentino Ignacio Ferreras, se trata de un largometraje de animación 2D basado en el aclamado cómic del mismo título de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008). Ferreras es un animador y director de gran experiencia internacional, entre la que destaca su trabajo como animador en el largometraje de Sylvain Chomet El ilusionista, el segmento 1000c SMS Finals, que dirige y anima para Tokyo Onlypic 2008 (2008) y su trabajo de storyboard en el largometraje Asterix y los Vikingos. En 2002 completa su premiado corto How to Cope with Death, ganador del premio «Jean-Luc Xiberras» al mejor primer cortometraje en Annecy 2003, además de otros 22 premios internacionales.

Trespass, 2011, 00 min. (USA)
Aurum
[rating=0]

Dirección: Joel Schumacher
Intérpretes: Nicolas Cage, Nicole Kidman, Ben Mendelsohn, Cam Gigandet, Liana Liberato, Jordana Spiro, Dash Mihok, Emily Meade, Nico Tortorella

La pareja felizmente casada compuesta por Sarah y Kyle Miller parece tenerlo todo: un elegante y apartado hogar, con todas las comodidades imaginables, y una adorable aunque rebelde hija adolescente, Avery.Kyle es un tratante de diamantes de gran éxito y Sarah es arquitecta, ella misma ha diseñado su extenso y moderno hogar de cristal, piedra y acero, rodeado de densa vegetación. Cuando Kyle abre la puerta a unos policías la pesadilla comienza:se encuentra ante las horripilantes máscaras de una desesperada banda de intrusos que irrumpen violentamente en la casa y anuncian que quieren «todo lo que tengan».

Los ganadores del Oscar Nicolas Cage y Nicole Kidman protagonizan este provocador thriller dirigido por Joel Schumacher. Ambos actores ya habían trabajado por separado con Schumacher: Cage en Asesinato en 8mm., y Kidman en Batman Forever. Schumacher realizón en los años ochenta éxitos como The incredible shrinking woman (1981), St. Elmo, punto de encuentro (1985), Jóvenes ocultos (1987) o Un toque de infidelidad (1989). Los años noventa estuvieron protagonizados por sus adaptaciones de Batman en Batman forever (1995) y Batman y Robin (1997), y otros triunfos como Línea mortal (1990), Elegir un amor (1991), Un día de furia (1992), El cliente (1994),  Tiempo de matar (1996),  Asesinato en 8mm (1999) o Nadie es perfecto (1999). A partir de 2000 su filmografía se completa con Tigerland (2000), 9 días (2002), Veronica Guerin (2003), El fantasma de la Ópera (2004), El número 23 (2007) y Twelve (2010).

Le moine, 2011, 101 min. (Francia, España)
Vértice Cine
[rating=3]

Dirección: Dominik Moll
Intérpretes: Vincent Cassel, Déborah François, Joséphine Japy, Sergi López, Catherine Mouchet, Jordi Dauder, Geraldine Chaplin, Roxane Duran

Abandonado en su nacimiento a las puertas del Convento de los Capuchinos, Ambrosio es educado por los Hermanos. Se convierte en un predicador admirado por su fervor y temido por su intransigencia, él se cree protegido y libre de toda tentación. La llegada de un misterioso novicio removerá sus certezas y le llevará por el camino del pecado.

El encargado de adaptar a la pantalla la novela gótica escrita por Matthew Gregory Lewis (1775-1818) a los 20 años es Dominik Moll (Bühl, Alemania, 1962), hijo de padre alemán y madre francesa, que estudió cine en la Universidad de la Ciudad de Nueva York. En 1993 dirigió su primer largometraje, Intimité (Intimidad), al que siguieron Harry, un amigo que os quiere (2000), con un Sergi López que también interviene en El monje; y 2005 el thriller Lemming (2005).

J. Edgar, 2011, 00 min. (USA)
Warner Bros. Pictures
[rating=2]

Dirección: Clint Eastwood
Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Armie Hammer, Josh Lucas, Ed Westwick, Judi Dench, Damon Herriman, Jeffrey Donovan, Dermot Mulroney

A lo largo de su vida, J.Edgar Hoover llegó a ser el hombre más poderoso de Estados Unidos. Durante sus casi 50 años como director del FBI (Oficina Federal de Investigación), no hubo nada que le impidiera proteger a su país. Hoover sobrevivió a ocho presidentes y a tres guerras, luchando contra amenazas reales e inminentes y saltándose las reglas a menudo con el fin de mantener a salvo a sus compatriotas. Sus métodos eran tan despiadados como heroicos, siendo la admiración del mundo su premio más codiciado y a la vez el más difícil de alcanzar. Hoover era un hombre que daba mucha importancia a los secretos, especialmente a los de los demás, y que no temía usar esa información para ejercer autoridad sobre las figuras líderes de la nación. Comprendiendo que el conocimiento es poder y que el miedo representa oportunidad, utilizó ambos elementos para ganar una influencia sin precedentes y construirse una reputación que era tan formidable como intocable. Preservaba su vida privada igual que la pública, permitiendo solo a unos cuantos formar parte de su pequeño y custodiado círculo de confianza. Su compañero más cercano, Clyde Tolson, también era su amigo más fiel. Su secretaria, Helen Gandy, quizá la persona que mejor conocía sus planes, fue leal hasta el final y más allá. Únicamente le abandonó su madre, quien fue su inspiración y su conciencia, y cuya muerte destrozó a un hijo que siempre buscó su amor y su aprobación.

A través de los ojos del propio Hoover, J. Edgar explora la vida y las relaciones públicas y privadas de un hombre que podía distorsionar la verdad con la misma facilidad con la que la defendió durante una vida dedicada a su propia idea de la justicia, a menudo dominada por el lado más oscuro del poder. Dirige Clint Eastwood después de Más allá de la vida (2011), quien en los últimos tiempos dirige una película por año tras Banderas de nuestros padres (2006), Cartas desde Iwo Jima (2007), El intercambio (2008), Gran Torino (2009) e Invictus (2010). Está protagonizada por Leonardo DiCaprio, con quien el director tenía muchas ganas de trabajar, y el guión es de Dustin Lance Black, quien después de Mi nombres es Harvey Milk, donde investigó la figura del político y activista que se convirtió en el primer hombre abiertamente homosexual en ser elegido para un cargo público en los Estados Unidos Hoover, tenía ganas de investigar la figura del que fuera primer director de la Oficina Federal de Investigación (FBI).

Popieluszko – Wolnosc jest w nas, 2009, 150 min. (Polonia)
European Dreams Factory
[rating=0]

Dirección: Rafal Wieczynski
Intérpretes: Adam Woronowicz, Stanislav Banasiuk, Adam Biedrzycki, Teresa Bielinska, Dorota Calek, Grzegorz Bonski

Popieluszco es una historia épica sobre la vida y martirio del padre Jerzy Popieluszko, héroe del movimiento Solidaridad, que fue brutalmente asesinado en octubre de 1984. En la película, vista por más de 1,3 millones de personas en su país, también se reflejan los vertiginosos días de Solidaridad, así como el ritmo y estado político de la Polonia de los años 80. Considerado como un héroe por el pueblo polaco, fue beatificado el 6 de junio del pasado año en Varsovia.

La cinta, el proyecto cinematográfico de mayor envergadura del 2009 en Polonia, fue vista por más de 1.300.000 espectadores. Su éxito allí se debió a la fuerza de la historia y a las grandes emociones que despierta. La preparación del rodaje duró varios años. Durante este periodo, los creadores de la película recogieron una gran documentación, entre la que se encuentran los testimonios directos de las personas que conocieron y siguieron a Jerzy. En la escritura del guión, el autor, además de dar consistencia a los acontecimientos históricos, estuvo en constante comunicación con la familia y amigos de Popieluszko. El director, Rafal Wieczynski comenzó su carrera como actor en los años ochenta. Posteriormente se dedicó a escribir guiones y la dirección de su primera película se remonta a 1992.

Underworld: Awakening, 2011, 89 min. (USA)
Sony Pictures
[rating=0]

Dirección: Måns Mårlind y Björn Stein
Intérpretes:

La batalla milenaria entre vampiros y licántropos continúa con fuerza. La legendaria guerrera vampira Selene se enfrenta a su mayor y más poderoso adversario, al tiempo que descubre un perturbador secreto que cambiará todo por lo que siempre luchó. Quince años han pasado desde que Selene y su amante Michael, híbrido entre humano y licántropo, derrotaran al Vampiro Mayor Marcus en Underworld Evolution. En esos años la humanidad ha descubierto la existencia tanto del clan de los vampiros como del de los licántropos y se ha lanzado a una lucha encarnizada para erradicar ambas especies. Selene, capturada durante el genocidio, se despierta después de más de una década y se da cuenta de que se encuentra cautiva en un laboratorio herméticamente cerrado en Antigen, una poderosa corporación biotecnológica que se dedica a desarrollar la vacuna en contra de los virus que han creado a vampiros y licántropos.

La saga formada por Underworld (2003), Underworld evolution (2006) y Underworld: La rebelión de los licántropos (2009) alcanza su cuarta entrega. Ambientada 15 años después de la conclusión de Underworld Evolution, este nuevo capítulo añade nuevos personajes y nuevas reglas a la historia. Además, los realizadores trasladan sus personajes de vampiros y licántropos a un mundo contemporáneo, dominado por los humanos y en el que ambas especies son perseguidas hasta el borde de la extinción, y a la mezcla le han añadido la emoción de la última tecnología de 3D.

Con otros compromisos pendientes, incluyendo la dirección de la próxima nueva versión de Desafío Total (Total Recall), el creador de la franquicia Len Wiseman decidió no dirigir la película, pero se ha mantenido muy cerca del proyecto como productor y como fuente de inspiración para el extraordinario argumento del filme. La que sí repite es Kate Beckinsale, que protagonizó las dos primeras entregas de la saga Underworld.

Con un incondicional de la serie como Wiseman sin poder hacerse cargo de la dirección, los productores se lanzaron a la búsqueda de alguien que pudiera llevar la dirección de esta nueva producción. Y buscando entre un gran número de directores jóvenes escogieron al equipo formado por los directores suecos Måns Mårlind y Björn Stein. Ambos codirigieron una película interesantísima titulada Storm (2005) y se conocen desde niños.

Ibiza occidente, 2011, 90 min. (España, Austria)
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[rating=0]

Dirección: Günter Schwaiger

En el Hollywood de la música electrónica, músicos, Djs, gogos y promotores trabajan en una sofisticada maquinaria de ocio para satisfacer los deseos de diversión, sexo y libertad de la acelerada sociedad occidental. Cada una de las «nueve y media historias musicales» representa un cierto aspecto del todo, sea de la isla o de nuestro mundo. Pero nunca se pretende poder contarlo todo. Es más bien un viaje con paradas, casi como una colección de relatos breves. La protagonista es la isla, su inspiración sin embargo la música. Porque en Ibiza, el punto cardinal donde convergen todos los ejes es la música.

Dirige el documental el austriaco Günter Schwaiger, quien estudió etnología y teatro en la Universidad de Viena. Después de vivir unos años en Roma y Milán llega a principios de los 90 a España para dedicarse al cine. Desde entonces ha dirigido una serie de cortometrajes y documentales, que han participado en Festivales, tanto nacionales como internacionales, donde han recibido numerosos premios. En 2005, recibe el Premio Especial de Artes y Cultura de la Ciudad de Salzburgo por Santa Cruz por ejemplo. En 2007 recibe por El Paraíso de Hafner el Primer Premio Tiempo de Historia para el mejor documental del Festival de Cine de Valladolid. En 2009 estrenó Arena, su documental sobre la tauromaquia en la Viennale, el Festival Internacional de Viena. El estreno estuvo envuelto en la polémica porque grupos internacionales antitaurinos intentaron impedir la proyección de la película.

Albert Nobbs, 2011, 113 min. (Reino Unido, Irlanda)
Emon
[rating=3]

Dirección: Rodrigo García
Intérpretes: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnson, Jonathan Rhys Meyers, Brendan Gleeson, Mark Williams, Janet McTeer, Pauline Collins, Brenda Fricker

Glenn Close interpreta a una mujer atrapada en un triángulo amoroso inusual. Disfrazada como hombre para poder trabajar y sobrevivir en la Irlanda del siglo XIX, unos 30 años después de adoptar el vestuario de un hombre, se encuentra perdida en una prisión propia. Mia Wasikowska, Aaron Johnson y Brendan Gleeson se incorporan también a un reparto internacional que incluye a actores como Jonathan Rhys Meyers, Janet McTeer, Brenda Fricker y Pauline Collins.

Rodrigo García dirige a partir de un guión que Glenn Close, junto con el novelista ganador del premio Man Booker y Gabriella Prekop, adaptó de un relato corto del autor irlandés George Moore. El cineasta colombiano García es hijo del gran escritor Gabriel García Márquez, y recordado por dirigir varios episodios de la serie de televisión A dos metros bajo tierra, así como por las interesantes cintas que conforman su filmografía, tales como Cosas que diría con sólo mirarla (2000), Nueve vidas (2005) o Madres & hijas (2009). Fue la película que completó el tributo que se le rendió a Glenn Close en el Festival de Cine de San Sebastián 2011 con la entrega del Premio Donostia.

Bunraku, 2011, 118 min. (USA)
Tripictures
[rating=0]

Dirección: Guy Moshe
Intérpretes: Josh Hartnett, Woody Harrelson, Gackt, Kevin McKidd, Ron Perlman, Demi Moore, Jordi Mollà, Emily Kaiho.

Bunraku combina el cómic con el spaghetti western, películas se samurais, vídeo juegos y mucho más, en un futuro alternativo. En un mundo sin armas de fuego, un misterioso viajero llega a una extraña ciudad en la que sus habitantes viven aterrorizados por el despiadado Nicola y su ejército de matones, encabezados por nueve asesinos mortales entre los que destaca el cruel Asesino nº 2. El viajero se ve forzado a confiar en un joven samurai, que busca restablecer el honor de su familia, y en el dueño del bar de la ciudad que ha estado esperando reunir a un equipo para acabar con el tiránico régimen de Nicola.

Bunraku toma su nombre de un espectáculo de marionetas japonés de unos 400 años de antigüedad, en el que varios titiriteros vestidos completamente de negro, se suben al escenario quedando visibles para el público y manejan marionetas de casi dos metros. Sobre el escenario también se encuentran el shamisen (un músico) y el narrador, que habla por cada una de las marionetas y añade importantes comentarios normalmente enmarcando el mensaje de la historia en un contexto que conecte con el mundo real en el que está el espectador. Además, el narrador también ofrece información sobre los personajes arquetípicos que existen en el ámbito de la historia de un género determinado.

Jack and Jill, 2011, 91 min. (USA)
Sony Pictures
[rating=0]

Dirección: Dennis Dugan
Intérpretes: Adam Sandler, Katie Holmes, Al Pacino, Allen Covert, Eugenio Derbez, David Spade, Nick Swardson, Geoff Pierson, Santiago Segura

Adam Sandler protagoniza los dos papeles titulares de la comedia Jack y su gemela. La vida de Jack era prácticamente perfecta, salvo un atormentador detalle: Jill, su hermana gemela. Cada año se ve obligado a tolerar la visita en Acción de Gracias de su agobiante hermana, que se especializa en poner sus vidas patas arriba en cuestión de días. Cuando la intrusión de fin de semana se alarga al mes, comienzan las típicas peleas, bromas y discusiones de hermanos gemelos. Cuando todo parece indicar que Jill se piensa quedar, Jack emplea sus artimañas con la esperanza de que Jill vuelva al lugar que le corresponde: al otro lado del país.

Santiago Segura también interviene como actor en esta película de Dennis Dugan, amigo de Sandler con quien ya ha trabajado en ocho ocasiones en películas como Un papá genial, Los calientabanquillos, Zohan: licencia para peinar y Niños grandes. A destacar la presencia de Al Pacino interpretándose a sí mismo.

The descendants, 2011, 110 min. (USA)
Hispano Foxfilm
[rating=3]

Dirección: Alexander Payne
Intérpretes: George Clooney, Judy Greer, Matthew Lillard, Beau Bridges, Shailene Woodley, Robert Forster, Nick Krause, Amara Miller, Mary Birdsong, Rob Huebel

La película se desarrolla en Hawái y sigue el imprevisible viaje que emprende una familia norteamericana en un momento crítico. Matt King, casado y padre de dos niñas, se ve obligado a reconsiderar su pasado y a encauzar su futuro cuando su mujer sufre un terrible accidente de barco en Waikiki. Matt intenta torpemente recomponer la relación con sus hijas –la precoz Scottie, de 10 años, y la rebelde Alexandra, de 17–, al mismo tiempo que se enfrenta a la difícil decisión de vender las tierras de la familia. Herencia de la unión entre la realeza hawaiana y los misioneros, los King poseen algunas de las últimas zonas vírgenes de playa tropical de las islas, de un valor incalculable. Cuando Alexandra suelta la bomba de que su madre tenía una aventura amorosa en el momento del accidente, Matt tiene que empezar a mirar con ojos nuevos toda su vida, por no hablar de su herencia, durante una semana plena de cruciales decisiones. Con sus hijas a cuestas, Matt se embarca en la azarosa búsqueda del amante de su mujer. A lo largo del camino, donde se van alternando encuentros divertidos, conflictivos y trascendentales, Matt comprende que por fin se halla en la buena dirección para reconstruir su vida y su familia.

Matt King, interpretado por George Clooney, responde al tipo de personaje característico de anteriores películas de Alexander Payne, un individuo imperfecto que busca su lugar en un mundo enloquecido, con sus agridulces emociones y sorpresas; no es ni un héroe ni tampoco un antihéroe. Basada en la novela escrita por Kaui Hart Hemmings, Alexander Payne, reponsable de Entre copas, Election o A propósito de Schmidt, se encargó del guión en colaboración con el equipo creativo compuesto por Nat Faxon y Jim Rash. Espléndidos actores, aún miembros de la compañía Groundling Theater, Faxon y Rash habían sido los autores de un guion muy ponderado, Camino a la libertad.

Black gold, 2011, 124 min. (Francia, Italia, Qatar)
Universal Pictures
[rating=0]

Dirección:Jean-Jacques Annaud
Intérpretes: Tahar Rahim, Antonio Banderas, Mark Strong, Freida Pinto, Riz Ahmed, Akin Gazi, Liya Kebede

Principios del siglo XX, Arabia. Bajo el implacable cielo del desierto, dos jefes tribales se declaran la guerra y se enfrentan. Los cuerpos de sus guerreros quedan esparcidos por el campo de batalla. Nesib, emir de Hobeika, es el vencedor e impone las condiciones a su rival Amar, sultán de Salmaah. Aceptan no intentar hacerse con la tierra de nadie que separa los dos reinos, conocida como Franja Amarilla. Como garantía, y de acuerdo con las leyes tribales de entonces, Nesib «adoptará» o, mejor dicho, se llevará como rehenes a los dos hijos de Amar, llamados Saleeh y Auda. Pasan los años, y Saleeh, que es un guerrero nato, se muere de ganas de escapar de la jaula dorada en la que está encerrado y regresar a las tierras de su padre. Sin embargo, a Auda solo le importan los libros y el conocimiento. Un día, llega un empresario de Texas para ver a Nesib, y le cuenta al emir que hay petróleo en sus tierras. Le promete riquezas que van mucho más allá de lo que pueda imaginar.

El cineasta Jean-Jacques Annaud dirige esta película que transporta al espectador directamente al desierto de Arabia como no se ha hecho desde la era dorada del cine. Annaud triunfó con En busca del fuego, El nombre de la rosa, El oso o El amante, y fue decayendo con Siete años en el Tibet, Enemigo a las puertas, Dos hermanos o Su majestad Minor. La película reúne a 74 actores procedentes de doce países, la mayoría del mundo árabe. Para los papeles secundarios se escogió a actores de Túnez, Egipto, Marruecos, Argelia, Catar, Somalia y Líbano para aportar la autenticidad que buscaban los cineastas.

Silencio en la nieve, 2011, 114 min. (España, Lituania)
Alta Classics
[rating=0]

Dirección: Gerardo Herrero
Intérpretes: Juan Diego Botto, Carmelo Gómez, Jordi Aguilar, Víctor Clavijo, Francesc Orella, Sergi Calleja, Adolfo Fernández, Andrés Gertrúdix, Manu Hernández, Toni Hernández, Javier Mejía

Frente de Rusia, invierno de 1943. Un batallón de la División Azul se topa con una serie de cabezas de caballos esparcidas sobre la superficie congelada de un lago. Los cuerpos están sumergidos bajo el hielo. Montado sobre uno de los caballos, el cadáver de un soldado español. Un tajo le atraviesa el cuello de lado a lado, y en el hombro tiene una inscripción grabada a cuchillo: «Mira que te mira Dios«. Los mandos encargan la investigación al soldado Arturo Andrade, exinspector de la policía, que asume la tarea con rigor y profesionalidad. Arturo cree que el asesinato está relacionado con la masonería. Hay también una segunda hipótesis: que la víctima fuera un agente prosoviético infiltrado en la División, y el «Mira que te mira Dios» una advertencia a otros posibles colaboracionistas.

Dirige Gerardo Herrero, más prolífico y premiado como productor, entre cuyos trabajos como director cabe recordar El corredor nocturno (2009), Heroína (2005), Las razones de mis amigos (2000), Frontera Sur (1998), Territorio Comanche (1997) o Desvío al paraíso (1994).

Schatten der zeit, 2004, 110 min. (Alemania)
Divisa Pictures
[rating=0]

Dirección: Florian Gallenberger
Intérpretes: Tanishta Chatterjee, Prashant Narayanan, Tilotama Shome, Irfan Khan, Tumpa Das, Sikandar Agarwal

India, antes de la indepedencia: un taller de fabricación de alfombras cercano a Calcutta. Para Ravi y Masha, que se ven obligados a trabajar como operarios infantiles, es el comienzo de una trágica historia de amor. Consciente de que el dinero marca la diferencia entre ser libre o esclavo, el ambicioso y decidido Ravi se esfuerza para promocionarse, desde la condición de simple operario, hasta el puesto del mejor urdidor de alfombras, y ello con un único objetivo: abandonar el taller. Sin embargo, cuando el chico se entera de que el director del taller se propone vender a Masha a un proxeneta, Ravi emplea todos sus ahorros en comprar la libertad de Masha. Antes de marcharse, la chica le promete esperarlo en el mayor templo de Shiva de Calcuta todas las noches de luna llena. Años más tarde, un joven abandona el taller para dirigirse al templo. Masha, que se ha convertido en una cotizada bailarina en un burdel de la localidad, también se llega hasta el recinto sagrado con la esperanza de ver llegar a Ravi. Empero, el destino parece conspirar contra el idilio de los jóvenes, que no logran verse. Desafiantemente romántica, emotiva en grado sumo, esta épica historia de amor evoca los tiempos en que las pasiones profundas dominaban el cine y subyugaban por igual a los amantes desgraciados y a las audiencias entregadas..

Primer largometraje dirigido por el guionista y director alemán Florian Gallenberger, quien comenzó como actor infantil y es autor del corto Quiero ser (2000), con el que ganó un Oscar. Fue su primer largo en solitario al que siguió John Rabe (2009), película biográfica que relata la historia de un empresario alemán que salvó más de 200.000 chinos utilizando sus contactos en el partido Nazi durante la masacre de Nankín cometida por el Ejército Imperial Japonés, aliado de la Alemania nazi, tras la batalla de Nankín de 1937.

Juan de los muertos, 2011, 96 min. (España, Cuba)
Avalon
[rating=1]

50 años después de la Revolución Cubana, otra nueva Revolución llega a La Habana. Una misteriosa infección está convirtiendo a sus habitantes en muertos vivientes sedientos de carne humana. Juan, como buen cubano, decide montar un negocio para sacar partido de la situación: «Juan de los Muertos, matamos a sus seres queridos». Eliminando a los infectados, Juan y sus amigos comienzan a hacer fortuna. Sin embargo la situación se complica cada vez más. Nadie sabe de donde proviene la infección ni mucho menos cómo acabar con ella, mientras el gobierno cubano insiste en que son disidentes pagados por los Estados Unidos para acabar con la Revolución. Muy a su pesar, Juan se va a convertir en un nuevo héroe.

Comedia de zombies, coproducida entre Cuba y España, dirigida por Alejandro Brugués (1976), quien asegura de desde niño ha sido seguidor de las películas de zombies (asegura que la segunda película que vio en mi vida fue Evil Dead, de Sam Raimi). Brugués, de nacionalidad cubana, se formó en la Escuela Internacional de Cine y TV de San Antonio de los Baños (Cuba). Fue guionista de varias películas cubanas y forma parte de la productora independiente Producciones La 5ª Avenida. Es su segundo largo tras Personal Belongings.

La chispa de la vida, 2011, 98 min. (España)
Alta Classics
[rating=3]

Dirección: Álex de la Iglesia
Intérpretes: José Mota, Salma Hayek, Juan Luis Galiardo, Blanca Portillo, Fernando Tejero, Carolina Bang, Joaquín Climent, Eduardo Casanova, Santiago Segura, Manuel Tallafé, Juanjo Puigcorbé, Antonio Garrido

Roberto, un publicista en paro, es rechazado por todas las agencias en las que solicita trabajo. Su situación económica es desesperada. Ya nadie valora que fuera el creador del archiconocido slogan «la chispa de la vida» de Coca-Cola. Todo cambia cuando de pronto sufre un accidente que le hace debatirse entre la vida y la muerte. Queda atrapado de tal forma que ni el Samur, ni los bomberos, ni siquiera los médicos se ponen de acuerdo en cómo rescatarlo. Lo absurdo y dramático del suceso provoca el interés de los medios de comunicación. El protagonista decide aprovechar su experiencia como publicista para explotar la situación, convirtiéndola en un espectáculo mediático. Para ello contrata a un representante. La idea es simple: Vender la exclusiva a las televisiones y solucionar para siempre el futuro de su familia. Luisa, su mujer, llega al lugar del accidente y asiste impotente al espectáculo que se ha generado alrededor de su marido. Intenta convencerle de que desista de su idea, pero la obsesión de Roberto por conseguir la exclusiva es cada vez mayor. Sin embargo, las negociaciones con las televisiones se eternizan, los intereses afloran y el rescate se complica. ¿Conseguirá el protagonista salvar su vida? ¿Preferirá dar la vida a cambio del dinero?

Pocos meses depués de su anterior película, Balada triste de trompeta, Álex de la Iglesia estrena esta cinta protagonizada por José Mota y Salma Hayek. El propio director ha vuelto a encargarse de elaborar el guión, esta vez una adaptación de un guión original de Randy Feldman.

The darkest hour, 2011, 91 min. (USA, Rusia)
Hispano Foxfilm
[rating=0]

Dirección: Chris Gorak
Intérpretes: Emile Hirsch, Max Minghella, Olivia Thirlby, Rachael Taylor, Joel Kinnaman

Cinco jóvenes que se encuentran en Moscú abandonados a su suerte, luchan por sobrevivir después de un devastador ataque extraterrestre. Llegados en medio de una misteriosa tormenta eléctrica, los jóvenes empresarios de Internet Sean y Ben aterrizan, en pos de sus sueños empresariales, en el centro económico internacional de la vibrante capital rusa, rebosante de dinero nuevo pero también de prácticas comerciales carentes de todo escrúpulo. Las viajeras Natalie y Anne, que se han quedado tiradas en Moscú por culpa de una escala imprevista cuando iban de camino al Nepal, aprovechan la situación al máximo buscando aventuras en una de las capitales mundiales de la vida nocturna.

Thriller rodado en 3D especialmente esforzado en mostrar Moscú al tiempo y ofrecer espectaculares efectos especiales. La cinta es fruto de las mentes del imaginativo realizador Timur Bekmambetov (Wanted, Guardianes de la Noche), que ejerce como productor, y del director Chris Gorak, en su segundo trabajo detrás de las cámaras tras En la puerta de casa.

Las olas, 2011, 95 min. (España)
Barton Films
[rating=0]

Dirección: Alberto Morais
Intérpretes: Carlos Álvarez-Novoa, Laia Marull, Marthe Villalonga, Sergio Caballero, Ibrahim Barsidi, Armando Aguirre

Miguel emprende un camino que lleva esperando sesenta años, desde Valencia hasta un pequeño pueblo en el sur de Francia llamado Argelès -sur -Mer, última parada de miles de refugiados hace no demasiado tiempo. Atravesando en su viejo coche un presente desconocido y un pasado arrinconado, busca una cierta reconciliación personal, pero también histórica.

Ganadora en Festival de Cine de Moscú del Premio San Jorge a la mejor película, mejor actor (Carlos Álvarez-Novoa) y el Premio de la Fipresci, Las olas es el primer largometraje de ficción de Alberto Morais, tras su documental Un lugar en el cine (2007). El director hacer referencia a este trabajo como fuente de inspiración ya que, según recuerda «hace cinco años me encontraba en la playa de Ostia, cerca de Roma, entrevistando a Theo Angelopoulos. En el curso de esa entrevista el cineasta griego respondió a una pregunta cuya respuesta encerraba, sin yo saberlo, el germen de Las olas: Dialogar con la Historia es dialogar con uno mismo«.

The girl with the dragon tattoo, 2011, 158 min. (USA, Suecia, Reino Unido, Alemania)
Sony Pictures
[rating=2]

Dirección: David Fincher
Intérpretes: Daniel Craig, Rooney Mara, Robin Wright Penn, Stellan Skarsgård, Christopher Plummer, Embeth Davidtz, Joely Richardson, Goran Visnjic

Mikael Blomkvist es un periodista financiero dispuesto a restaurar su honor tras ser declarado culpable por difamación. Contactado por uno de los empresarios más ricos de Suecia, Henrik Vanger, para llegar al fondo de la desaparición muchos años atrás de su querida sobrina Harriet – asesinada, según cree Vanger, por uno de los miembros de su familia numerosa – el periodista llega a una isla remota de la congelada costa sueca sin saber lo que allí le espera. Simultáneamente, Lisbeth Salander, una inusual pero ingeniosa investigadora de Milton Security, es contratada para averiguar los antecedentes de Blomkvist, una tarea que en última instancia la lleva a unirse a Mikael en su investigación sobre el asesinato de Harriet Vanger. Aunque Lisbeth se protege de un mundo que la ha traicionado una y otra vez, sus habilidades de hacker y su capacidad de concentración y determinación inquebrantable, la hacen imprescindible. Mientras Mikael se enfrenta cara a cara con los herméticos Vanger, Lisbeth trabaja en la sombra. Ambos comienzan a trazar una cadena de homicidios desde pasado hasta el presente, forjando un frágil hilo de confianza, aún siendo arrastrados hacia una de las corrientes más salvajes del crimen contemporáneo.

Adaptación americana de la primera entrega de la trilogía Millennium, del sueco Stieg Larsson, que ya tuvo una versión autóctona de notable éxito. El encargado de esta nueva adaptación es David Fincher tras el triunfo de La red social (2010) y cuya filmografía está forjada de éxitos como El curioso caso de Benjamin Button (2008), Zodiac (2007), La habitación del pánico (2002), El club de la lucha (1999), The Game (1997), Seven (1995) y Alien 3 (1992). Fincher y el guionista Steven Zaillian han procurado mantenerse fieles a la inquebrantable mirada de Larsson sobre la corrosión corporativa, social y personal que enfrentan Mikael y Lisbeth según se adentran en las profundidades del misterio de la desaparición de Harriet Vanger.

Objeto encontrado, 2011, 87 min. (España)
[rating=0]

Dirección: César Martínez Herrada
Intérpretes:

Documental que narra la vida y obra de Antonio Pérez, personalidad relevante de la cultura española por su relación con los principales acontecimientos artísticos y sociales acontecidos en España desde principios de los años cincuenta. Personaje singular, Antonio Pérez desarrolla una interesante actividad como artista-editor-coleccionista. Es precisamente es faceta de «buscador de objetos», la que le equipara a artistas contemporáneos como Duchamp. Las palabras de su amigo Juan Marsé: «Coleccionista de amigos y cosas singulares, llamado también el Anda-ríos por haberse pateado largas tiras de la piel de España”, definen muy bien a Antonio Pérez y dan forma a la estructura de este documental que recorre esas «tiras» de la historia y la cultura desde los años cincuenta hasta nuestros días.

La película cuenta con la intervención de personalidades del mundo de la cultura, amigos del retratado Antonio Pérez, como Andrés Trapiello, Luis Gordillo, Juan Marsé, Miquel Barceló, J.M. Caballero Bonald, Ángeles Saura, Elvireta Escobio o Roberto Bodegas entre otros.

The collector, 2009, 88 min. (USA)
Lauren Films
[rating=0]

Dirección: Marcus Dunstan
Intérpretes: Madeline Zima, Andrea Roth, Daniella Alonso, Robert Wisdom, Diane Ayala, Josh Stewart, Michael Reilly Burke

Para el manitas y ex-timador, Arkin, un hogar tranquilo y una familia de vacaciones es una «oportunidad». Porque en el interior de la casa hay una caja fuerte con joyas, y dentro de la caja hay una rara gema, -su única esperanza para pagar la deuda de su ex esposa y mantener intacto lo que queda de su familia-. Desgraciadamente para Arkin, dentro de la casa hay también una caja que contiene el último espécimen de una colección catalogada como sangre, huesos y lágrimas –un espécimen humano denominado «cebo».

Producción de terror dirigida por el debutante Marcus Dunstan, guionista de películas como Saw V, Saw VI, Saw VII.

Tahrir 2011, 2011, 90 min. (Egipto, Francia)
El Documental del Mes
[rating=0]

Dirección: Tamer Ezzat, Ayten Amin y Amr Salama

25 de enero de 2011. Cuando los egipcios se levantaron aquella mañana, ninguno de ellos imaginaba que una manifestación de un solo día programada en festivo en la Plaza Tahrir de El Cairo sería el desencadenante de una revolución absoluta que acabaría con más de 30 años de gobierno totalitario. Durante los 18 días que siguieron al 25 de enero de 2011, el mundo vió cómo millones de egipcios se unían en marcha contra la injusticia, la pobreza y la corrupción. La historia de una revolución gestada y liderada por la llamada «generación Facebook», que ha marcado un antes y un después en muchos de los países vecinos sometidos a regímenes antidemocráticos.

Los directores son 3 jóvenes egipcios, Tamer Ezzat, Ayten Amin y Amr Salama, con una corta pero reconocida experiencia en la dirección de documentales y de cine de ficción independiente. Algunas de sus obras más reconocidas son Everything is gonna be alright! (2005) y The place I call home (2009), de Tamer Ezzat; Her man (2006), de Ayten Amin o Zay el Naharda, de Amr Salama. Los tres participaron activamente en la revolución que Tahrir 2011 retrata.

Bucle, 2011, 85 min. (España)
[rating=0]

Dirección: Héctor Zerkowitz
Intérpretes: Estel Solé, Rikard Gil, Carla Perez, Ivana Miño

¿Qué pasa cuando una pareja de recién casados llega a la suite del hotel, de madrugada tras su boda? ¿Son tontos los hombres que sostienen su fidelidad pese a la evidencia, o sólo creen que las tontas son ellas? ¿En qué estarán pensando esas parejas que, en el restaurante, permanecen sin hablarse toda la cena?

Es el primer largometraje del realizador independiente Héctor Zerkowitz. La película recoge ocho historias sobre ese amor, a la vez inmaduro y marchito, que provocan la pereza y sobre todo la incomunicación entre los treintañeros barceloneses, capaces de sentirse perdidos en una ciudad que les queda pequeña. No exenta de humor, «Bucle» repasa esas situaciones aparentemente anodinas que marcan para siempre las relaciones.