Categoría: Libros 2014

Con catorce largometrajes y una treintena de cortometrajes documentales y de ficción, casi tres mil programas culturales para la televisión alemana, cerca de cuatro mil páginas literarias y otras tantas en clave de ensayo, la obra de Alexander Kluge atestigua su infatigable obsesión por el cuidado de ese vital ámbito de intercambio que llamamos esfera pública. Discípulo y heredero de la teoría crítica de la Escuela de Frankfurt, Kluge trabaja en pos de un nuevo tipo de Ilustración, que asuma los fracasos y virtudes de su propia tradición y construya su destino conjugando el impulso de la razón con la determinación de la sensibilidad y las emociones. De este modo, la esfera pública a la que Kluge consagra su labor de arquitecto es un jardín en el que la literatura, la música y las imágenes cooperan codo a codo, en el que la poética acompaña a la teoría para construir los puentes de la confianza que posibilita el pensamiento en comunidad. El contexto de un jardín. Discursos sobre las artes, la esfera pública y la tarea de autor, reúne intervenciones realizadas por Kluge entre 1989 y 2012; en su mayoría, discursos pronunciados al recibir algunos de los tantos premios literarios con los que fue galardonado, y discursos laudatorios o fúnebres en ocasión del homenaje o fallecimiento de figuras prominentes de la cultura alemana. Cuando pondera la herencia intelectual de pensadores como Kant, Marx, Adorno o Habermas, cuando recupera el espíritu de la literatura de Lessing, Goethe, Schiller o Heinrich Böll, cuando rinde homenaje a artistas como Heiner Müller, Christoph Schlingensief o Anselm Kiefer, cuando discurre sobre la ópera, el cine, la televisión y las artes visuales, Kluge invoca una extensa partitura escrita a través de los tiempos, un dúctil tejido de alianzas involuntarias en el que se acumulan las reservas de fantasía social necesarias para orientarnos en el laberinto de la cruda realidad.

El contexto de un jardín. Discursos sobre las artes, la esfera pública y la tarea de autor, de Alexander Kluge. La Caja Negra. 2014.

Prisma se compone de los apuntes que Abel Gance va tomando desde 1908 a 1929, es decir en sus años explosivos, sus años de fuego, por no decir, lo que sería exacto pero acotado, sus años nietzscheanos. Su escritura, poliedro de mil facetas, se sostiene en la paradoja: un espíritu romántico en un mundo moderno, un hombre que existe en la demasía y en el demasiado, que busca atravesarse a sí mismo para ascender… ¿hacia dónde?… hacia las estrellas que pretende la alegría divina a través del sufrimiento, en fin que multiplica las paradojas en la espiral. ¿Cómo transmutar de alma atormentada en tormenta del alma? ¿Cómo pasar de la rueda a la espiral?.

Prisma. Apuntes de un cineasta, de Abel Gance. Editorial Cactus. Buenos Aires, Argentina. 2014

Mueren las luces y otra vida se enciende. ¿Qué hay en ese lienzo tan repentinamente activo? Según se mire: unas figuras ficticias, una vulgar radiación o, para los líricos, la materia con que se tejen los sueños. Ésa es la materia de esta obra: un sueño de carne y hueso. Aquí hallaremos la aproximación más física a las entrañas del oficio cinematográfico. También a quienes lo ejercen: los célebres, los anónimos, los artistas, los artesanos, los iluminados o los eclipsados por los focos En el principio era un accidente que se transmutó en palabras, puro texto. Después, frente a la cámara, llega la hora de una acción aún discontinua y caótica que cobrará sentido sobre la mesa de montaje. Luego vendrá el espectador, juez supremo. ¿Qué ve en este caso? La España gris (y a veces negra) de los sesenta, un mundo cerrado que, sin embargo, se abre a dichas tenaces. Un profesor de inglés averigua que John Lennon está en Almería. Quiere conocerlo y hacia allí enfila su 850. Dos jóvenes le salen al paso: ambos huyen de algo, cada uno (como todos) con su propia huida a cuestas. El camino será, una vez más, destino. Así arranca la historia cuya historia nos cuenta este pequeño gran libro.

Vivir es fácil con los ojos cerrados. Cuaderno de rodaje y guión, de David Trueba. Editorial Malpaso. 2014

Este libro despliega ante el lector un doble itinerario. En el primero, constituido por los textos de inicio (Travesía I) y fin (Travesía II), se habla de las determinaciones históricas, teóricas e ideológicas que cimentaron la labor crítica del autor desde comienzos de los años setenta del pasado siglo a la actualidad, así como del origen biográfico en el que su mirada a la pantalla de cine pudo convertirse en visión tras un largo aprendizaje. De ello da cuenta el segundo itinerario en el que el recorrido por diferentes regiones del cine de Hollywood, desde sus orígenes hasta la actualidad, diseña una posición crítica ante el mismo, con el objetivo de auspiciar un espectador activo y capaz de desenmascarar las propuestas de una industria del espectáculo cuya característica esencial siempre ha sido la manipulación emocional de las conciencias.

Hollywood. El espejo pintado (1910-2011), de Juan Miguel Company. Editorial Puv. 2014

Imágenes narradas. Cómo hacer visible lo invisible en un guión de cine aborda la escritura de guiones desde una perspectiva nueva. La mayor parte de los guionistas centran toda su energía en lograr que funcione la trama, la estructura y los diálogos y se olvidan de la enorme capacidad expresiva de las imágenes, pese a que esta es la esencia del lenguaje audiovisual. El presente libro anima al guionista a ser consciente de su condición de cineasta, más allá de su papel de contador de historias. Le proporciona herramientas para saber proyectar en papel su «película soñada» y que sus lectores sean capaces de «verla» antes de que llegue a ser rodada. Coral Cruz (Santoña, 1973) es licenciada en Periodismo y graduada en la especialidad de Guion por la ECAM. Ejerce de guionista, profesora de Guion de la Facultad de Comunicación Blanquerna y hace catorce años que se dedica profesionalmente al Desarrollo de proyectos audiovisuales. Ha sido directora de Canal+ Guiones, coordinadora en España de Equinoxe y Mediterranean Film Institute y también responsable del Área de Contenidos del Centro de Desarrollo Audiovisual del ICIC. Entre sus trabajos más destacados como editora de guiones se encuentran Pa negre (9 premios Goya), La teta asustada (Oso de Oro en Berlín y nominada a los Óscar como Mejor Película de Habla no inglesa) y La vida de los peces (ganadora del Goya a la Mejor Película Iberoamericana).

Imágenes narradas. Cómo hacer visible lo invisible en un guión de cine, de Coral Cruz. Laertes editorial. 2014.

La editorial Confluencias publica el libro Akira Kurosawa «No lo comprendo, no lo comprendo». Se trata de un pequeño volumen que recopila tres entrevistas con el director japonés. En la primera, de los años 60, Kurosawa repasa una a una todas sus películas hasta ese momento con el mayor experto occidental de cine japonés. La segunda es un concienzudo cuestionario sobre cómo se puede hacer cine en Japón, sus comienzos en la profesión, su vida y sus pensamientos, de la mano de Nagisa Oshima, el director de El imperio de los sentidos. Cierra el volumen la entrevista que Gabriel García Márquez le hizo a Kurosawa en 1991, encuentro de dos maestros, en la que García Márquez se desvela como un rendido admirador del cineasta japonés.

La editorial Shangrila publica el libro Cine, cineasta. Notas sobre la imagen escrita, de Marcel Hanoun (Túnez, 1929 – Créteil, 2012). Cineasta en pie de guerra con la industria del cine comercial que adormece la conciencia de sí, esto es, de los propios poderes. Hace la guerra haciendo, de la cámara, un ojo sensible a los umbrales, los márgenes y las mareas. Actor, guionista y productor, esto es, creador integral. Aviador profesional con vocación de riesgo, así en el cielo como en la tierra. Creyó en el filme como una obra en perpetua e interminable construcción, compartida con un espectador activo. En la imagen como un gesto político, sin carné partidario ni pretensiones pedagógicas. Y en la palabra como otra forma del acto de mirar, preferiblemente hacia adentro, para interrogarnos quiénes somos y de qué seremos capaces. Rodó en todos los soportes que estuvieron a su alcance, para indagar qué había del otro lado de un espejo. Dejó este puñado de Notas sobre la imagen escrita como preguntas a bordo de un tren, o dibujos al borde del mar. Creyó en la memoria como una red en la que atesorar dibujos o preguntas, puestos a salvo del vértigo de la velocidad y del avance lento e inflexible del agua. Leer estas notas es recordar cuánto se puede tocar, demoler y reconstruir, sin extender las manos ni mover los pies, al abrir, y también al cerrar, los ojos. Su reflexión a través de la escritura enriqueció su creación fílmica y lo acompañó en una trayectoria a la vez compleja y ascética, exigente. En la década de los sesenta estuvo en España donde realizó una serie de significativos documentales hasta llegar a la importante e innovadora Octubre à Madrid (1967). Desde entonces, España fue para Hanoun un lugar para la amistad y acogió siempre en su casa, con cariño y generosidad, a los cineastas que desde nuestro país se acercaron para conocer de primera mano su magisterio. Y es esa generosidad suya, tan afable y sincera, la que lo convierte en una rara avis de la fauna cinematográfica.

Andréi Tarkovski, uno de los directores soviéticos más aclamados por la crítica mundial, estrenó en 1972 su adaptación de la novela de Stanislaw Lem, Solaris, una historia de ciencia ficción que se convirtió en su película más conocida fuera de la Unión Soviética. La escurridiza frontera entre la realidad y la ilusión o los límites del conocimiento humano y al mismo tiempo su grandeza, son algunos de los temas que el director aborda en esta película de tempo moroso y cuidada fotografía y puesta en escena, en la que están presentes buena parte de los recursos estilísticos y narrativos característicos de su director. Olga Osorio es doctora en Humanidades (Premio Extraordinario) por la Universidade da Coruña y licenciada en Ciencias da Información, rama Periodismo, por la Universidad Complutense de Madrid. Profesora del área de Comunicación Audiovisual de la facultad de Ciencias da Comunicación y de Procesos y Medios de Comunicación en el IES Imaxe e Son de A Coruña, cuenta además con una amplia experiencia profesional en el sector audiovisual y de la comunicación.
Solaris (Solyaris) Andrei Tarskovski (1972) (Guías para ver y analizar), de Olga Osorio. Nau Llibres (Edicions Culturals Valencianes). 2014

Almodóvar y Freud es un libro sobre el placer, en el cual ambos autores son tratados de una forma no jerarquizada, es decir, lejos de cualquier intento de aplicación de la teoría psicoanalítica a la obra del cineasta. No se trata de psicoanalizar al autor, ni a sus personajes, ni el sentido de su obra. Por el contrario el interés es encontrar las correspondencias que unen a estos dos autores, quienes a contrapelo de ciertas versiones respetables y tranquilizadoras sobre el placer, han asumido su complejidad más allá de la moral y de las formas de organización social declaradas o implícitas de su tiempo. Se trata de rastrear una postura intelectual en Freud, quizás un gesto estético en Almodóvar que podrían entenderse dentro del pensamiento de la negatividad ya que el potencial subversivo de Freud y de Almodóvar puede leerse en esa veta: son autores posicionados en la negatividad. Karen Poe Lang es doctora en Estudios Culturales. Trabaja como investigadora y profesora catedrática en la Universidad de Costa Rica. Es coordinadora del Programa de Maestría en Cinematografía e imparte cursos de Teoría del Cine y Teoría Psicoanalítica. En su primer libro Boleros (Heredia: EUNA, 1996) realiza un estudio semiótico y psicoanalítico de ese género musical y literario. Su segundo libro, Eros pervertido. La novela decadente en el modernismo hispanoamericano (Madrid: Biblioteca Nueva, 2010) obtuvo el Premio de Ensayo Academia Costarricense de la Lengua en 2012. Es autora de más de 50 artículos sobre cine, literatura y arte en el ámbito de las culturas hispanoamericana y española. En colaboración con Esther Gimeno está editando el libro Representaciones del mundo indígena en el cine latinoamericano contemporáneo.

Almodovar y Freud, de Karen Poe. Laertes editorial. 2014

Considerado uno de los grandes nombres de la cinematografía universal, Yasujiro Ozu goza de un amplio reconocimiento en su país, donde la crítica ha valorado su obra como fiel testimonio de los valores más genuinos y autóctonos de su tradición, con un estilo tan estilizado y depurado como inconfundible.
Yasujiro Ozu. El tiempo y la nada, de Jordi Puigdoménech López. Ediciones JC. Colección Directores de cine, Número 73. 2014.

Youssef Chahine: el fuego y la palabra. Oso de Plata en el Festival de Berlín, Premio Especial del Cincuentenario en el Festival de Cannes, Tanit de Oro en las Jornadas Cinematográficas de Cartago por el conjunto de su obra, Premio Nacional de las Artes en su país…, el Festival de Granada Cines del Sur ha estimado ahora coherente recuperar para nuestro público -y quizá para nuestros especialistas- la trayectoria de Youssef Chahine por medio de una cuidada retrospectiva y del volumen de los cines árabes y de las cinematografías del Sur.

Youssef Chahine: el fuego y la palabra, de Alberto Elena.Editorial Berenice. 2014.

Con un ritmo de lectura trepidante —digno de las mejores novelas de acción y haciendo honor al protagonista de estas páginas—, Simón Peña Fernández nos ofrece en El reportero Billie Wilder: El retrato ácido y nostálgico del periodismo en El Gran Carnaval y Primera Plana una semblanza de los comienzos de este gran cineasta como reportero de a pie por las calles de Viena y de Berlín, retratando las prácticas de ese periodismo canalla que años más tarde plasmaría en dos de sus mejores creaciones cinematográficas: El Gran Carnaval y Primera Plana. El autor nos sumerge en la época dorada del periodismo estadounidense y nos desvela cómo la imagen fílmica que Wilder construyó sobre la prensa de los años veinte y treinta, bebía de las experiencias vividas en carne propia en sus años de juventud en Europa —allí era Billie, y no Billy. Sus películas y su trayectoria personal nos transmiten una imagen certera de las íntimas relaciones establecidas entre el periodismo y el poder político de la época, hilvanadas como una mutua dependencia, donde poco importan las bajezas en las que caigan los medios y la precariedad en la que vivan los periodistas si su pluma tiene la capacidad de desenmascarar la corrupción y castigar a los culpables.

El reportero Billie Wilder: El retrato ácido y nostálgico del periodismo en El Gran Carnaval y Primera Plana, de Simón Peña Fernández. Comunicación Social Ediciones y Publicaciones. 2014.

Andy Warhol quizá sea el artista más popular del siglo XX. Pero su cine, al que se dedicó intensamente a partir de 1963, cuando entraba en el período más notorio de su carrera como pintor, sigue siendo desconocido para el gran público. In­fluido inicialmente por las películas de Ron Rice y Jack Smith, Warhol pronto encontró su propia voz en una serie de películas minimalistas (Sleep, Empire) que lo convertirían en pionero del estructuralismo cinematográfico. Sin renunciar a sus presupuestos artísticos, alcanzó el éxito comercial con My Hustler y Chelsea Girls. Reconocido como innovador, podemos rastrear su huella tanto en el cine formal más radical como en, al otro lado del espectro, las gamberradas del cine punk o espacios televisivos como Gran Hermano y similares. La etapa muda de Warhol se presta a la conceptua­lización, y el concepto resulta atractivo y útil para el análisis crítico-teórico. Este libro ofrece un paseo por la materialidad de las películas de Warhol, lejos de enfoques conceptuales que utilizan las películas más como pretextos para el debate teórico que como textos para el análisis crítico.

Andy Warhol, de Alberte Pagán. Editorial Cátedra. Colección Signo e Imagen – Signo e Imagen. Madrid, 2014

Esta obra amplía nuestra comprensión del creador de obras maestras del cine como El acorazado Potémkin, La huelga o Iván el Terrible. Pero más allá de esta comprensión Memorias inmorales revela, como no lo hizo ninguna otra de sus obras antes publicadas, la esencia de Eisenstein: su personalidad mercurial, la asombrosa amplitud de sus viajes y relaciones, los procesos creadores de su singular imaginación, su papel en la Revolución rusa y en la construcción de la sociedad que surgió después. Porque Memorias inmorales es mucho más que una memoria altanera. Es un vívida, excéntrica y vital excursión al alma de un genio que recibió la más rara de todas las oprotunidades artísticas: la posiblidad de crear no sólo un conjunto de trabajos, sino toda una nueva forma de arte. Escritas en un estilo altamente emocional y asociativo, reminiscente de sus técnicas cinematográficas de montaje, Memorias inmorales es una fiesta para los sentidos, tanto como para el intelecto.

Memorias inmorales. Autobiografía, de Sergei Eisenstein. Editorial Torres de papel, 2014

Tex Avery sigue siendo, hoy en día, un cineasta relativamente poco conocido, y aún menos estudiado, como de hecho lo son, salvo algunos casos muy concretos, la mayoría de los realizadores cinematográficos que han escogido el arte de la animación como medio de expresión. El cine de Avery jugaba con elementos de la cultura popular y contaba historias humorísticas dirigidas a un amplio y heterogéneo público, no necesariamente infantil como erróneamente se tiende a creer. Avery fue un director de «cartoons», cortometrajes de animación destinados a ser proyectados en la gran pantalla de una sala cinematográfica como prólogo a las películas de largometraje con actores reales. En definitiva, la de Tex Avery no es una obra aislada e intrascendente dentro del contexto de la historia del cine de animación, sino que representa una de las influencias más poderosas y significativas en la filmografía de un considerable número de animadores y realizadores tanto contempo­ráneos como posteriores a él.

Tex Avery, de Cruz Delgado Sánchez. Editorial Cátedra. Colección Signo e Imagen – Signo e Imagen. Cineastas. Madrid, España, 2014