Categoría: Cannes 2017

Pierre Lescure, presidente del Festival de Cine de Cannes anuncia a través de un comunicado el cambio de fechas de la celebración de su 71 edición, que se adelanta un día y será del próximo 8 al 19 de mayo, para impulsar su visibilidad. El pasado mes de junio, se anunció que el Certamen iba a tener lugar entre el 9 y el 20 de mayo. El nuevo calendario, según la nota, permite reequilibrar las dos semanas de duración y dinamizar su desarrollo. «El Festival abre un nuevo periodo de su historia. Pretendemos renovar lo más posible los principios de nuestra organización al mismo tiempo que seguimos interrogándonos sobre el cine de nuestra época y acompañando sus transformaciones«, asegura Lescure. La organización valoró que empezar un martes en lugar del miércoles previsto anteriormente, hace que puedan añadir una velada de gala antes de su primer fin de semana y organizar preestrenos en toda Francia, con la película de apertura. El festival añade que revelar la Palma de Oro y el resto del palmarés en sábado y no en domingo incrementará su prestigio, al mismo tiempo que el filme de clausura, tendrá mayor repercusión.

La comedia The Square, dirigida por el sueco Ruben Östlund, consigue la Palma de Oro del 70º Festival de Cine de Cannes. Así mismo, el Gran Premio del Jurado, presidido por Pedro Almodóvar, es para la película sobre el sida 120 pulsaciones por minuto, de Robin Campillo; el Premio del Jurado para Nelyubov, de Andréi Zyvagintsev; la Mejor dirección recae en Sofia Coppola, por La seducción; Mejor actor, Joaquin Phoenix, por You Were Never Really Here; Mejor actriz, Diane Kruger, por In the Fade, y Nicole Kidman es distinguida con el Premio Especial de esta 70 edición. Por otro lado, hay que mencionar que el premio al descubrimiento en la sección de cortometraje de la Semana de la Crítica es para la española Laura Ferrés por Los desheredados.

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La defensa del dragón es una bella película colombiana que tuve la oportunidad de ver estos días durante el Festival de Cine de Cannes, en la sección de la Quincena de los Realizadores.

Primer largometraje de la directora Natalia Santa, el film recibe su nombre de una popular jugada de ajedrez denominada “la defensa siciliana variante del dragón”. Dicen que esta jugada tiene un carácter agresivo y peligroso, algo que no es de ningún modo la vida ni el carácter de los tres personajes protagonistas: tres hombres solos unidos por la pasión del ajedrez, que pasan la vida entre el Casino Caribe, la cafetería La Normanda y el Club Lasker, en el corazón de Bogotá.

El ritmo de la película señala con acierto la monotonía que impregna sus vidas, en la que los personajes se hallan realmente cómodos, al margen de un denostado progreso, y sólo sufrirá alguna modificación cuando su día a día se vea sometido a pequeños cambios.

Con un humor muy fino, es casi imposible no pensar en una cierta influencia del mundo de Kaurismaki, que alcanza incluso a la música del film. De Finlandia a Colombia. A señalar la brevedad de las escenas durante una buena parte de la película,  desde su inicio, algo que realmente supone un intencionado ejercicio de estilo.

Natalia Santa, que embargada por la emoción apenas pudo pronunciar unas palabras durante la presentación del film en el Teatro de la Croissette, se inspiró en unas fotografías tomadas por su marido de algunos lugares del centro de Bogotá que parecen anclados en el tiempo, y en las personas que habitan en ellos.

Una sabia elección de los actores, una acertada fotografía, encuadres que desvelan el detalle que habla de esos ambientes sin necesidad de insertos innecesarios. Una película sencilla para disfrutar del cine de la calle, de la vida.

La edición de esta película ha corrido a cargo de nuestro querido Juan Soto.

Esmeralda Barriendos

Concluyen las proyecciones de la sección oficial a concurso con You were really never here, de la realizadora escocesa Lynne Ramsay, protagonizada por el actor Joaquin Phoenix y que ha resultado un grata sorpresa. En su nuevo largometraje, una historia oscura adaptada de la novela del mismo nombre de Jonathan Ames, Lynne Ramsay evoca la relación entre los niños y los adultos, un tema que ya había tratado en Tenemos que hablar de Kevin, que hablaba de la relación ambigua entre una madre y su hijo violento. «La mayoría de realizadores tienen un acercamiento un poco psicológico, se interesan en la condición humana porque estamos en una época muy traumatizante, pero yo lo que quiero es acercarme a los personajes, a sus defectos y esta ha sido una excelente oportunidad para hacerlo«, señala Ramsay. Fuera de competición, Roman Polanski adapta en D’après une histoire vraie (Según una historia verdadera) el best-seller del mismo título de Delphine de Vigan, para narrar la intimidad repentina y tóxica entre dos mujeres: Delphine, interpretada por Emmanuelle Seigner, y Elle, un inquietante personaje interpretado por Eva Green.

La película The Rider, de Chloé Zhao, obtiene el «Art Cinema Award» de la Quincena de los Realizadores, principal reconocimiento de este apartado no competitivo del Festival de Cine de Cannes. En la película una estrella del rodeo y entrenador de caballos intenta controlar su propio destino a través de la búsqueda de una nueva identidad después de un aparatoso accidente. El filme está dirigido la también escritora Chloé Zhao, quien debutó en el largometraje en 2015 con Songs My Brothers Taught Me premiada en el Festival de Cine de Sundance. El «premio SACD», concedido por la Sociedad de Autores y Compositores Dramáticos a un filme de habla francesa, es concedido «ex aequo» a L’Amant d’un jour, de Philippe Garrel, y Un beau soleil intérieur, de Claire Denis y protagonizado por Juliette Binoche. Y por último, el «Label Cinema Europa», en el que los miembros de la red de distribuidores Europa Cinemas distinguen a una película europea, es entregado a A Ciambra, de Jonas Carpignano, mientras que Benoît Grimalt obtiene por Retour à Genoa City el Premio Illy al mejor cortometraje.

François Ozon combina tensión psicológica y sexual en su tercera película en competición en el Festival de Cine de Cannes, L’Amant double. En su octavo largometraje, Ozon narra la historia de Chloé, una joven frágil que comienza un tratamiento de psicoterapia y se enamora de Paul, su terapeuta. A los meses de haber comenzado una relación se van a vivir juntos, pero el idilio se transforma en sospechas cuando Chloé descubre que Paul le ha ocultado una parte de su identidad. Por otro lado, el director alemán de origen turco Fatih Akin, presenta Aus Dem Nichts (In the Fade), un thriller dramático encabezado por Diane Kruger. Es en Hamburgo, su ciudad natal, en el corazón de la comunidad turca, donde Akin sitúa la intriga de su película. Narra la historia de Katja, una joven alemana cuya vida se hunde el día que su marido y su hijo pierden la vida en un atentado con bomba. Desolada por este evento trágico, Katja decide vengarse.

En un primer momento, Sergei Loniztsa deseaba contar el destino de una mujer, cuyo esposo está cumpliendo condena en prisión. Ella le envía un paquete que le es devuelto. Sin entender a qué se ha debido, decide ir en busca de la respuesta y así, da comienzo la película.

En palabras del director, el film tiene poco que ver con el relato breve de Dostoievski titulado La Dulce, puesto que su deseo no era llevar a cabo un trabajo de orden íntimo o introspectivo. En lugar del sufrimiento inherente a un personaje, al tormento psicológico interior, la intención de Loznitsa era describir un espacio, un habitat en el que los seres humanos están obligados a existir.

Siento tener que expresar una profunda decepción personal ante Una Mujer Dulce. No he tenido oportunidad de ver ninguno de los anteriores largometrajes de Loznitsa, ni sus trabajos en el documental, pero sí tenía unas buenas expectativas al respecto dado que disfruta de una gran reputación entre algunos cinéfilos.

En la entrevista publicada en el dossier de prensa, el director habla de la metáfora de un país impregnado por todas las formas de violencia imaginables. En mi opinión, la película no acierta en las escenas de conjunto que pretenden mostrar dicha violencia en todas y cada una de sus formas. No acierta ni en la elección del punto de vista, -el lugar de la cámara-, ni en todo lo concerniente a la puesta en escena.

Intérpretes grotescos inspirados quizás en la pintura de Grosz, y sin embargo nada verosímiles en su expresión, se hallan muy lejos de la esencia del cine; estos pronuncian unos diálogos excesivamente largos donde se describen a sí mismos, abordando a la protagonista siempre súbitamente, sin que el encuentro surja de la vida, apenas en contadas ocasiones…

Loznitsa es un hombre que posee una cierta sabiduría que no ha sabido transmitir en imágenes. Sólo el vagar de la mujer dulce está filmado con gran destreza. Pero el lenguaje de su cine frente a su escritura, frente a la toma de conciencia de su propio trabajo, está tan alejado uno de otro, que el resultado es una película muy desigual, exaltada y redundante.

Esmeralda Barriendos

Después de Heaven Knows What, los cineastas estadounidenses Ben y Joshua Safdie exploran una vez más la faceta tenebrosa de su ciudad natal en Good Time, filme que presentan en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes y que es un thriller sombrío que cuestiona los lazos fraternales de dos ladrones de bancos. La obra de los hermanos Safdie se alimenta desde sus inicios de la esencia del Mumblecore, una corriente del cine independiente estadounidense surgida en los años 2000 de numerosas películas con presupuestos mínimos que, cámara al hombro, capturaban los estados de ánimo de sus protagonistas. Estos dos cineastas neoyorquinos, que mencionan a Renoir y Cassavetes como inspiración, han desarrollado un estilo naturalista y entrecortado que se ajusta a su deseo imperioso de adueñarse de la realidad para transcribirla mejor. Por otro lado, el ucraniano Sergeï Loznitsa retorna a la competición por tercera vez con una adaptación libre de la novela de Dostoyevski, La dulce. Krotkaya (A gentle creature) narra la búsqueda desesperada de una mujer de rasgos delicados, interpretada por Vasilina Makovtseva, determinada a encontrar a su marino, preso en una región aislada de Rusia.

De vuelta a la Quincena de los Realizadores, nos encontramos con Shula, una niña de 9 años acusada de brujería y condenada a vivir atada a una cinta blanca en un campo de brujas, -no hay que buscar ninguna asociación con el film de Haneke-,  bajo el efecto de un sortilegio: si corta la cinta, estará maldita y se transformará en cabra. La pequeña Shula se debatirá entre vivir encadenada como un ser humano o libre como una cabra.

Este es el argumento del primer largometraje de Rungano Nyoni, una joven zambiana que creció en Gales, con cuatro cortometrajes en su haber y un buen número de importantes premios.

Tras una excelente acogida entre los espectadores, esta película es seguro la perfecta candidata al premio del público de aquellos festivales en los que se exhiba. Nyoni aprovecha todos los recursos que el exotismo de su entorno originario le facilita, renunciando a la expresión documental del mismo, y ocultándola incluso tras algunas escenas en las que la sobreactuación es un hecho.

No soy una bruja tiene algunos instantes realmente bellos, y le debe mucho tanto al silencio permanente como a la mirada de la pequeña protagonista; acompañada de una banda sonora muy cuestionable, la película es una fábula con tintes graciosos y sin pretensiones sobre la libertad femenina, moraleja incluida. Para todos los públicos, o casi.

Esmeralda Barriendos

El documental Makala, de Emmanuel Gras vence en la 56ª Semana de la Crítica. El jurado, presidido por el realizador brasileño Kleber Mendonça Filho, otorga su Gran Premio 2017 a este documental, el único en competición, que relata la historia de un vendedor de carbón en la República Democrática del Congo. El Premio Revelación recae en Gabriel e a montanha, del brasileño Fellipe Gamarano Barbosa, así como con el Premio de la Fondation Gan. Así mismo, el Premio Descubrimiento Leica Cine de cortometraje es para Los desheredados, de Laura Ferrés; el Premio SACD en Ava, de Léa Mysius y el Premio Canal+ de cortometraje en The Best Fireworks Ever, de Aleksandra Terpinska.

“Del hombre al hombre verdadero, el camino pasa por el hombre loco”. Estas palabras de Foucault dan comienzo al último trabajo de Raymond Depardon, extraordinario fotógrafo y mayor exponente del cine documental francés nacido en 1942.

En 12 días retoma el tema de las enfermedades psiquiátricas, como ya lo hizo previamente en San Clemente (1982) donde narraba el día a día de un manicomio situado en una isla veneciana, o en Urgencias (1988), película filmada en las urgencia psiquiátricas del hospital  Hôtel-Dieu de Paris.

El argumento aprovecha un instante decisivo según una nueva ley del gobierno francés, que exige que las personas hospitalizadas en psiquiatría sin su consentimiento sean presentadas ante un juez antes de que hayan transcurrido 12 días desde su detención. Así este juez, teniendo en cuenta los informes médicos del paciente, tomará la decisión de continuar con el internamiento o permitir otro tipo de seguimiento médico fuera ya de las instalaciones del manicomio.

Depardon pretende hacer nacer un diálogo despojado sobre el sentido de la palabra libertad y de la vida. Acompañados por la música de Alexandre Desplat, la cámara nos muestra el espacio en el que viven recluidas estas personas, un lugar aséptico y gélido hasta en sus espacios abiertos, que raya incluso en la ciencia ficción.

De la confrontación juez-paciente, mediante una cámara inmóvil, con algunos apuntes de los abogados de los mismos (hay que tener en cuenta que todos los protagonistas han sido internados en contra de su voluntad), va desgranándose todo el dolor del mundo.

El propio temor de los cuerdos se manifiesta en la ausencia total de empatía por parte de todos los que intervienen en este proceso. Porque, ¿acaso es posible salir indemne de ciertas declaraciones que recoge la cámara?

Aunque la identidad de los protagonistas ha sido obviamente preservada, sus rostros delatan ese estado que está más allá del mundo, cuando lo insoportable se desvanece en la bruma de la locura; escuchar voces que provienen de una silla eléctrica, sufrir repetidas violaciones, asesinar al padre y beatificarlo… Víctimas de una violencia continuada, tan frágiles, tan vulnerables. La cámara de Depardon les ha devuelto la dignidad durante un instante de tiempo.

Esmeralda Barriendos

Jacques Doillon es un veterano en el Festival de Cine de Cannes y es la tercera vez que participa en la sección oficial. Su 28º largometraje, Rodin, presenta a Vincent Lindon en el papel del escultor Auguste Rodin, que recibió el reconocimiento público poco después de cumplir los cuarenta años. La película, que decepciona de forma generalizada, narra los altibajos emocionales del hombre, atrapado entre el amor apasionado de Camille Claudel, interpretada con frescura por la actriz y cantante Izïa Higelin, y la estabilidad de Rose (Séverine Caneele), su compañera de toda la vida. La otra película a competición de la jornada está dirigida por Sofia Coppola, miembro del Jurado presidido por Jane Campion en 2014, y se titula The Beguiled. Se trata de un thriller basado en la película El seductor, de Don Siegel, estrenada en 1971 y protagonizada por Clint Eastwood. Con la llegada fortuita a sus vidas de un cabo de la Unión, interpretado por Colin Farrell, el trío femenino de excepción, encabezado por Nicole Kidman, junto a Kirsten Dunst y Elle Fanning, encuentra la oportunidad perfecta para acabar con su hastío. “Nunca intenté hacer un remake sino hacer mi propia versión. Espero que se vea como las dos partes de una misma historia”, asegura en rueda de prensa la realizadora.

2008 marcó la aparición del primer “barrio cerrado” en Suecia, una urbanización protegida a la que únicamente pueden acceder los propietarios con autorización. Se trata de un ejemplo extremo que muestra que las clases privilegiadas se aislan del mundo que les rodea. También es uns de las numerosas señales del creciente individualismo de las sociedades europeas, mientras aumenta la deuda del gobierno, se reducen las prestaciones sociales y la brecha entre ricos y pobres es cada vez más profunda desde hace unos 30 años.

Incluso en Suecia, que sin embargo es reconocida como uno de los países más igualitarios del mundo, el paro creciente y el miedo a ver cómo se debilita el propio estatus social, han llevado a las personas a desconfiar los unos de los otros y a separarse de la sociedad.

Un sentimiento general de impotencia política nos ha hecho perder confianza en el Estado y nos ha llevado a replegarnos sobre nosotros mismos.

¿Pero esta es la evolución que deseamos para nuestra sociedad?

En el curso de mis investigaciones para realizar la película Play, que trata sobre el chantaje entre los niños, observé la incapacidad que nos invade a la hora de ofrecer ayuda en lugares públicos. Los hechos reales en los que se inspira Play tuvieron lugar a plena luz del día en la tranquila ciudad de Göteborg, en centros comerciales, en tranvías y plazas públicas, y los adultos no reaccionaban aunque estos hechos se desarrollaran ante sus ojos.

En psicología social, la inhibición de la propensión a ayudar al otro en presencia de un tercero es conocida bajo el nombre de “el efecto del espectador” o “la apatía del testigo”.

La experiencia ha demostrado que la probabilidad de ayudar a alguien es inversamente proporcional al número de testigos, debido a la “disolución de la responsabilidad” causada por la presencia de varias personas. Sin embargo, se ha probado que la cohesión social puede compensar la indiferencia colectiva.”

Cuando mi padre era joven, en los años 50, las sociedades occidentales mostraban un sentimiento en el que se compartían las responsabilidades. Me contó que cuando tenía seis años, sus padres le dejaban jugar y pasear libremente por el centro de la ciudad de Estocolmo, con una simple medallita al cuello con la dirección en el caso en que pudiera perderse.

Recordemos que en aquella época, los adultos eran considerados como miembros de una comunidad, dignos de confianza, dispuestos a ayudar a un niño en caso de que tuviera problemas, mientras que hoy en día, el clima social no consolida ni la cohesión social ni nuestra confianza en la sociedad.

Por el contrario, vemos a los otros como una amenaza para nuestro hijos. Esta reflexión nos llevó, a Kalle Boman y a mí, a desarrollar el proyecto de The Square.”

* Kalle Boman, nacido en 1943, es productor y profesor de cine en Academia de Bellas Artes/Universidad de Göteborg. A lo largo de los años, ha colaborado con realizadores como Bo Widerberg, Roy Andersson y Ruben Östlund. En 2014, en la Ceremonia de los premios del cine sueco, Boman recibió un premio extraordinario al conjunto de su obra.

Del dossier de prensa del film “The Square” de Ruben Östlund.

Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Entrar en el Gran Teatro Lumière de Cannes para contemplar la obra póstuma de un gran cineasta, tan querido como lo era Abbas Kiarostami; todas las expectativas comienzan a disiparse lentamente, cuando las luces se apagan y la pantalla iluminada desvela el secreto mostrando una precisa declaración de intenciones del director.

“Cuando observamos un cuadro, solo vemos la escena que ha pintado el artista. Pero todo tiene un antes y un después”, decía el maestro.

Así que Abbas Kiarostami decidió realizar pequeñas películas de 4 minutos de duración para recrear ese antes y ese después de la imagen esencial. A modo de haikus visuales, – próximas a su film Five– , son 24 piezas que se enuncian como fotogramas, -frames-, una tras otra, con el solo intertítulo en negro que las anticipa. Un compendio de toda la sabiduría del cineasta, poeta, fotógrafo iraní.

Me gusta imaginar a Kiarostami durante la exposición de las Correspondencias que mantuvo con otro gran maestro, Víctor Erice, en el año 2006. En uno de los espacios de la misma, recuerdo una instalación ideada por este último muy emocionante, en la que algunos de los cuadros de Antonio López cobraban vida mediante variaciones en la iluminación de la sala y un abanico de efectos de sonido que recreaban el ambiente sonoro del lugar (la Gran Vía de Madrid o el entorno del membrillero). Era el origen mismo del cinematógrafo. Me gusta pensar que Kiarostami se inspiró en ese instante para realizar este trabajo, aunque ya nunca podré saberlo.

Así, el primer fotograma (Frame 1) es en realidad la imagen del cuadro de Brueghel El Viejo, Los cazadores en la nieve. Gesto premonitorio; lo que parece ser tan sólo un ejercicio bellísimo de reanimación, donde la vida se insufla cada segundo dentro de la imagen inerte de una pintura, es ciertamente el preludio de todo lo que el espectador observará a continuación.

El humo comienza a salir de las chimeneas, la nieve cae suavemente, los animales corretean sobre el manto blanco que recubre la tierra. La banda de sonido nos traslada hasta ese lugar. ¡Qué fuerza magnífica otorga el sonido! No sólo es imagen en movimiento, es también la fabulación a través de la escucha, la emoción de un paisaje sonoro que se constituye mediante la naturaleza orquestada. Imagen-tiempo.

Tras el preámbulo que supone la visión de esta primera película, las siguientes emergen en su mayoría de los paisajes nevados del fotógrafo Kiarostami. De algún modo, al comienzo hay una traslación desde el plano general del cuadro de Brueghel hasta los diferentes planos detalle del mismo, bajo la apariencia de películas. Es decir, ¿qué está sucediendo allí, en el instante mismo en el que los cazadores se aproximan al acecho, de la mano del pintor?

Las imágenes en blanco y negro, tan bellas, cobran vida una tras otra . En el cine de Kiarostami, el artificio está tan elaborado que el espectador puede llegar a creer que se halla ante «una toma de vistas» de las que nos regalaban los operadores de los hermanos Lumière, pero no es cierto. La sencillez aparente de sus películas «naturales«, por denominarlas de algún modo, procede de un trabajo complejo.

Existe una voluntad de conjunto que se desvela con una escucha y una mirada atentas.

Pero en casi todas ellas, películas que conforman un sentido homenaje a los 24 fotogramas por segundo que son el átomo del cine, la acción en off del hombre sobre la naturaleza termina por romper la escena. No aparece una sola figura humana hasta la película número 15-.

Recuerdo el penúltimo film como algo excepcionalmente conmovedor.

Así hasta el último de todos, entre luces y sombras, maravilloso laberinto de ventanas al mundo y declaración absoluta de su amor al cine, y a la vida.

Gracias, maestro. He olvidado cómo se decía en farsi.

Esmeralda Barriendos

Dedicado a Fernando Fuentes

Se proyecta en 35mm, en la sala Buñuel del Festival de Cine de Cannes,  la versión restaurada de L’Atalante de Jean Vigo, una obra maestra de la historia del cine realizada en 1934, de extraordinaria influencia en todo el cine posterior que aún hoy en día conserva una frescura sorprendente.

La restauración ha sido llevada a cabo por el laboratorio L’Immagine Ritrovata , gracias a Gaumont, The Film Foundation, -la Fundación de Cine de Martin Scorsese– y la Cinemateca Francesa,  con el apoyo económico del CNC (Centro Nacional del Cine), supervisada por el nieto del cineasta, Nicolas Sand.

L’Atalante, que como tantas otras películas, pudo preservarse en Francia por la dedicación de Henri Langlois, -fundador de la “Cinémathèque”-, ha sufrido varias restauraciones y modificaciones a lo largo del tiempo. Con un metraje añadido y recortado por unos y por otros, su título fue incluso modificado por el de Le Chaland qui passe, y la música de Maurice Jaubert reemplazada por otra.

Después de innumerables avatares, ayer se exhibió una copia que según dicen, es la más próxima a la original.

Cuando comenzó la película, entre lágrimas, sentí un profundo resentimiento hacia aquellos que inventaron el cine digital.

Me tacharán de nostálgica o inmovilista, quizás. Hoy ya no existe un debate en torno a los soportes de filmación, el digital partió sabiéndose ganador a pesar de todas sus carencias. Por eso, la sesión de ayer fue un tesoro efímero.

Me gustaría recoger aquí las palabras de Paul Bowles que ayer me recordó un amigo muy querido: “(…)como no sabemos cuando vamos a morir, llegamos a creer que la vida es un pozo inagotable. Y sin embargo, todo sucede un cierto número de veces … y sin  embargo, todo parece ilimitado”

¡Qué belleza las imágenes del agua! ¡Y el sueño de los amantes!¡Qué interpretación, Michel Simon!

Volver a ver L’Atalante ayer, tan sencilla y rotunda a un tiempo, en las mismas condiciones para las que fue pensada su exhibición, fue una de esas veces, tan breves, de las que habla Bowles.

Esmeralda Barriendos

Cannes Classics – Películas restauradas: «Ila Ayn?» de Geoger Nasser

“Ila Ayn?”, cuya traducción sería “¿Hacia lo desconocido?” es una película de Georges Nasser, cineasta emblemático del Líbano nacido en Trípoli en 1927.

Estudió cine en la UCLA en Hollywood y regresó a su país natal con la voluntad firme de realizar películas en un entorno en el que la industria cinematográfica es inexistente.

“Ila Ayn?” fue realizada en el año 1957, y se convirtió en la primera película en representar al Líbano en la Sección Oficial del Festival de Cine de Cannes.

En un pueblo de la montaña libanesa, una familia vive en la pobreza. Un día, el padre los abandona y se marcha a Brasil, el sueño dorado de un gran número de compatriotas. Transcurren 20 años en los que a duras penas la madre ha podido salir adelante con sus hijos. El mayor funda una familia y el segundo está a punto de marcharse a Brasil cuando un anciano harapiento llega al pueblo.

“Ila Ayn?” aborda el tema de la emigración y el exilio, la agonía de residir en un país sin futuro y al mismo tiempo, la crueldad de un exilio que no cumple con sus promesas de un futuro mejor. Auténtica crónica neorrealista, en las películas de Nasser los personajes idealistas rechazan comprometerse y terminan por ser vencidos por un entorno hostil. Son películas de algún modo autobiográficas, a la vista de la vida que tuvo Nasser.

Las películas de Nasser son historias de personas cuyo potencial no se desarrolla: soñadores que no logran alcanzar sus sueños, que deben resignarse a un destino común y doblegarse bajo el peso de la sociedad que les rodea.

Nasser podría haber predicho el destino de un visionario como él en un país como el Líbano.

Georges Nasser situó al cine libanés en un pedestal y, gracias a él, se posicionó fuera de su país. A “Ila Ayn?”, le siguió “El pequeño extranjero” en el año 1962.

Esta doble selección constituye una de las mayores distinciones que una película independiente puede obtener incluso hoy en día. Pese a ello, su obra cayó en el olvido y no ha sido reconocida ni por el estado, ni por el público, ni siquiera desgraciadamente por los profesionales del cine libanés.

El padre fundador del cine libanés es considerado hoy en día como un realizador superado, profesor de la vieja escuela. Salvo algunas raras proyecciones en Beirut, las películas de Nasser sólo pueden verse excepcionalmente, dado que no fueron proyectadas en el momento de su distribución y son unas desconocidas para el gran público de Oriente Medio y del resto del mundo. Las copias de estas películas son escasas y difíciles de encontrar.

“Ila Ayn?” es la única película de Nasser de la que existe una copia completa en 35mm en el CNC (Centro Nacional del Cine, en Francia). No está a disposición de todo el mundo y se ha visto en contadas ocasiones. La idea de una digitalización restaurada, acompañada por un documental sobre el realizador permitirá a los espectadores redescubrir la obra de un cineasta que en solitario puso en marcha la creación de un cine libanés independiente, diferente del modelo egipcio de la época.

(Del dossier de prensa)

Traducción del francés: Esmeralda Barriendos para www.zinema.com

Naomi Kawase, presidenta del jurado de los cortometrajes y de la Cinéfondation en 2016, presenta en el Festival de Cine de Cannes su quinto largometraje en competición. Se trata de Hikari (Radiance), donde relata la historia de un encuentro, el de dos almas perdidas y heridas. «Yo creo que en el mundo hay mucha gente que ama el cine, que quiere que acaben las guerras y que el mundo sea más rico, pero las guerras no van a acabar mientras que nosotros vamos a desaparecer de la Tierra y me gusta creer que las películas permanecerán eternamente«, declara Kawase en rueda de prensa, quien añade que por eso quiso dedicar este filme «a todos los enamorados del cine del mundo«. Además, se celebra un evento especial en el que se proyecta 24 Frames, la película que Abbas Kiarostami dejó una película inédita, y en la que cada fragmento se inspira en una fotografía, ampliando cada vez más los límites de un cine poético e innovador hasta el fin. El filme es presentado por su hijo Ahmad Kiarostami. Finalmente, el Festival celebra su 70° aniversario con una gala especial y una sesión de fotos previsa y de excepción en la que reúne a más de un centenar de artistas para la foto de familia: ganadores de la Palme d’or, galardonados, presidentes y miembros de los jurados…

Tres nuevos filmes de importantes directores, previamente cosagrados por el Festival de Cine de Cannes, llegan a esta jornada con la que se inicia la semana. El cineasta surcoreano Hong Sangsoo aborda con meticulosidad un malentendido relacionado con un adulterio en Geu-Hu (Le Jour d’après) para tejer una comedia agridulce en blanco y negro, bañada en melancolía. La película narra la historia de Bongwan, un editor infiel y cobarde que no logra reponerse de la marcha de la empleada con la que ha engañado a su mujer. Por otro lado, cinco años después de Amor, Michael Haneke presenta la mordaz Happy End con dos de sus actores preferidos: Jean-Louis Trintignant e Isabelle Huppert. La crisis migratoria es el prisma que revela el cinismo que reina en nuestra época a través de la indiferencia inhumana de una familia burguesa del norte de Francia, desconectada de la realidad social que la rodea. Además, Yorgos Lanthimos regresa a Cannes con The Killing of a Sacred Deer, y se inspira en Eurípides para contar la historia de una pareja de médicos interpretados por Colin Farrell y Nicole Kidman. Finalmente, en su afán por innovar, Alejandro González Iñárritu presenta Carne y Arena (Virtually Present, Physically Invisible), que más que una película, se trata de una experiencia en realidad virtual que dura seis minutos y medio.

La «Quincena de los Realizadores» tuvo su origen en el año 1969, inmediatamente después de la agrupación de cineastas en el seno de una asociación  denominada SRF (Société de réalisateurs des films).

La vocación de esta sección paralela del Festival de Cine de Cannes siempre ha sido la de mostrar películas y cineastas que permanecen al margen de los grandes festivales internacionales y de las principales redes de distribución.

Esta sección se define por “su libertad de espíritu, el carácter no competitivo y un deseo de apertura hacia un público de espectadores no profesionales que asiste al Festival”.

Con este ánimo hemos llegado hoy a la proyección de The Rider (El jinete) de la realizadora china Chloé Zhao.

Brady, un joven cowboy, adiestrador de caballos y estrella incipiente del rodeo, ve cómo se tambalea su vida después de que un caballo le aplaste el cráneo en el transcurso de un rodeo. No podrá cabalgar más.  Ya de vuelta a casa, en la reserva de Pine Ridge, sin el deseo de una vida diferente, se ve enfrentado al vacío.

Para retormar el control de su destino, Brady se sumerge en la búsqueda de su propia identidad, intentando comprender qué significa ser un hombre hoy en el corazón de los Estados Unidos de América.

Chloé es una autora, realizadora y productora china residente en Denver, en los Estados Unidos. En el año 2015, su primer largometraje Canciones que mis hermanos me enseñaron compitió en el Festival de Cine de Sundance y en la Quinzaine des Réalisateurs de Cannes. Fue nominado tres veces a los Film Independent’s Spirit Awards.

Escribo estas líneas con la certeza de haber descubierto esta mañana a una enorme cineasta, embriagada por la verdad de unas imágenes y una historia que, en su sencillez, contienen toda la esencia del cinematógrafo. Con ese deseo de cinéfila atrapada por una idea insobornable del mundo y su doble, no olvidaré su nombre. Motion is really emotion.

Esmeralda Barriendos

El cine de Michael Haneke siempre ha sido de una asertividad incuestionable. El trayecto que recorren los personajes desde que el espectador toma conocimiento de los mismos y sus circunstancias hasta la clausura del film no presenta ninguna incertidumbre; hay un determinismo en los gestos tan severo que ciertamente, ninguno de los protagonistas puede librarse del destino impuesto por el director.

Así también sucede en Happy End, su última película, que apenas ha tenido respuesta del público esta mañana en el Gran Teatro Lumière de Cannes.

Muy lejos de las dos anteriores, extraordinarias ambas, La Cinta Blanca y Amor, que fueron Palma de Oro en los Festivales de 2009 y 2012 respectivamente, Happy End presenta la vida de una familia burguesa de Calais más allá del proceso de descomposición, argumento que remite directamente a El Séptimo Continente.

No es la mera traslación de clase, -de la derrotada clase media europea a una burguesía acomodada- la que separa a Happy End de su primera película, sino que el punto de vista del director es otro. La distancia con la que filma a sus personajes es mayor que en otras ocasiones. Los nuevos dispositivos y las redes sociales están muy presentes durante todo el film, imágenes que de nuevo remiten a un Haneke de los orígenes, el de El vídeo de Benny, artilugios de la distancia y el aislamiento, del triunfo absoluto del narcisismo.

Intuyo un cierto cansancio en Haneke, quizás. No existe ningún atisbo trágico en el planteamiento de Happy End, ni conciencia alguna de sí mismos en los personajes. Tampoco el azar modifica jamás el destino de estos seres humanos. Tan anodinos ellos, han perdido su humanidad de una forma aséptica, y vagan por los espacios gélidos de su cotidiano y de su imaginario virtual a la manera de los replicantes, inmersos en un silencio desasosegante que llega hasta los títulos de crédito.

Con un cierre extraordinario, tanto como Jean-Louis Trintignan que lo protagoniza, esta es la forma que tiene Michael Haneke de enunciar el desastre, más allá de la distopía de El tiempo del lobo. Esta y la única frase que se ha publicado en el dossier de prensa: “El mundo alrededor, y nosotros ciegos en el centro del mismo. Una instantánea de una familia europea”.

Esmeralda Barriendos

Antes de desaparecer es una obra de teatro muy conocida en Japón, cuyo autor es Tomohiro Maekawa, y Kiyoshi Kurosawa ha decidido llevar  a cabo su adaptación a la pantalla grande.  Afirma que es una adaptación fiel a dicha pieza. Lo que le atrajo del texto es que se trata de una parodia de las obras de ciencia ficción de los años 50, con el trasfondo de una invasión extraterrestre.

En los 50, las películas de este género tuvieron un gran éxito en plena Guerra Fría. Muchos medios de comunicación y la industria del entretenimiento usaron este pretexto, -la amenaza de la invasión-, para apaciguar los ánimos de una población inquieta, burlándose de ella.

El director confiesa influencias concretas del cine de John Carpenter en algunas escenas, de manera inconsciente.

De alguna manera, me siento reconfortada al leer la entrevista en el dossier de prensa; una historia de extraterrestres invasores previsible, pueril e incluso cursi en algunos momentos. He de decir que he asistido a esta proyección con el recuerdo de la única película que he visto de Kiyoshi Kurosawa, Bright Future (Jellyfish). Fue durante el Festival de Cine de Londres del año 2003. En aquel momento creí en su autoría, un cine extraño e imaginativo, de una potencia visual poderosísima… Hoy no queda ni rastro de aquel atisbo de belleza.

¿Qué intención puede tener hoy en día realizar una película de serie B de ciencia ficción? La televisión programa decenas de filmes sin interés casi diariamente. Quizás tenga una oportunidad en una sobremesa indolente. Deseo que Kiyoshi Kurosawa regrese a ese tipo de cine que ha olvidado por completo, el que auguraba un futuro brillante.

Le llaman “Masterclass” o “Leçon de cinéma” pero en realidad se asemeja a una lección de vida; Clint Eastwood se ha sentado hoy frente al crítico estadounidense Kenneth Turan para repasar toda su trayectoria profesional, desde los orígenes como actor hasta su proyecto más reciente, una película que parece ser podría rodarse en Francia, The 15:17 to Paris sobre el atentado fallido de ISIS a un tren francés. «Vivimos en un tiempo extraño» dijo el realizador.

En ese paseo por la memoria del cineasta-actor, Eastwood ha recordado la penuria económica sufrida durante la crisis del 29, cuando tan sólo contaba con 5 o 6 años y sus padres no tenían qué comer, aunque confiesa que estos lo ocultaban a los pequeños, y que los niños nunca pasaron hambre. También los continuos cambios de residencia marcaron su infancia.

Eastwood no es un hombre nostálgico. Transmite una cierta filosofía vital centrada en el esfuerzo, en el trabajo constante, y en la idea de un devenir inevitable en el que no hay lugar para lamentarse del pasado, de proyectos no realizados, de hechos que no sucedieron. Seguir adelante es su máxima.

No oculta su admiración por Sergio Leone y la fascinación que despertaba la rapidez de su pensamiento. También comenta la habilidad del director italiano en la elección de los rostros que protagonizan sus películas. Aprovecha Clint este momento para expresar lo afortunado que fue al conocerle, y hace un inciso: insiste en cómo en la vida aprendemos de todos los que nos rodean, aprendemos lo que debemos y lo que no debemos hacer. “Nunca hay que tomarse por lo que uno no es”, dice.

Aboga por la eficacia como uno de los rasgos esenciales en un director de cine, es necesario evitar a toda costa “la parálisis por el análisis” y hacer avanzar la historia.

De vuelta a la infancia, confiesa su gusto por el western desde niño. Cuando era pequeño quería montar a caballo y más tarde, ser actor en una de estas películas: James Stewart, Gary Cooper y Rod Cameron eran alguno de sus ídolos. Eastwood cree que la pasión por los western de tantos y tantos espectadores es debida esencialmente al hecho de que este género rememora una época en la que el orden y la ley dependían de uno mismo, a diferencia de nuestro tiempo. El western permite siempre el vuelo de la imaginación.

Da la sensación de que Eastwood ha sido un tipo con suerte, o al menos, eso es lo que nos quiere transmitir en esta conversación. Toda una serie de guiones o de libros que cayeron en sus manos y se convirtieron en las historias que todos conocemos. “No hay que tomarse las cosas en serio, si no, terminas por tomarte en serio a tí mismo” dice con cierta socarronería. Hace años que trabaja con el mismo equipo, una cuestión de confianza, algo esencial en las relaciones humanas.

En otro orden de cosas, confiesa prestar atención a su voz interior, a su instinto, que en ocasiones le guían más que el intelecto. Dice que las emociones te llevan siempre a un buen lugar; las emociones guían el cine. Le gusta observar las reacciones de los actores cuando interpretan el texto por primera vez, esa reacción construye el comienzo de un rodaje fructífero.

Turan ha ido recalando en algunas de las películas que conforman su filmografía, sus orígenes como actor,  el descubrimiento de ciertos guiones, -que son aclamados por un público enfervorecido-, las reiteradas visitas al Festival de Cannes, la relación con sus hijos, su método de tomas únicas,- casi exclusivamente-, su gusto por las películas de archivo… Parece ser queTuran no ha dejado asunto sin nombrar.

Clint Eastwood se confiesa muy feliz en su profesión de cineasta. Y surge de nuevo una gran ovación desde el fondo de la sala.

Algunos apuntes de la masterclass ofrecida por Clint Eastwood en el Festival de Cine de Cannes 2017, por Esmeralda Barriendos.

Un resumen dedicado a Celso Hoyo Arce.

La estrella del cine independiente neoyorquino Noah Baumbach presenta en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes The Meyerowitz Stories, segunda producción de Netflix a concurso que es una comedia al estilo de Woody Allen con un reparto encabezado por Dustin Hoffman y Ben Stiller. «Lo que me interesa en mis filmes es la diferencia entre lo que somos realmente y lo que nos gustaría ser (…) En este filme quería abordar el tema del éxito, qué significa el éxito para las diferentes personas«, afirma el director después de la proyección. Por otro lado, la cinta del director de The Artist, Michel Hazanavicius, Le Redoutable (El temible) sobre el cineasta francés Jean-Luc Godard se inspira en el libro de memorias de Anne Wiazemsky, exmujer del símbolo de la Nouvelle Vague, Un año ajetreado. «Quedé hipnotizada por el parecido alucinante entre Louis Garrel y Jean-Luc. Habla como él«, declara Wiazemsky, de 69 años. Proyectada en la sección oficial, su proyección a la prensa se vio aplazada unos 40 minutos a causa de una falsa alarma debida a un objeto sospechoso, que obligó a desalojar una parte del Palacio de los Festivales. El filme se centra en una etapa crucial del director de Al final de la escapada en pleno mayo del 1968. Fuera de la competición, en «Una cierta mirada», la actriz española Emma Suárez, participa en la película Las hijas de Abril, del mexicano Michel Franco.

Tras diseccionar la figura paterna en Fuerza mayor, el director sueco Ruben Östlund propone una reflexión sobre el altruismo y la pérdida de los valores en forma de comedia dramática ácida y con The Square debuta en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes. La película narra la historia de Christian, un padre de familia apreciado por sus valores humanos y la calidad de su trabajo en un museo de arte contemporáneo sueco, pero cuyos principios se verán cuestionados por una profunda crisis existencial. También debutante en la competición de este Certamen, Robin Campillo presenta la muy esperada por la prensa francesa 120 battements par minute, cuatro años después de su cinta ampliamente aclamada Eastern Boys. Para su tercer largometraje, el cineasta apuesta por el lado más seductor de la joven generación de actores franceses de la mano de Adèle Haenel y Arnaud Valois, acompañados por el argentino Nahuel Pérez Biscayart., quienes luchan por combatir la indiferencia generalizada hacia la cuestión del sida.

Es difícil expresar en una frase la emoción que iluminaba el rostro de Agnès Varda, después de la proyección de su última película Visages- Villages (Rostros- Pueblos). Ha sido la ovación más larga que he presenciado nunca. También me resulta muy difícil enunciar lo que ha significado para mí estar presente en el Gran Teatro Lumière esta tarde, viernes 19 de mayo de 2017. Y escribo la fecha en este instante, sin la esperanza de que el tiempo se detenga.

Realizada junto con el fotógrafo conocido por las siglas Jr., el film relata la historia de la amistad cómplice y divertida que surge entre ambos codirectores en el transcurso de un viaje.

El deseo de un trabajo conjunto les lleva a reivindicar los rostros de los verdaderos protagonistas de la historia de algunos rincones de Francia. Fotografías de gran formato, reveladas en su pequeño camión, inundan edificios, granjas, contenedores; partiendo de antiguos retratos, o tomando nuevas instantáneas, Varda y Jr otorgan una presencia inusual a mujeres, mineros, ganaderos.

Ese viaje lentamente adquiere otro cariz; de algún modo, el argumento se transmuta en un viaje a la memoria de Agnès. Primero, son l

as propias imágenes que la cine-fotógrafa realizó en su día las que toman el paisaje. Maravillosa es la transición narrativa desde la granja hasta el borde del mar a través del Ulyses, cortometraje documental que la gran cineasta realizó en el año 82.

Ya en el mar, en los restos de un fortín hundido, la imagen de su querido amigo el fotógrafo Guy Bourdin será borrada por las aguas, el viento, la arena, en un instante. Más tarde visitarán juntos el pequeño cementerio de Montjustin donde descansan Henri Cartier Bresson y su esposa, la fotógrafa belga Martine Franck.

En este relato de amistad transitan continuamente las imágenes de Los novios del puente Mac Donald (Les fiancés du pont Macdonald) en el que Varda filmó a Jean-Luc Godard, -sin gafas-, junto a Ana Karina.
Las eternas gafas de sol de Jr conducirán a sus protagonistas hasta la casa de Godard en Rolle, donde se convocan todos los fantasmas del pasado, un momento de una belleza extraordinaria. Belleza que perdura
hasta el mismo cierre del film, donde al fin las imágenes que claman al mundo, las que recubren los depósitos de un vagón de mercancías, son los pequeños pies y los ojos de la cineasta, -que llegarán hasta donde ella no pueda hacerlo-.

Gracias, Agnès.

Esmeralda Barriendos

El Festival de Cine de Cannes estrena una de las primeras películas producidas por Netflix que ha generado la polémica este año en Francia. El pase de prensa de Okja, de Bong Joon Ho, que convocó a gran número de periodistas acreitados, lo que obligó a habilitar una segunda sala de proyección, arrancó con una pitada cuando sobre la pantalla apareció el nombre de Netflix. La del surcoreano es una de las dos producciones televisivas de Netflix que compiten en Cannes, lo que generó unas polémicas declaraciones del presidente del jurado, Pedro Almodóvar, que defendió las proyecciones en salas de cine. Pero para el cineasta asiático solo el hecho de que el español vea la película ya es suficiente.»Solo puedo decir que estoy muy contento de que (Almodóvar) vea la película esta noche (…) Pase lo que pase, el hecho de que la vea y hable de ella, ya me hace sentir muy honrado«, afirma el realizador en una rueda de prensa. Once años después de The Host, el director surcoreano Bong Joon Ho regresa al cine fantástico con una fábulo satírica que profundiza en la parte animal que habita en cada ser humano y narra el amor incondicional de una niña por una inofensiva criatura de las montañas, comprada por una multinacional. La segunda película del día a competición es Jupiter’s Moon, de Kornél Mundruczó -premiado en 2014 con White God en «Una cierta mirada»-, un largometraje con una estructura híbrida, con trazos fantásticos, que aborda la candente actualidad de los refugiados. «Se necesita tiempo para entender lo que hemos visto, decidir si lo creemos o no«, reconoce Mundruczó, que explica que su intención es dirigirse «directamente al alma del espectador«. Fuera de competición se proyecta Visages, villages, un paseo de Agnès Varda y JR por las carreteras francesas, visitando los pueblos franceses y hablando con sus habitantes.

 Hay películas que permanecen en la memoria de una forma vaga, incorpórea, alimentando una idea con su recuerdo que brota en ocasiones súbitamente. Sin saber cómo, nos constituyen de alguna forma imprecisa. Al igual que en los orígenes de un vivero, la semilla duerme a la espera de un estímulo incierto, -quizás el hecho de volver a ver esas imágenes-, que la empuje a ascender hasta la superficie.

Existe un determinado tipo de cine que cuestiona, de un modo muy frágil pero a un tiempo con determinación, la construcción insustancial del la realidad que nos rodea. Desde la intimidad absoluta entre un árbol y un pintor, la cámara de Victor Erice muestra hoy, como en 1992, el mismo sentido revelador de una verdad posible: la deriva del enfrentamiento entre el ser humano y el tiempo en las manos de un pintor, de un cineasta, resueltos ambos a capturar ese instante de luz que se escapa irremediablemente.

Hoy, en la sala Buñuel del Festival de Cine de Cannes, se ha proyectado la versión restaurada de El sol del membrillo, en un día cubierto de nubes, como las que ocultan esa luz dorada que añora Antonio López, la que baña al membrillero en las mañanas.

por Esmeralda Barriendos

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Todd Haynes vuelve a la sección oficial a concurso del Festival de Cine de Cannes tras Carol para sembar el Certamen de emoción con Wonderstruck, adaptación de un libro para niños de Brian Selznik, en la que Julianne Moore comparte protagonismo con los niños Millicent Simmonds y Oakes Fegley. Dos historias paralelas en su temática pero separadas por 50 años y por dos estilos cinematográficos totalmente opuestos. «Nada ha sido especialmente fácil en esta película«, reconoce Haynes, para quien el filme era una buena excusa para «continuar el estudio de la historia del cine» que ya ha acometido en trabajos anteriores. Por su parte, tras deslumbrar hace tres años con Leviatán, el ruso Andrey Zvyagintsev regresa también a la competición con Nelyubov, nueva incursión crítica frente a la Rusia a través de un drama familiar sobre una pareja en fase de divorcio que debe reconciliarse para hallar a su hijo de 12 años, que desaparece durante una de sus peleas. «Si han visto Leviatán ya saben cómo me sitúo frente al poder«, declara Zvyagintsev quien afirma que en su nuevo filme muestra la realidad de unos personajes que son reflejo de la sociedad en la que viven.

Comienza la 70 edición del Festival de Cine de Cannes con la proyección de Les fantômes d’Ismaël , dirigida por Arnaud Desplechin y protagonizada por Marion Cotillard y Charlotte Gainsbourg, a las que acompañan en el reparto Mathieu Amalric y Louis Garrel, en la que un director de cine se enfreta al regreso de su ex amante cuando está a punto de iniciar el rodaje de su próxima película. Tras ellos desembarcarán una omnipresente Nicole Kidman -que participa en tres películas y una serie en esta edición- o Robert Pattison, pasando por Julianne Moore, Elle Fanning, Kristen Stewart, Kirsten Dunst, Adam Sandler, Ben Stiller, Michelle Williams, Colin Farrell o Joaquin Phoenix. Una competición cuyos premios dilucidará un jurado presidido por el cineasta español Pedro Almodóvar, al que acompañan Will Smith, Fan Bingbing, Jessica Chastain o Paolo Sorrentino. Tendrán que elegir para los premios entre los últimos proyectos de realizadores consagrados como Todd Haynes, Sofia Coppola, Michel Hazanavicius, François Ozon, Yorgos Lanthimos, Fatih Akin o Michael Haneke, o por cineastas que se estrenan en la competición como Noah Baumbach o Bong Joon Ho, protagonistas de una monumental polémica con sus películas producidas por la plataforma Netflix. Entr los eventos especiales del 70 aniversario destaca la presentación de los dos primeros capítulos de la nueva Twin Peaks, pero se exhibirán en Cannes cuatro días después de su lanzamiento en Estados Unidos, lo que le ha restado bastante interés. Fuera de competición se podrá ver la última película de Roman Polanski, D’apres une histoire vraie; el film póstumo de Abbas Kiarostami, 24 frames; la secuela del documental Una verdad incómoda (2006), de Al Gore, o Sea Sorrow, el debut en la dirección de la veterana actriz británica Vanessa Redgrave. Y en la sección de Clásicos, creada hace 15 años, destacan los pases de una versión restaurada de El sol del membrillo, de Víctor Erice, que en 1992 consiguió el premio del jurado y Belle de Jour, de Luis Buñuel. Sistemas de neutralización de drones, una fuerte vigilancia aérea, marina y submarina, la lectura automatizada de matrículas y un mayor número de agentes se han integrado a un dispositivo que cuenta también con gigantes maceteros de piedra que bloquean el acceso de los coches al paseo marítimo. El atentado en Niza del pasado 14 de julio, apenas seis semanas después de que acabara la anterior edición, o el asesinato de un policía el pasado 20 de abril en los Campos Elíseos de París han llevado a incrementar unas precauciones, ya de por sí elevadas, para adaptarlas a la situación.

La edición del Festival de Cine de Cannes de este año tiene dos películas de Netflix que compiten por primera vez. Esto ha enfurecido al sector cinematográfico francés, ya que la plataforma dijo que sólo sus subscriptores tendrían acceso a sus cintas y no sería proyectadas en la gran pantalla. Thierry Fremaux, director del Festival, asegura que creía que Netflix organizaría algún tipo de estreno en cines para The Meyerowitz Stories y Okja que compiten en Cannes. Sin embargo esto no ha llegado a ocurrir y los organizadores del Certamen confirman que las dos cintas competirán este año, pero que para la próxima edición no se aceptará ninguna película que no garantice su distribución en las salas de cine de Francia. «El Festival se complace a dar la bienvenida a un nuevo operador que ha decidido invertir en el cine. Pero queremos reiterar nuestro apoyo al modo tradicional de exhibición de las películas en los cines de Francia y de todo el mundo«. Para Francia esto supone una victoria a favor de la distribución cinematográfica tradicional. Red Hastings, fundador y CEO de Netflix, lanza un breve pero desafiante mensaje a través de su página de Facebook: «La organización cierra filas contra nosotros. Tenéis que ver Okja que se estrena el 28 de junio en Netflix. Una película increíble que la industria del cine no quiere que compita en el Festival de Cannes«. Amazon es otra de las empresas de servicio en streaming que tiene una película compitiendo en esta edición, Wonderstruck. Pero, a diferencia de Netflix, no están en contra de estrenar sus películas tanto online como en cines.

La 70 edición del Festival de Cine de Cannes recordará, en su sección de «Clásicos», filmes que han formado parte de la historia del célebre certamen y grandes obras de la cinematografía, entre las que se incluyen cintas de los directores españoles Luis Buñuel y Víctor Erice. Así se proyectará El sol del membrillo, de Víctor Erice, que en 1992 consiguió el premio del jurado y el reconocimiento de la crítica internacional (FIPRESCI). De Buñuel, por su parte, llegará a la Croisette una versión restaurada con tecnología 4K de Belle de jour, protagonizada en 1967 por Catherine Deneuve. La sección de clásicos fue creada hace 15 años y presenta películas antiguas y obras de arte restauradas con el objetivo de acercar al público a «la memoria del cine«. Su programa en la edición de 2017, que se celebrará entre los próximos 17 y 28 de mayo, incluye 24 películas, un cortometraje y cinco documentales, con un foco especial en la propia historia del certamen. Entre las cintas seleccionadas en esta ocasión están la estadounidense All that Jazz, que le valió a Bob Fosse la Palma de Oro en 1980, o Blow-up, de Michelangelo Antonioni, Gran Premio Internacional en 1967. A Cannes llegarán restauradas, entre otras, la francesa L’Atalante (1934), de Jean Vigo, la cubana Lucía (1968), de Humberto Solás; la argentina Native Son (Sangre Negra, 1951), de Pierre Chenal, o la estadounidense El río de la vida (1992), de Robert Redford. Y entre los documentales en los que el cine cuenta su propia historia estarán el estadounidense Filmworker, de Tony Zierra, o el francés Becoming Cary Grant, de Mark Tidal.

El cineasta franco-polaco Roman Polanski presentará su última película D’après une histoire vraie, en la próxima edición del Festival de Cine de Cannes, fuera de competición. El filme de Polanski es una adaptación de la novela homónima de la escritora francesa Delphine de Vigan y está protagonizado, entre otras, por su pareja, Emmanuelle Seigner, y por Eva Green. En la edición 70 del Certamen también se presentará la obra del director argentino Santiago Mitre que proyectará su cinta La cordillera en la sección «Una Cierta Mirada». Mitre, por su parte, llevará un drama de intriga política y familiar que pone al reconocido actor Ricardo Darín en la piel del presidente argentino Hernán Blanco.

El Festival de Cine de Cannes, que celebrará su 70ª edición a partir del próximo 17 de mayo, presenta la composición del jurado que presidirá el director español Pedro Almodóvar. Un jurado que estará compuesto por la directora y guionista alemana Maren Ade, la actriz estadounidense Jessica Chastain, la actriz china Fan Bingbing, la actriz, directora, cantante y composititora Agnes Jaoui, el director y guionista surcoreano Park Chan-Wook, el actor y cantante estadounidense Will Smith, el compositor francés Gabriel Yared y el director y guionista italiano Paolo Sorrentino. «Bajo la presidencia del director, guionista y productor español Pedro Almodóvar, el Jurado del 70º Festival de Cannes estará integrado por ocho figuras clave del Séptimo Arte, procedentes de todo el mundo. Cuatro mujeres y cuatro hombres ayudarán a Pedro Almodóvar a seleccionar entre las películas en Competición«, informa la organización en un comunicado en el que confirma que los ganadores serán anunciados el domingo 28 de mayo en la Ceremonia de Clausura. El Festival de Cine de Cannes se celebrará entre el miércoles 17 y el domingo 28 de mayo de 2017 y la actriz Monica Bellucci ejercerá como maestra de ceremonias. El certamen arrancará con Les fantomes d’Ismaël, el filme de Arnaud Desplechin que se proyectará fuera de competición.

La directora catalana Laura Ferrés es hasta el momento la única representante española que competirá en la 56ª Semana de la Crítica con el cortometraje Los desheredados. Paralela e independiente del 70º Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 17 al 28 de mayo, la Semana de la Crítica está consagrada al descubrimiento de nuevos talentos y, creada en 1962, solo presenta primeros y segundo largometrajes. A medio camino entre el documental y la ficción, el corto de Ferrés afronta un retrato de su padre en el momento en que se enfrenta a la pérdida de la empresa familiar, una flota de autobuses que organiza excursiones, eventos y trayectos escolares, fundada por su bisabuelo. La guionista y directora se graduó en dirección cinematográfica en la Escuela Internacional de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC). Su proyecto de fin de carrera, A Perro Flaco, fue seleccionado en más de 60 festivales y ganó 9 premios en certámenes como la SEMINCI 2014 y Montreal World Film Festival 2015.

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La actriz estadounidense Uma Thurman será la presidenta del jurado de la sección «Una cierta mirada», la segunda competición de mayor importancia en la 70 edición del Festival de Cine de Cannes. En veinte años de carrera, la actriz americana ha demostrado su audacia y su amor por el riesgo: descubierta cuando tenía 17 años en Las amistades peligrosas, de Stephen Frears y Las aventuras del barón Munchausen, de Terry Gilliam, se convierte en la musa de Quentin Tarantino gracias a Pulp Fiction (Palma de Oro en1994) o Kill Bill (volume 1 & 2), ambas presentes en el Festival de Cannes. Miembro del Jurado presidido por Robert De Niro en 2011, Uma Thurman prolonga este año su experiencia cinéfila como presidenta de esta sección, cuya programación propone obras singulares en cuanto a sus objetivos y su estética. El palmarés será desvelado el próximo sábado 27 de mayo.

La Federación Nacional de los Cines Franceses (FNCF) critica que dos películas de la plataforma digital Netflix hayan sido seleccionadas en la competición oficial del Festival de Cine de Cannes. Okja, de Bong Joon Ho, y The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach, dos filmes originales de Netflix, competirán en el prestigioso certamen por la Palma de Oro y se estrenarán a nivel global en la plataforma este año. La FNCF asegura no cuestionar la libertad de programación «del primer festival de cine del mundo» ni que nuevos actores internacionales contribuyan al desarrollo y la financiación de nuevas obras cinematográficas, pero sí plantea sus dudas sobre su difusión. El organismo destaca que si las películas de Cannes se opusieran a la reglamentación en vigor y fuesen difundidas de forma simultánea en Internet y en las salas, podrían ser susceptibles de sanciones por parte del Centro Nacional de Cinematografía (CNC) «¿Y qué pasará si mañana no se proyectan en las salas, cuestionando así su naturaleza de obra cinematográfica?», se pregunta la federación.

La 70 edición del Festival de Cine de Cannes presenta una programación de su sección oficial ecléctica, con nombres consagrados y habituales en su competición por la Palma de Oro, y mucho contenido político. El Certamen, que se celebrará del 17 al 28 de mayo y se inaugurará con Les fatômes d’Ismaël, de Arnaud Desplechin, incluirá los últimos trabajo de Fatih Akin, Noah, Baumbach, Sofia Coppola, Jacques Doillon, Michael Haneke, Todd Haynes, Michel Hazanavicius, Hong Sangsoo, Naomi Kawase, Yorgos Lanthimos, Sergei Loznitsa, François Ozon y Andrey Zvyagintsev, así como de Joon-Ho Bong, Robin Campillo, Kornél Mundruczó, Lynne Ramsay y Benny & Josh Safdie. Nicole Kidman comparte reparto con Colin Farrell en dos películas que se verán en la competición oficial: The Beguiled, una historia ambientada en la Guerra Civil de Estados Unidos, dirigida por Sofia Coppola, y The Killing of a Sacred Deer, del cineasta griego Yorgos Lanthimos. Además, el director mexicano Alejandro González Iñárritu presentará su corto Carne y Arena en realidad virtual y el cineasta David Lynch mostrará los dos primeros episodios del esperado regreso de la serie Twin Peaks.

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La actriz italiana Claudia Cardinale, de 78 años, difunde un comunicado donde resta importancia al retoque que le adelgaza la cadera y las piernas en una imagen de 1959 que será el cartel de la próxima edición del Festival de Cine de Cannes y que fue presentada este miércoles. «Quiero responder a la falsa polémica sobre el póster de Cannes y las consideraciones de algunos sobre los retoques de la imagen. No tengo comentarios respecto al trabajo artístico realizado sobre la foto. Se trata de un póster que, más que representarme a mí, representa una danza, un vuelo. La imagen ha sido retocada para destacar ese efecto de ligereza y transportarme hacia un personaje de sueño: es una sublimación. La preocupación por el realismo aquí no tiene sentido y, como feminista convencida, no veo ningún ataque al cuerpo de la mujer. Hay cosas mucho más importantes para debatir en este momento en el mundo. No nos olvidemos de que esto no es más que cine«, afirma la actriz.

El Festival de Cine de Cannes presenta el cartel promocional de la 70ª edición del certamen, que tendrá lugar entre el 17 y el 28 de mayo de este año. La actriz italiana Claudia Cardinale, conocida por películas como El gatopardo y Fellini ocho y medio, baila sobre un fondo rojo para promocionar un Festival que este año contará con el director Pedro Almodóvar como presidente del jurado. La imagen despierta cierta polémica, ya que varios usuarios acusan en Twitter al Certamen de reducir con Photoshop la cintura y el contorno de las piernas de Cardinale; y comparan la imagen del cartel con la fotografía original de 1959, en blanco y negro. El certamen no ha contestado de momento a las acusaciones. «¡Ella baila, ríe y vive! ¿Qué mejor símbolo para el próximo festival que Claudia Cardinale, la imagen de actriz aventurera, una mujer independiente y una activista social?«, afirman los organizaciones del festival en un comunicado en el que la propia Cardinale dice sentirse «honrada y orgullosa» de ser la imagen de la 70ª edición de Cannes. «Estoy encantada con la elección de esa foto. Es la viva imagen que tengo del festival, un evento que lo ilumina todo. Ese baile sobre un tejado de Roma tuvo lugar en 1959. Nadie recuerda el nombre del fotógrafo… tampoco yo«, afirma la actriz de 78 años, que subraya que la imagen elegida para el cártel le recuerda a sus inicios, «una época en la que jamás habría imaginado que un día subiría las escaleras del palacio del cine más famoso«.

El cineasta rumano Cristian Mungiu presidirá el jurado de la Cinéfondation y de la sección de cortometrajes del 70 Festival de Cine de Cannes, que se celebrará del 17 al 28 de mayo. Mungiu, premio «ex aequo» al mejor director en la pasada edición del Festival por Los exámenes, junto con el francés Olivier Assayas por Personal Shopper, sucede en el puesto a realizadores como Naomi Kawase, Abbas Kiarostami, Jane Campion o Abderrahmane Sissako. El festival recuerda que Mungiu, «eminente representante de la «Nouvelle Vague» rumana«, comparte con el certamen una «larga y brillante historia«. «La Cinéfondation siempre ha dado a los jóvenes cineastas ayuda y el reconocimiento que necesitaban al principio de su carrera (…). Deseo que eso continúe durante mucho tiempo con la misma eficacia y estoy orgulloso de estar asociado a esa iniciativa«, asegura el director sobre su designación. Cada año la Cinéfondation, que es el apartado que Cannes dedica a la búsqueda de nuevos talentos entre los estudiantes de las escuelas de cine de todo el mundo, selecciona entre quince y veinte cortometrajes y mediometrajes sin finalizar para participar en este apartado.

La actriz italiana Monica Bellucci será la maestra de ceremonias de la 70 edición del Festival de Cine de Cannes, que se celebrará entre los próximos 17 y 28 de mayo. La actriz, de 52 años, se encargará de animar la gala de apertura y la de clausura, en la que el jurado presidido por el director y productor español Pedro Almodóvar entregará la Palma de Oro y el resto de premios. Bellucci, que ya ejerció como maestra de ceremonias en 2003, sucederá al actor y humorista francés Laurent Lafitte, al frente de la 69 edición, y al actor francés Lambert Wilson, que se encargó de las dos anteriores. Cómoda en todos los géneros, la trayectoria cinematográfica de Bellucci, que maravilla desde la comedia hasta el drama, refleja elecciones artísticas eclécticas y audaces. Ha rodado con cineastas de prestigio como Bertrand Blier, Danièle Thompson, Francis Ford Coppola, Terry Gilliam, Mel Gibson, Sam Mendes o Spike Lee.

El cineasta Pedro Almodóvar se convertirá este año en el primer español en presidir el jurado de la 70ª edición del Festival de Cine de Cannes, aunque ya fue miembro del jurado del Certamen en 1992, dirigido entonces por el actor Gérard Depardieu. Tras aceptar la invitación de Pierre Lescure y Thierry Frémaux, el cineasta ha declarado: «Estoy muy contento poder celebrar el 70 aniversario del Festival de Cannes desde un lugar tan privilegiado. Me siento agradecido, honrado y un poco abrumado. Soy consciente de la responsabilidad que conlleva ser el presidente del jurado y espero estar a la altura. Solo puedo decir que me entregaré en cuerpo y alma a la tarea, que es a la vez un privilegio y un placer«. Cinco de sus películas (Todo sobre mi madre -Premio al mejor director-, Volver -Premio al mejor guion, Premio colectivo a la mejor interpretación femenina-, Los abrazos rotos, La piel que habito, Julieta) han sido seleccionadas en competición. Así mismo, La mala educación inauguró el Festival en 2004 mientras que el director aparecía en el cartel oficial de la 60ª edición. El Festival de Cannes se celebrará entre el miércoles 17 y el domingo 28 de mayo de 2017.

Pierre Lescure fue reelegido como Presidente del Festival Internacional de Cine de Cannes, puesto que ocupa desde julio de 2014, en una reunión celebrada en diciembre de 2016 por la Junta Directiva de la Asociación Francesa del Festival. Lescure  permanecerá al frente del certamen francés en un nuevo período de tres años entre 2018 y 2020 y garantizará la continuidad en la gobernanza del Festival y sus proyectos asociados. Como periodista y cofundador del canal de televisión Canal +, Pierre Lescure fue Presidente y CEO del grupo Canal + de 1994 a 2002. Entre 2008 y 2014, fue productor y COO en el Théâtre Marigny. Desde el año 2015 ha sido Vicepresidente de Molotov TV, la nueva plataforma de televisión digital. Junto a Pierre Lescure, continuará gestionando la institución cinematográfica Thierry Frémaux, Delegado General del certamen de la Costa Azul.