Los dos sindicatos de actores de Estados Unidos acuerdan unirse casi una década después del último intento que hicieron por lograrlo. La unión significa el fin de años de conflicto y división que le habían dado a los estudios de Hollywood la ventaja en las negociaciones.
La Federación Estadounidense de Artistas de Radio y Televisión (AFTRA, por sus siglas en ingles), el más pequeño de los dos sindicatos, había tratado de unirse con el Sindicato de Actores de la Pantalla (SAG, por sus siglas en inglés) en 1998 y 2003, pero esos esfuerzos
La película El estudiante, de Santiago Mitre (Argentina), consigue el premio al Mejor Largometraje de la 18ª edición de la Muestra de Cine Latinoamericano de Cataluña, que se ha celebrado en Lleida desde el pasado 23 de marzo. El presidente del jurado, el sociólogo y director belga Armand Mattelard, explica que el premio ha sido concedido por unanimidad «por tratarse de una radiografía brillante de la lucha por el poder, en el marco universitario, siendo éste una metáfora de espacios más amplios y complejos«.
En Estados Unidos se estrena Blancanieves, Mirror, Mirror, dirigida por el indio Tarsem Singh con Julia Roberts en una aventura familiar en la que también aparecen Lily Collins como Blancanieves, Armie Hammer y Nathan Lane. El filme propone una actualización del cuento de los hermanos Grimm, con guión de Marc Klein y Jason Keller, en el que Blancanieves lucha junto a los siete enanitos por devolver la alegría a una villa que vive en el ostracismo desde que la reina tomara el poder tras deshacerse del padre de la joven.
El estudio Paramount, que celebra este año su centenario, estrena mundialmente en España Paramount Channel, su primer canal de televisión gratuito, que emitirá 24 horas al día. La emisión de la primera parte de la trilogía El Padrino supone el bautismo del canal ya que se trata de «una de las películas más importantes de la historia del cine y de Paramount«, según Rafaele Annechino, senior vicepresidente de VIMN Iberia.
Dirección: Ignacio Vilar
Intérpretes: Rubén Rios, Sabela Arán, Mayka Braña, César Cambeiro
Guión: Carlos Asorey, Ignacio Vilar
Fotografía: Alberto Díaz «Bertitxi»
Música: Zeltia Montes
Montaje: Guillermo Represa
Produción: Daniel Froiz
Mientras la nave Enterprise comienza su andadura espacial, las Madres de mayo marchan por primera vez en Buenos Aires y Star Wars llena los cines de todo el mundo, en un maravilloso y recóndito lugar del noroeste español «recién terminada la dictadura de Franco» el tiempo se detiene; y comienza un sueño. Breixo, un joven altruista lleno de buenas intenciones, se topa con los habitantes de una comuna aparecida en las inmediaciones de su aldea, al otro lado del río. A pesar de su cercanía a las fuerzas vivas del pueblo, Breixo se deja seducir por el ideal de un estilo de vida alternativo, y ayuda a los jóvenes comuneros a recuperar la aldea perdida de Vilamor. Sin propiedad privada, trabajando la tierra y en total comunión con la naturaleza, el sueño comienza a hacerse realidad (a pesar de los constantes ataques de las autoridades locales). El horizonte de un mundo nuevo se dibuja en las montañas perdidas de Galicia.
Pero todo se complica cuando Breixo se enamora perdidamente de Sonia, una de las habitantes de la comuna. El amor libre no está hecho para él. Ni las drogas, ni el ateísmo absoluto… Con gran tristeza, abandona Vilamor. No todo el mundo está destinado a vivir este sueño. Treinta y tres años después, convertido en un escritor de éxito y con los ideales oxidados en algún rincón de la memoria, Breixo regresa al lugar donde vivió los mejores años de su vida.
Ignacio Vilar (Petín de Valdeorras, Ourense) se inició en el cine en Barcelona colaborando en diferentes producciones. En 1989 recibe el premio Carlos Velo por su guión Ollo birollo. En 1991 funda con Marina Fariñas la produtora Vía Láctea Filmes con la que comienza una prolífica producción de documentales, series documentales, cortometrajes y largometrajes.
Skavabölen pojat, 2009, 123 min. (Finlandia, Alemania)
Paycom Multimedia
[rating=0]
Dirección: Zaida Bergroth
Intérpretes: Rupert: Lauri Tilkanen (Rupert), Iiro Panula (Evert), Ilmari Järvenpää (Rupert, niño), Onni Tommila (Evert, niño), Martti Suosalo (Padre), Tommi Korpela (Ossi), Elina Knihtilä (Anu)
Guión: Antti Raivio, Jan Forsström, Zaida Bergroth
Fotografía: Anu Keränen
Música: Alexander Hacke
Montaje: Nils Pagh Andersen
Producción: Nicole Gerhards, Jarkko Hentula, Hanneke Van Der Tas
1972, Rupert y Evert son dos hermanos con una imaginación desbocada, perdidos en sus juegos de indios y vaqueros y en los romances con las chicas del barrio. Pero todo empieza a desmoronarse cuando Rupert encuentra una carta oculta, que desencadena terribles peleas entre sus padres. Diez años más tarde, Rupert sigue atormentado por sus recuerdos de infancia, tratando de dar sentido a una serie de acontecimientos que condujeron a una tragedia…
Realizada por Zaida Bergroth (Finlandia, 1977), este filme de factura germano finesa estrenado en Finlandia en 2009 y basado en la obra homónima de Antti Raivio, cuenta con las interpretaciones de Lauri Tilkanen, Tommi Korpela, Martti Suosalo y Elina Knihtilä.
Zaida Bergroth realizó estudios de dirección en la Escuela de Cine, Televisión y Diseño de Producción de la Universidad de las Artes y el Diseño de Helsinki. Debutó en la dirección con los cortometrajes Glass Jaw (2004) y Heavy Metal (2006), antes de dar el salto al largo en 2009 con Last Cowboy Standing (2009), que ganó el premio Flash Forward en el Festival de Busan y los galardones al mejor guion y diseño de sonido en los premios finlandeses Jussi. Después de este largo realizó El buen hijo (2011).
Hai shang chuan qi, 2010, 125 min. (China)
Karma Films
[rating=0]
Dirección: Jia Zhang-ke
Intérpretes: Zhao Tao, Lim Giong, Lin Xudong (entrevistador)
Guión: Jia Zhang-ke
Fotografía: Yu Likwai
Música: Lim Giong
Montaje: Xhang Jia
Producción: Wang Tianyun, Ty Lik Wai, Meg Jin, Lin Ye, Xiong Yong
Shangai, una metrópolis en rápida evolución, una ciudad portuaria donde las personas van y vienen. Shangai ha recibido todo tipo de personas: revolucionarios, capitalistas, políticos, soldados, artistas y mafiosos. También ha visto revoluciones, asesinatos e historias de amor. Después de la victoria de los comunistas chinos en 1949, miles de personas de Shangai marcharon a Hong Kong y Taiwán. Irse significaba separarse de sus hogares durante treinta años; quedarse significaba sufrimiento a través de la Revolución Cultural y otros desastres políticos de China. Dieciocho personas de Shangai, Taipei y Hong Kong recuerdan su vida en Shangai. Sus testimonios, narrados como los dieciocho capítulos de una novela, reconstruyen la historia de esta ciudad desde 1930 hasta 2010.
Presentada en la sección Una Cierta Mirada del Festival de Cine de Cannes, el documental está dirigido por Jia Zhang-Ke (China, 1970), quien se graduó en la Academia de Cine de Pekín e hizo su primera película, Xiao Wu, en 1998. Actualmente vive en Pekín y está totalmente comprometido con la cinematografía sobre su país. Su Naturaleza Muerta ganó el León de Oro a la Mejor Película en la 63ª edición del Festival de Cine de Venecia de 2006. Su filmografía se completa con Xiao wu (1998), Zhantai (Plataforma, 2000), el documental Gong gong chang suo (En público, 2001), Ren xiao yao (Placeres desconocidos, 2002), Shijie (El mundo, 2004), Naturaleza Muerta (2006), Useless (2007) y 24 City (2008).
Según el director «tras examinar en mis películas durante décadas los cambios históricos en China, he desarrollado un creciente interés por la historia. He descubierto que las causas de casi todos los problemas a los que se enfrenta la China contemporánea pueden encontrarse dando forma a las profundidades de su historia. En la China continental y también en Taiwán, la auténtica naturaleza de muchos acontecimientos de la historia moderna del país ha sido escondida por aquellos que se encontraban en el poder. Como un huérfano ansioso por saber la verdad sobre sus orígenes, sentí una urgente necesidad de saber lo que había más allá de las narraciones históricas oficiales, es decir, ¿Qué habían experimentado realmente los individuos?«.
Jia Zhang-ke fue a Shangai con su cámara y siguió los pasos de la gente de la ciudad que se marchó a Taiwán y a Hong Kong y declara que «Shangai está fuertemente unida a las vidas de casi todas las figuras históricas importantes de la historia moderna de China. Y los acontecimientos de gran significado en la vida de la ciudad llevaban a los habitantes de Shanghay a vidas llenas de dolor y de separaciones de por vida«, y añade que «espero que esta película trascienda entre los políticos (tanto en el Partido Comunista de China como en el nacionalista de Taiwán) y conmueva directamente a todos los chinos«.
Un complicado conjunto de términos históricos están inscritos en la historia de Shangai, desde «colonia» en el siglo XIX hasta «revolucionario» en el XX; desde «liberación» en 1949, pasando por «revolución cultural» en 1966 hasta la «reforma» de 1978 y la «apertura» de Pudong en 1990.
[Rec]3 Génesis, 2012, 00 min. (España)
Filmax
[rating=0]
Dirección: Paco Plaza
Intérpretes: Leticia Dolera (Clara), Diego Martín (Koldo), Ismael Martínez (Rafa), Àlex Monner (Adrián), Blai Llopis (Quiquín), Claire Baschet (Natalia), Emilio Mencheta (Víctor), Adolf Bataller (Domingo), Dolores Martín (Manoli)
Guion: Paco Plaza, Luiso Berdejo
Fotografía: Pablo Rosso
Música: Mikel Salas
Montaje: David Gallart
Producción: Julio Fernández
Tras la sensación de claustrofobia experimentada en las dos primeras entregas: [REC] y [REC2] , la acción transcurre ahora a kilómetros de distancia de la ubicación original y en parte, a plena luz del día, características que dotan a la película de una renovada e inquietante realidad. La infección ha salido del edificio.
Con esta nueva entrega, el director Paco Plaza bombea sangre nueva para llevar, una vez más, a los espectadores al límite de sus sensaciones. Esta tercera parte, cargada de más acción y más humor, nos llevará de vuelta a la esencia de la primera película.
Según Plaza «no puedo creer que esté ocurriendo otra vez. Miro alrededor y todo me es familiar; miro la fecha de una revista de atrezzo y veo que hemos vuelto a donde todo empezó. Cuando en aquel momento rodábamos [REC] como una travesura, como un experimento, hubiera sido inconcebible imaginar que años más tarde iba a estar yo rodando la tercera parte!!! Imposible imaginar todo lo que esa película iba a significar, para mí y (afortunadamente) para tanta gente. Pero aquí estamos, una vez más en el centro del infierno, y disfrutando como locos«.
En REC3 se rinde un sentido homenaje a grandes nombres del rock español contemporáneo. Encabezados por Loquillo, en la boda de los protagonistas suenan M-Clan, Coque Malla, Tino Casal… La película incluye además una canción original de Iván Ferreiro, Canción de amor y muerte.
Paco Plaza (Valencia, 1973) es autor de cortos como Tropismos, Tarzán en el Café Lisboa o Abuelitos y de los largos OT, la película (2002), codirigido con Jaume Balagueró, El segundo nombre (2002), Romsanta (2004), [·REC] (2007) y [REC2] (2009).
Trois fois 20 ans, 2011, 00 min. (Francia, Bélgica, Reino Unido)
Wanda Visión
[rating=0]
Dirección: Julie Gavras
Intérpretes: William Hurt (Adam), Isabella Rossellini (Mary), Kate Ashfield (Giulia), Aidan McArdle (James), Arta Dobroshi (Maya), Leslie Phillips (Leo), Hugo Speer (Peter), Joanna Lumley (Charlotte), Simon Callow (Richard)
Guion: Julie Gavras, Olivier Dazat
Fotografía: Nathalie Durand
Música: Sodi Marciszewer
Montaje: Pierre Haberer
Producción: Sylvie Pialat, Bertrand Faivre
Mary y Adam no son la típica pareja de 20 o 30 años; tienen casi 60. Como la mayor parte de las parejas de 60 años del siglo XXI, son muy activos. Y además, lo hacen con estilo. Compaginan hijos, nietos, trabajo y amigos con las penas y alegrías de la vida de casados. Hasta que un día descubren, con gran sorpresa, que ya han entrado en el colectivo de la tercera edad. Y reaccionan ante esta realidad de forma muy diferente. La actitud de Adam es tan desesperada como su negación, buscando la fuente de la eterna juventud. Por el contrario, Mary decide encarar la situación haciendo lo que mejor sabe hacer: cuidar de su marido y su familia, pero sus «preparativos para envejecer», malévolamente cómicos, asustan a su familia y amigos.
Late bloomers, el título de la película en inglés es una expresión que significa asumir tardíamente la madurez, que es el caso de pareja de esta historia. Hija del cineasta Costa Gavras, Julie Gavras declara que tras el estreno de Amen «mi padre recorrió el mundo y todos los festivales de cine con esa película y cada vez que la exhibían, se celebraba en paralelo una retrospectiva de sus trabajos. Después de un año, empezó a parecerme angustioso. Para mi padre era extraordinario que la gente apreciara tanto su trabajo, pero al mismo tiempo era una sensación de que estaba llegando el final, como si fuera «¡su última gran película!». La idea de utilizarlo en una historia surgió cuando volvieron a homenajearle, esta vez por el vigésimo cuarto aniversario de Z. Fue cuando comprendí que podría ser una gran historia. Una historia sobre el hecho de que llega un momento en la vida en que la mirada de los otros es lo que nos hace sentir viejos, mientras que nosotros no tenemos esa sensación. Así que imaginé la vida de este arquitecto al que conceden un premio a toda su carrera y a todos sus logros profesionales. Porque el arquitecto se parece a mi padre, que lo único que quiere es seguir trabajando sin que la edad sea un problema«.
Julie Gavras, además de la hija del director de origen griego Costa-Gavras, es hermana del actor Romain Gavras (1981-). Su primer filme como directara es La Culpa es de Fidel (2006). Tras graduarse en Literatura y Leyes, Julie Gavras se volcó al cine. Comenzó su carrera como asistente de dirección en Italia y Francia para comerciales, peliculas para televisión y cine. Ha trabajado con directores tan diversos como Robert Enrico, Claire Devers, Jacques Nolot, Alexandre Jardin, Camille de Casabianca, Roberto Faenza and Michele Soavi. También ha trabajado con su padre en la película dramática sobre la Segunda Guerra Mundial Amen.
En 1988, dirigió un corto cinematográfico llamado Oh les beaux dimanches! producido en Marsella por Comic Strip. Dos años más tarde, dirigió su primer documental From Dawn to Night: Songs by Moroccan Women. Este último estaba basado en una obra de Alain Weber montada en el Teatro Bouffes du Nord en París durante el Festival d’Automne. En Enero de 2002 presentó su segundo documental que fue presentad en Francia: El Pirata, la Bruja, el Ladrón y los Chicos (Le Corsaire, le magicien, le voleur et les enfants). Este film se centraba en un curso de estudiantes de nueve años que hacían una película en la escuela. Julie Gavras ha dirigido también varios otros documentales para Arte y France 5.
Dr. Seuss’ The Lorax, 2012, 00 min. (USA)
Universal Pictures
[rating=0]
Dirección: Chris Renaud, Kyle Balda
Intérpretes: Zac Efron (Voz de Ted), Danny DeVito (Voz de Lorax), Taylor Swift (Voz de Audrey), Ed Helms (Voz de Once-Ier), Betty White (Voz de Norma), Rob Riggle (Voz de O’Hare)
Guion: Cinco Paul, Ken Daurio
Música: John Powell
Montaje: Claire Dodgson, Steven Liu, Ken Schretzmann
Producción: Chris Meledandri, Janet Healey
Adaptación del libro infantil del Dr. Seuss acerca de una criatura del bosque que simboliza el eterno poder de la esperanza. La película cuenta la historia de un chico que busca el objeto que le permitirá ganarse el afecto de la chica de sus sueños. Para conseguirlo, debe descubrir la historia del Lorax, una encantadora aunque malhumorada criatura que lucha por proteger a un mundo en vías de extinción.
Danny DeVito presta su voz al emblemático personaje del Lorax, y Ed Helms al enigmático Once-ler. Zac Efron en el papel de Ted, el joven idealista que busca al Lorax, y Taylor Swift como Audrey, la chica de los sueños de Ted. Rob Riggle es O’Hare, el rey de las finanzas, y Betty White es Norma, la sabia abuela de Ted.
Dirige Chris Renaud tra Gru, mi villano favorito (2010). Renaud trabajó para Marvel y DC Comics desde 1994 a 2000 como dibujante. A continuación pasó al diseño de producción en Shadow Projects y Big Big Productions, donde trabajó en los programas infantiles nominados por los Emmy El oso de la casa azul y It’s a Big Big World, supervisando todos los aspectos del proceso de animación, incluido el desarrollo de personajes, creando storyboards conceptuales y dirigiendo a equipos de modeladores y grafistas digitales. Posteriormente trabajó en Blue Sky Studios/20th Century Fox Animation como grafista de storyboard. Su cometido era trasladar el guión a un idioma visual cinematográfico, además de inventar y escenificar los momentos cómicos y de acción. En 2007 concibió, escribió y realizó el storyboard del corto de animación No Time for Nuts, además de supervisar todos los aspectos creativos de la producción, incluido el diseño, maquetación, iluminación, realización y diseño musical. El corto fue nominado a un Oscar y ganó el Premio Annie al Mejor Corto otorgado por la industria de la animación.
Preferisco il paradiso, 2010, 219 min. (Italia)
European Dreams Factory
[rating=0]
Dirección: Giacomo Campiotti
Intérpretes: Gigi Proietti (Filippo Neri), Francesco Salvi (Persiano Rosa), Roberto Citran (Cardenal Capurso), Sebastiano Lo Monaco (Nerano), Francesca Antonelli (Zaira)
Guion: Mario Ruggeri
Fotografía:
Música: Marco Frisina
Montaje: Alessandro Lucidi
Producción: Nicolò Forte
«Sed buenos, si podéis» se ha convertido en la proverbial expresión de San Felipe Neri, uno de los santos más queridos de la historia de la Iglesia. El santo de la alegría, el juglar de Dios, el segundo apóstol de Roma, Pippo el bueno, todas estas son sólo algunas de las definiciones de este sacerdote que nació en Florencia en 1515 y vivió más de 60 años en Roma.
Mientras tenía lugar el Concilio de Trento y comenzaba la llamada Contrarreforma, San Felipe formaba a los más jóvenes con ternura e ironía logrando que se divirtiesen cantando y jugando en un lugar que más adelante se convertiría en el Oratorio, proclamada congregación por el Papa Gregorio XIII en 1575.
San Felipe Neri, en su larga vida fue amigo de San Ignacio de Loyola y del cardenal Carlos Borromeo pero él, en su vocación, cuando se le preguntó si quería ser nombrado cardenal, sin dilación contestó: «Prefiero el Paraíso«.
Dirige Giacomo Campiotti (Varese, 1957), quien se licencia en pedagogía en la Universidad de Bolonia. Ayudante de dirección de Mario Monicelli, posteriormente entra a formar parte del grupo «Ipotesi Cinema» fundado por Ermanno Olmi. En dicho ámbito, entre 1983 y 1987 realiza sus primeras obras como director de cortometrajes y mediometrajes: Tre donne, La bomba y Ritorno dal cinema, interpretado por Claudio Botosso y Enrica Modugno y basado en una narración de Cesare Zavattini.
En 1989, debuta en el largometraje con Corsa di primavera, presentado con éxito en la Semana de la Crítica en la Mostra del Cinema de Venecia, que es seleccionado por numerosos festivales internacionales y gana el «Grifone d’Oro» como mejor película en la localidad de Giffoni.
Entre 1991 y 1992 trabaja en el ámbito de los videoclip musicales y, entre muchos otros, realiza el de Lucio Dalla; su segundo largometraje es de 1994 y se titula Come due coccodrilli; ha recibido muchas crítica positivas y ha sido presentado en varias muestras de cine de todo el mundo.
One for the money, 2012, 106 min. (USA)
DeAPlaneta
[rating=0]
Dirección: Julie Anne Robinson
Intérpretes: Katherine Heigl (Stephanie Plum), Jason O’Mara (Joseph Morelli), John Leguizamo (Jimmy Alpha), Daniel Sunjata (Ranger), Sherri Shepherd (Lula), Debra Monk (Sra. Plum), Nate Mooney (Eddie Gazarra), Fisher Stevens (Morty Beyers), Leonardo Nam (John Cho)
Guion: Liz Brixius, Karen McCullan Lutz, Kirsten Smith
Fotografía: Jim Whitaker
Música: Deborah Lurie
Montaje: Lisa Zeno Churgin
Producción: Wendy Finerman, Sidney Kimmel, Gary Lucchesi, Tom Rosenberg
Katherine Heigl da vida a Stephanie Plum, la heroína de una popular serie de intriga de dieciocho libros escrita por Janet Evanovich. Stephanie Plum es una orgullosa chica de Jersey a quien no le falta carácter, a pesar de que lleva seis meses sin trabajo y de que las deudas le han hecho perder hasta su coche. Necesitada de dinero rápido, Stephanie toma una medida desesperada: recurrir al indeseable de su primo Vinnie para que le haga un hueco en su agencia de fianzas. Su nuevo trabajo, de cazarrecompensas, consistirá en encontrar y llevar ante la justicia a clientes que no comparezcan en los juicios después de haber sido puestos en libertad bajo fianza. Aunque nunca ha visto unas esposas de cerca y la única arma que conoce es el spray de autodefensa, eso no le impide asumir la caza y captura del fugitivo más escurridizo de la empresa: el ex policía antivicio y sospechoso de asesinato Joe Morelli (sí, el sexy e irresistible Joe Morelli que la sedujo y la dejó tirada en el instituto).
Desde su primera aparición en la novela de Evanovich One For The Money (1994), la entrañable chica de Nueva Jersey metida a cazarrecompensas ha resuelto crímenes y dado caza a maleantes a lo largo de dieciocho éxitos de ventas internacionales, siendo Explosive Eighteen la última de las entregas por ahora.
En 1994, Evanovich no imaginaba que Stephanie Plum la daría a conocer en todo el mundo y la encumbraría como una de las escritoras de novela negra más vendidas. Tampoco se imaginaba que, tras diecisiete años de interés por parte de Hollywood, realmente vería a la estrella del cine y la televisión Katherine Heigl dar vida a Stephanie Plum.
Katherine Heigl, conocida por su carismático papel en la serie de televisión Anatomía de Grey y por el éxito de taquilla La cruda realidad, así como por 27 Vestidos y Lío embarazoso, recibió con entusiasmo la oportunidad de dar vida a Stephanie Plum en la pantalla.
Dirige Julie Anne Robinson, que procede de la televisión, donde ha dirigido varios capítulos de series como Weeds o Anatomía de Grey. Es autora del largo La última canción (2010).
Al chef Ferran Adrià, distinguido con tres estrellas de la Guía Michelin, se le considera ampliamente el mejor, más innovador y atrevido cocinero del mundo. En su cocina, todo cuanto una vez fue familiar se desintegra. Su restaurante, El Bulli, sólo abre medio año; durante los seis meses que permanece cerrado, Adrià y su equipo se recluyen en el laboratorio de cocina que el chef tiene en Barcelona para crear el nuevo menú de la próxima temporada. Todo vale, menos copiarse a sí mismo.
Se descuelgan los cuadros, y la cubertería se envuelve en celofán, mientras se cargan máquinas y cajas en una furgoneta de reparto. En la pequeña Cala Montjoi, abajo, las olas arremeten contra la playa. Nos hallamos en El Bulli, donde somos testigos del cierre del restaurante probablemente más famoso del mundo. Pero no, no se cierra para siempre, tan sólo hasta la próxima temporada. Al llegar el invierno, se cierra el restaurante, y Ferran Adrià, Oriol Castro y Eduard Xatruch se enclaustran durante medio año en su cocina experimental de Barcelona con miras a crear su nuevo menú para la próxima temporada.
El film es una estrecha mirada desde la experimentación inicial hasta el estreno del plato final. No obstante, en el curso de ese proceso, se examina de un modo totalmente nuevo un buen número de ingredientes. ¿Qué nuevo producto puede derivarse de un boniato? Se analiza sistemáticamente sabor y textura mediante ebullición, torrefacción, freidura, tratamiento por vapor, vaciado del aire, esferificación, o desecación al frío, para luego degustar. Brotan las ideas, se discuten y, finalmente, se documentan todos los resultados exhaustivamente en un ordenador portátil que reposa al lado del cucharón, sean buenos o malos. Al fin y al cabo, investigar significa examinar pormenorizadamente llevado de unos principios fundamentales. E investigar también significa trabajo, en algunas ocasiones hasta la extenuación. Por lo común, las ideas no caen del cielo, evolucionan en el reino difuso que se halla entre la intención y lo accidental, la experiencia y lo desconocido.
La película, que se presentó en el Festival de Cine de San Sebastián, está dirigida por Gereon Wetzel (Bonn, 1972), quien tras estudiar un Máster en Arqueología por la Universidad de Heidelberg, trabajó como arqueólogo en el Instituto de Arqueología Marina de Girona. En 2006 finalizó el programa de Realización Documental de la Universidad de Televisión y Cine de Munich (HFF München). Desde entonces, ha realizado, entre otros, los siguientes documentales: Castells (2006), Die Reproduktionskrise (2007) y How to Make a Book with Steidl (2010).
Wrath of the titans, 2012, 00 min. (USA)
Warner Bros.
[rating=0]
Dirección: Jonathan Liebesman
Intérpretes: Sam Worthington (Perseo), Liam Neeson (Zeus), Ralph Fiennes (Hades), Danny Huston (Poseidón), Toby Kebbell (Agénor), Bill Nighy (Hefesto), Rosamund Pike (Andrómeda), Edgar Ramírez (Ares)
Guion: Dan Mazeau, David Leslie Johnson, Steven Knight
Fotografía: Ben Davis
Música: Javier Navarrete
Montaje: Martin Walsh
Producción: Basil Iwanyk
Una década después de la heroica derrota del monstruoso Kraken, Perseo (Worthington), un semidios hijo de Zeus (Neeson), intenta disfrutar de una vida más apacible como pescador de una aldea y padre soltero de su hijo de 10 años, Helio. Mientras tanto, se está desarrollando una dura lucha por la supremacía entre los dioses y los Titanes. Los dioses, peligrosamente debilitados por la falta de devoción de la humanidad, comienzan a perder el control sobre los Titanes encerrados y sobre su feroz líder, Cronos, padre de los hermanos Zeus, Hades y Poseidón, que llevan mucho tiempo en el poder. El triunvirato había derrocado a su poderoso padre mucho tiempo atrás, abandonándole a su suerte hasta pudrirse en el lúgubre abismo de Tártaro, un calabozo situado en las profundidades de los infiernos.
La película, que se presenta en con 3D inmersivo, se rodó en los estudios Shepperton, unas instalaciones de producción de aspecto anodino a las afueras de Londres. Furia de titanes se estrenó en 2010, y su combinación de mitología griega y acción trepidante recreada con la última tecnología disponible resultó muy atractiva para el público de todo el mundo. Esta nueva película – escrita por Dan Mazeau y David Leslie Johnson a partir de una historia de Greg Berlanti, David Leslie Johnson y Dan Mazeau, y basada en los personajes creados por Beverley Cross – presenta una historia humana con el impresionante telón de fondo de los dioses y titanes de la mitología.
Dirige el sudafricano Jonathan Liebesman (Johannesburgo, 1976) tras En la oscuridad (2003), La matanza de Texas (2006) e Invasión a la Tierra (2011). Estudió en la Escuela de Cine y Drama de Sudáfrica antes de trasladarse a Nueva York para continuar en la Escuela Tisch de las Artes. Durante este periodo escribió y dirigió el cortometraje Génesis and Catastrophe, basado en un relato de Roald Dahl. Fue premiado en los festivales de Hollywood y Austin y actualmente se utiliza como herramienta formativa en la Escuela Tisch.Liebesman también dirigió The Killing Room (2009).
Wuthering heights, 2011, 128 min. (Reino Unido)
Alta Classics
[rating=0]
Dirección: Andrea Arnold
Intérpretes: Kaya Scodelario (Cathy adulta), James Howson (Heathcliff adulto), Solomon Glave (Heathcliff joven), Shannon Beer (Cathy joven), Steve Evets (Joseph), Oliver Milburn (Sr. Linton), Paul Hilton (Sr. Earnshaw), Simone Jackson (Nelly),Lee Shaw (Hindley), Amy Wren (Frances), Nichola Burley (Isabella Linton)
Guion: Olivia Hetreed
Fotografía: Robbie Ryan
Montaje: Nicolas Chaudeurge
Producción: Robert Bernstein, Kevin Loader, Douglas Rae
Ambientada en la Inglaterra del siglo XIX. Cathy y Hindley Earnshaw son sorprendidos un día por su padre, que trae a Heathcliff, un chiquillo sucio, con el propósito de adoptarlo. Con el paso del tiempo y la muerte del padre, Hindley, amo de Cumbres Borrascosas, desprecia a Heathcliff, convertido en mozo de cuadras. Pese a todo, se mantiene el afecto mutuo entre Cathy y Heathcliff. Pero parece un amor imposible por la barrera social que les separa.
Adaptación de Cumbres Borrascosas, la novela de Emily Bronte con guión de Olivia Hetreed (La joven de la perla). Dirige Andrea Arnold, autora de Red Road, su primer largometraje, que fue galardonado con el Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2006. Anteriormente, había hecho tres cortos: Wasp, que obtuvo 38 premios internacionales entre los que se cuentan el Oscar al Mejor Cortometraje de Ficción en 2005; y Dog y Milk, que se proyectaron en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes.
Fish Tank, su segundo largometraje, recibió el Premio del Jurado en el Festival de Cannes 2009, así como los de Mejor Dirección, Mejor Actriz Revelación, British Independent Film Awards (BIFA) de 2009 y el Premio BAFTA al Film Británico Más Destacado del Año.
Según la directora «nunca me han gustado las adaptaciones: los libros tienen un lenguaje muy diferente del cinematográfico y suelen estar completos tal y como son, así que me sorprendí mucho de mí misma cuando me vi acometiendo una adaptación… ¡y de qué libro! Es gótico, feminista, socialista, sadomasoquista, freudiano, incestuoso, violento y visceral. Tratar de mezclar todo eso en una película era una tarea ambiciosa y casi absurda. Ningún intento le haría justicia al libro. Pero no tenía elección: cuando me he hecho a la idea de alguna cosa, ya no puedo dejarlo, por más difíciles que se pongan las cosas«. Y añade que «mi primera aproximación a Cumbres borrascosas fue de niña, cuando vi la película interpretada por Laurence Olivier como Heathcliff y Merle Oberon como Cathy. No recuerdo por qué, pero me afectó profundamente. El libro lo leí más tarde, en mi adolescencia. Me sorprendió, porque no era la historia de amor que me esperaba, sino que era algo mucho más oscuro, extraño y profundo. Cuando releí el libro muchos años después, me preocupaba el personaje de Heathcliff, el intruso, el invasor. Quise hacer la película por él: por la forma en que le trataron de niño, la brutalidad, en lo que se convierte… ¿Un producto de sus experiencias o de su verdadera naturaleza? Cathy dice que ella es Heathcliff. En mi opinión, Emily Brontë era Heathcliff, y me parece que todos podríamos ser como él«.
Desde su publicación en 1847, Wuthering Heights (Cumbres borrascosas), la novela de Emily Brontë ha sido una de las más leídas, analizadas e influyentes obras de literatura mundial y ha sido fuente de inspiración de numerosas creaciones artísticas entre las que se cuentan obras de teatro, poemas, ballets, óperas (una de ellas del legendario compositor de bandas sonoras Bernard Herrmann). La primera adaptación cinematográfica conocida data de 1920, a cargo de A. V. Bramble, aunque no ha sobrevivido ninguna copia. Luis Buñuel hizo una interpretación desde el punto de vista católico en Abismos de pasión (1954), ambientada en México y protagonizada por Jorge Mistral. En 1985, Jacques Rivette llevaba los personajes de Brontë al campo francés de los años treinta en Hurlevent. La adaptación de Yoshishige Yoshida, Arashi ga Oka (1988), está ambientada en el Japón feudal. La versión más famosa es la de 1939, el clásico romántico de Hollywood dirigido por William Wyler y protagonizado por Laurence Olivier y Merle Oberon.
Los estrenos de esta semana son Grupo 7, de Alberto Rodríguez; La fría luz del día, de Mabrouk El Mechri; Los infieles, de Emmanuelle Bercot, Eric Lartigau, Gilles Lellouche, Michel Hazanavicius, Fred Cavayé, Jean Dujardin y Alexandre Courtès; Mi hijo y yo, de Philippe Guillard; Take Shelter, de Jeff Nichols; y Titanic 3D, de James Cameron.
