La revista Variety, una de las publicaciones más antiguas y respetadas de información sobre el mundo del espectáculo, es puesta a la venta por sus propietarios, Reed Business.
La filial de la editorial Reed Elsevier asegura que vende Variety como parte de su estrategia durante los últimos tres años de desprenderse de su negocio de revistas estadounidense. «Con el objetivo cada vez mayor de RBI en los servicios de datos, y la venta de nuestras otras publicaciones
Comienza la Muestra de Cine Latinoamericano de Lleida con una gala inaugural marcada por el recuerdo al actor Jordi Dauder, desaparecido a finales del año pasado, y la entrega de varios premios. Entre los galardonados, el actor argentino Eduardo Blanco, que recibe un premio de honor, entregado por las actrices Malena Alterio y Mercedes Sampietro, al igual que el cineasta Jaume Balagueró, que lo recibe de manos de Manuela Velázquez. Especialmente emocionado se ha mostrado Agustí Villaronga, que recibirá el premio Jordi Dauder a petición del propio actor, desaparecido a finales del año pasado y que estuvo estrechamente vinculado a la Muestra.
La Muestra, que este año ha visto reducido su presupuesto un 20 por ciento, durará una semana y se proyectarán unas 60 producciones de más de 15 países que incluyen estrenos, operas primas y retrospectivas de varios géneros. La cinta con la que se inaugura el Certamen es la argentina Un amor, dirigida por Paula Hernández.
Los largometrajes que competirán son:
03:34, terremoto en Chile, de Juan Pablo Ternicer (Chile)
Ópera prima de su director y gran éxito de taquilla en Chile, revive el terremoto que el año 2010 devastaba la zona centro–sud del país. Tres historia paralelas testimonian la tragedia: una mujer desesperada por encontrar a sus hijos, un grupo de amigos universitarios que en aquel momento pasaba las vacaciones y un reo que escapa de prisión para buscar a su hija.
Días de gracia, de Everardo Gout (México, Francia, USA)
Con una amplia trayectoria en el terreno del cortometraje, el cineasta mexicano Everardo Gout debuta en el largometraje con este aclamado thriller. En el marco de tres mundiales de fútbol (2002, 2006 y 2010), tres historias (la de un policía, la de un un rehén y la de una esposa) sirven a Gout para retratar el drama y las consecuencias de la violencia.
El estudiante, de Santiago Mitre (Argentina)
Premiada en numerosos festivales, el debut en solitario del reconocido guionista de Pablo Trapero -y co director del largometraje El amor (Primera parte) – construye un retrato de la iniciación política en el contexto de la universidad pública. Las vicisitudes de un joven estudiante sirve de hilo conductor a este alegato en favor de la ética dentro de la política.
El rumor de las piedras, de Alejandro Bellame Palacios (Venezuela)
Inspirada en las dramáticas consecuencias de las inundaciones que sufrió Venezuela el año 1999, el segundo largometraje de Bellame (después de la aclamada El Tinte de la fama) narra la historia de una heroína cotidiana: una madre soltera que, superviviente del desastre natural, lucha para ofrecer a sus hijos una vida alejada de la marginalidad y la delincuencia.
Entre la noche y el día, de Bernardo Arellano (México)
Reconocido y premiado en varios festivales, el cineasta mexicano Bernardo Arellano construye una película esperanzadora y vitalista a partir del retrato íntimo de un hombre autista. Huyendo del rechazo, la explotación y los abusos de su propia familia, buscará la libertad en un refugio situado en medio de la naturaleza.
Eu receberia as piores notícias dos seus lindos lábios, de Beto Brant (Brasil)
Basada en la aclamada novela homónima de Marçal Aquino, el tándem formado por Brant y Ciasca presenta una historia ubicada en el Amazonas. Dos tramas se combinan: la pasión entre un fotógrafo y la mujer de un predicador; y la lucha de los pueblos indígenas contra los saqueos de las grandes corporaciones.
Juan y Eva, de Paula de Luque (Argentina)
La cineasta, coreógrafa y bailarina Paula de Luque reconstruye la gestación de la relación íntima que culminaría en el matrimonio más transcendental de la historia contemporánea argentina. Él era un ambicioso coronel viudo. Ella, una joven actriz de orígenes humildes. Sus nombres: Juan Domingo Perón y Eva Duarte.
Pescador, de Sebastián Cordero (Ecuador, Colombia)
Reconocido a nivel internacional, el cineasta ecuatoriano Sebastián Cordero llega a su cuarta película con una comedia sobre el tráfico de drogas amateur en América del sud. La historia sigue las vicisitudes de un pescador que, tras hallar por casualidad un cargamento de cocaína en el mar, se convierte en un narcotraficante improvisado.
Reus, de Eduardo Piñeiro, Pablo Fernández, Alejandro Pi (Uruguay, Brasil)
Gran éxito de taquilla en Uruguay, Reus nos situá en el barrio homónimo de Montevideo para abordar desde el drama policial temas como la inseguridad y las drogas en la capital del país. Cuatro grupos sociales pugnan por prevalecer: una banda de delincuentes experimentados, los comerciantes de la comunidad judía, una banda juvenil relacionada con las drogas y, por último, la policía.
Un amor, de Paula Hernández (Argentina)
El tercer largometraje de la reconocida cineasta argentina Paula Hernández adapta un cuento de Sergio Bizzio para construir un emotivo relato sentimental sobre un triángulo amoroso en dos tiempos: la adolescencia y la edad adulta. Una historia de amores, pero también de soledades, donde el pasado marca inevitablemente la vida de sus protagonistas.
Verdades verdaderas. La vida de Estela, de Nicolás Gil Lavedra (Argentina)
Ópera prima de su director, sigue el recorrido vital de la que se convirtió en presidenta de las Abuelas de Plaza de Mayo: Estela de Carlotto. Tras el secuestro y asesinato de su hija por parte de la dictadura militar argentina, y de la desaparición de su nieto, la vida de Estela cambió para siempre.
Los Jurados de la Sección Oficial de Largometrajes son:
El único estreno a nivel nacional que llega a las pantallas de Estados Unidos esta semana es The hunger games, de Gary Ross, que cuenta en su reparto con Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Elizabeth Banks, Lenny Kravitz, Wes Bentley, Stanley Tucci y Donald Sutherland. Basado en la novela de Suzanne Collins, plasma una sociedad (Panem, las ruinas de lo que fue Estados Unidos en su día) dominada por un Gobierno tiránico que obliga a sus 12 distritos a enviar a dos adolescentes para competir en los llamados «juegos del hambre», un castigo por las rebeliones del
Al final de túnel, 2012, 00 min. (España)
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[rating=0]
Dirección: Eterio Ortega Santillana
Intérpretes: Sabino Ayestarán, Cristina Sagarzazu, Maite Goizueta, Juan Karlos Ioldi, Edurne Brouard, Kepa Pikabea
Guión: Eterio Ortega Santillana
Fotografía: Daniel Salas Alberola
Música: Pascal Gaigne
Montaje: Fernando Pozo
Producción: Joseba Abrisketa, Jonatan Campos, Alfredo Ponce
Largometraje documental sobre el final de la violencia de ETA de la mano de varios personajes cuyas vidas han girado o giran aún en torno a las consecuencias del «conflicto vasco». Eterio Ortega Santillana explora en las raíces del nacionalismo y presenta un conjunto de experiencias, sentimientos y actitudes que permiten vislumbrar el final del sufrimiento y la esperanza de paz, libertad y reconciliación.
Es el tercer largometraje de Eterio Ortega Santillana (Burgos, 1962), licenciado en Bellas Artes en las especialidades de Audiovisuales y Escultura, con el Doctorado en Audiovisuales en curso, sobre este tema, tras Asesinato en febrero (2001) y Perseguidos (2004), todos ellos fruto de su colaboración con Elías Querejeta.
Según Eterio Ortega Santillana «en mis trabajos es una constante la reflexión sobre el límite: la estrecha línea que nos coloca de un lado de la barrera o al contrario. La vida y la muerte; la libertad o la falta de ella, el amor y el odio, la verdad o la mentira, aceptación o rechazo, adhesión o disconformidad … siempre el límite. Lo he abordado sin discursos políticos, con testimonios de vida cotidianos, con intimidad y reflexión real, sin titulares periodísticos. Todo ello reflejado en imágenes y sonidos: con penumbra y luz, con los horizontes y las montañas, la tempestad del mar y su calma, el ruido y el silencio. Narrar a través de la cámara con un lenguaje visual personal, unos testimonios y una historia en los límites«.
Elías Querejeta, responsable de la idea original en la que se basa la película, señala que «cada uno de los personajes vive ante el ojo de la cámara. Distintas formas de vivir, distintos quehaceres, distintas conversaciones y distintos paisajes. Tratamos de alcanzar de la forma más directa y cercana posible las inquietudes, tristezas y alegrías que conforman un particular entendimiento de vida. Y dentro del desarrollo hay también una parte abierta a la memoria tanto personal como colectiva. Lo que en ningún caso tiene la cámara es un previo desplazamiento político o ideológico. Por tanto, recoge sin ninguna valoración previa aquellas palabras, recuerdos y situaciones a través de las que camina«.
al final del túnel-bakerantza#Trailer from al final del túnel on Vimeo.
The vow, 2012, 104 min. (USA)
Sony Pictures
[rating=0]
Dirección: Michael Sucsy
Intérpretes: Rachel McAdams (Paige), Channing Tatum (Leo), Sam Neill (Bill Thornton), Scott Speedman (Jeremy), Jessica Lange (Rita Thornton), Kim Roberts (Barbara)
Guion: Jason Katims, Abby Kohn, Marc Silverstein, Michael Sucsy
Fotografía: Rogier Stoffers
Música: Michael Brook, Rachel Portman
Montaje: Melissa Kent, Nancy Richardson
Producción: Gary Barber, Roger Birnbaum, Paul Taublieb
Paige y Leo son un joven matrimonio, locos el uno por el otro que viven una vida plena como artistas en Chicago. Durante una nevada nocturna sufren un accidente de tráfico. Leo sale ileso, pero Paige sufre un traumatismo craneal que borra a su marido de su memoria. Cuando ésta sale del coma, Leo es para ella un extraño. De repente, Leo se encuentra en la dolorosa situación de tener que reiniciar la relación que toda su vida había deseado y volver a ganarse el amor de su mujer. Mentalmente Paige regresa a su vida cuando estudiaba derecho cinco años atrás, antes de conocer a Leo y hacerse artista. En un instante, deja de ser la mujer que Leo conocía y encima no recuerda nada de su vida actual. No puede comprender por qué se ha alejado de sus padres, echa de menos su ropa más conservadora y no entiende por qué dejó la universidad y una prometedora carrera de Derecho. Para colmo, Paige cree que aún está comprometida con Jeremy, que todavía la quiere y se muestra reacia a querer a Leo, que lleva una vida menos convencional dedicándose a la música. Incluso le llega a extrañar que alguna vez haya podido amarle.
Dirige Michael Sucsy, quien se crió en Nueva York y Nueva Inglaterra y se graduó en la Escuela de Asuntos Internacionales Edmund A. Walsh por la Universidad de Georgetown. Se sacó un máster en Bellas Artes en cine en el Art Center College of Design. Empezó dirigiendo anuncios publicitarios en Palomar Pictures en Los Ángeles y pronto fue calificado por Shoot! Magazine como uno de los nuevos directores a seguir. Posteriormente, fue nominado para el Premio del Director Joven del Año en el Festival Internacional Publicitario de Cannes en 2002.
En 2003, comenzó a trabajar en Grey Gardens, una película basada en la historia real de los excéntricos familiares de Jackie O’, «la gran Edie» Boubier Beale y «la pequeña Eddie» Bouvier Beale. Tras ver el famoso documental de igual título, Sucsy se inspiró para escribir y dirigir una película narrativa sobre la solitaria vida de madre e hija e inmediatamente se embarcó en lo que se convertiría en un proceso de seis años hasta terminar Grey Gardens. Mientras investigaba y escribía el guión, se levantaba diariamente a las 5 de la mañana para trabajar durante horas antes de dedicarse a tiempo completo en un empleo como ayudante de un abogado del mundo del entretenimiento.
En 2005, dos años después de su idea inicial para Grey Gardens, terminó el borrador. Con Jessica Lange y Drew Barrymore formando parte de la fuerza del guión, el proyecto llegó a HBO, que en 2006 anunció que Grey Gardens entraba en producción. Tras otro año de desarrollo de guión y pre-producción, la fotografía comenzó en octubre de 2007. El film estuvo listo dos meses más tarde, en diciembre de 2007, a tiempo y ajustado al presupuesto.
Después de seis años, el film tuvo notorias premieres antes de estrenarse en la HBO en el Teatro Ziegfeld de Nueva York y en el Teatro Chino Gauman de Hollywood. Grey Gardens se estrenó en HBO en abril de 2009 con una gran acogida por parte de la crítica y público, convirtiéndolo también en un fenómeno para las nuevas generaciones. Recibió múltiples premios como 6 Premios Emmy Primetime incluida Mejor Película hecha para Televisión, el Premio de la Asociación de la Crítica de Televisión como Outstanding Achievement Movies, Mini Series and Specials. Recibió 17 nominaciones a los Emmy Primetime, tres de ellos para Sucsy, igualando el récord de nominaciones recibidas para una película hecha para televisión de todos los tiempos. También ganó el Broadcast Film Critics Award y un Globo de Oro como Mejor Película o Mini Serie Hecha para Televisión. Por Grey Gardens, Michael también estuvo nominado para el premio Directors Guild of America Award for Directorial Achievement in Movies for Television/Mini-Series y el Writers Guild of America Award.
Tyrannosaur, 2011, 91 min. (Reino Unido)
Festival Films
[rating=0]
Dirección: Paddy Considine
Intérpretes: Peter Mullan (Joseph), Olivia Colman (Hannah), Eddie Marsan (James), Paul Popplewell (Bod)
Guión: Paddy Considine
Fotografía: Erik Wilson
Música: Chris Baldwin, Dan Baker
Montaje: Pia Di Ciaula
Producción: Diarmid Scrimshaw
Joseph, un viudo alcohólico y dominado por la violencia, encuentra la esperanza de la redención en Hannah, una trabajadora de la caridad cristiana. Joseph se burla de la fe de Hannah y de su idílica existencia. Sin embargo, pronto descubre que la vida de Hannah no tiene nada de plácida. Según avanza su relación, ambos llegan a darse cuenta de que, a pesar del dolor, el amor y la amistad pueden encontrarse incluso en los lugares más oscuros.
Rodado en Leeds (Reino Unido) surge del primer trabajo del actor Paddy Considine como director, el corto Dog Altogether, que se estrenó en 2007. Rodado en Glasgow, el corto empieza con el personaje de Joseph (Peter Mullan), un hombre perdido en y por su propia ira, y a continuación siguen varias secuencias violentas en las que aparece como acosador y víctima, hasta que conoce a una mujer amable, en una tienda de barrio, que desempeña labores de caridad. Para él, la amabilidad de esa mujer aparece como una luz en medio de la oscuridad. «La idea de Dog Altogether era arrancar la película con un hombre dando patadas a un perro, hasta matarlo, pero que al final el público terminase empatizando con ese hombre«, dice Diarmid Scrimshaw, productor de ambas películas «Paddy ha conseguido eso brillantemente. Estaba claro que Paddy era un guionista y director excepcional«.
Mientras Considine escribía el guión, para el papel de Joseph no podía pensar en otro que no fuese Peter Mullan. «Peter Mullan fue mi única opción, incluso estaba dispuesto a aplazar la película para esperarle. Tiene cualidades que son difíciles de encontrar hoy. Pertenece a esa generación de actores que me encantan, como Lee Marvin y Jack Nicholson. Es un vaquero. Podría, sin problema, convivir con ellos. No hay momento en el que no esté increíble. Es carismático e instintivo y entendió enseguida las cualidades animales de Joseph, así como las sutilezas del personaje. Tiene una capacidad enorme para despertar empatía. Es uno de mis actores favoritos y no hay otro actor del mundo que yo hubiese elegido para el papel«.
Se presentó en el Festival de Cine de Sundance donde consiguió el Premio a Mejor Director, el Premio Especial del Jurado – Actor Dramático para Peter Mullan y el Premio Especial Del Jurado – Actriz Dramática para Olivia Colman.
Extraterrestrial, 2011, 90 min. (España)
Vértigo Films
[rating=0]
Dirección: Nacho Vigalondo
Intérpretes: Michelle Jenner (Julia), Julián Villagrán (Julio), Carlos Areces (Ángel), Raúl Cimas (Carlos)
Guion: Nacho Vigalondo
Fotografía: Jon D. Domínguez
Música: Jorge Magaz
Montaje: Jon D. Domínguez
Producción: Nahikari Ipiña, Nacho Vigalondo
Julio y Julia no se conocen el uno al otro, pero despiertan en la misma cama, después de una borrachera de la que no recuerdan nada. Él se enamora al instante. Ella no. Y por si la situación no fuese lo suficientemente incómoda, Julio y Julia se dan cuenta de que un gigantesco OVNI flota sobre la ciudad.
Segundo largo dirigido por Nacho Vigalondo (Cabezón de la Sal, Cantabria, 1977) tras Los cronocrímenes (2008). Candidato al Oscar en 2005 por su aclamado cortometraje 7.35 de la mañana. Vigalondo es un polifacético artista que compagina sus
proyectos cinematográficos con tareas de interpretación en teatro, cine y televisión. Entre sus trabajos como actor destacan La máquina de bailar, El Síndrome de Svensson o The birthday. También intervino en el spot de Visionlab Tres en un burro.
Según Vigalondo «cuando escribí Extraterrestre mi principal interés era describir la periferia de una invasión extraterrestre. El punto de vista de un puñado de personajes que ven, desde el balcón de un piso en Madrid, un gigantesco OVNI, pero que, pasado el susto inicial, no saben cómo reaccionar porque no tienen ni pajolera idea de lo que hay que hacer. Es tal el vacío de información que sufren que, a medida que pasan los días, hay sitio para una sencilla y triste historia de amor. Si en mi anterior película Los Cronocrímenes, el protagonista era un pelele sometido a la tiranía de la trama, con Extraterrestre he intentado viajar al extremo opuesto y dejar que sean los personajes los que lleven la historia, sin que apenas haya interferencias extrañas. También he querido volver al género que más practiqué en mis cortometrajes, la comedia a escala íntima. En realidad hay más de una explosión. Pero ninguna de ellas vienen desde tan alto como las de La guerra de los mundos«.
Queridísimos intelectuales (del placer y el dolor), 2012, 49 min. (España)
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[rating=0]
Dirección: Carlos Cañeque
Intérpretes: Nuria Amat, Santiago Carrillo, Román Gubern, Carlos Moya, Elena Ochoa, Fernando Savater, Luis González Seara, Antonio Soler, Javier Tomeo, Xavier Rubert de Ventós
Guión: Carlos Cañeque
Fotografía: Manel Capdevila
Música: Carlos Cañeque
Montaje: Andrés Bujardón
Producción ejecutiva: Maite Grau
Un total de 10 intelectuales españoles filosofan sobre la vida, el erotismo, el humor, la ironía, el sufrimiento, el suicidio y la muerte. Los entrevistados son Nuria Amat (escritora), Santiago Carrillo (político y periodista), Román Gubern (historiador del cine y catedrático de Medios Audiovisuales), Carlos Moya (catedrático de Sociología), Elena Ochoa (psicóloga, editora y productora), Fernando Savater (filósofo, catedrático de Ética y escritor), Luis González Seara (ex ministro de Universidades e Investigación), Antonio Soler (escritor), Javier Tomeo (escritor) y Xavier Rubert de Ventós (filósofo, catedrático de Estética).
Es el primer largometraje de Carlos Cañeque (Barcelona 1957), profesor titular de Ciencia Política (Teoría Política) desde hace 23 años en la Universidad Autónoma de Barcelona. Realizó en Madrid las carreras de Filosofía (Autónoma) y de Sociología y Ciencias Políticas (Complutense) y más tarde estudió en la universidad de Yale, donde se doctoró con una tesis sobre la religión y la política en los Estados Unidos: Dios en América. Una aproximación al conservadurismo político-religioso en los Estados Unidos (Península 1988). Es autor de ensayos, novelas y cuentos infantiles (la serie El pequeño Borges imagina La Biblia, La Odisea, El Quijote, etc).
Ha publicado un libro de entrevistas sobre Borges (Conversaciones sobre Borges, Destino 1995) y, junto a Maite Grau, uno sobre Berlanga (Bienvenido Mr Berlanga, Destino 1993) y otro sobre Cioran (Cioran: el pesimista seductor. Sirpus, 2007). Con Quién, su primera novela, ganó el premio Nadal en 1997. Esta obra ha sido comentada por destacados profesores de literatura en universidades extranjeras (Sarmati, Amago, Kunz), así como por autores españoles como Fernando Savater y Pere Gimferrer, quién dijo que «es la novela más insólita y divertida de la historia del premio Nadal«. Su segunda novela, Muertos de amor (Destino 1999) fue presentada en Madrid por Luís García Berlanga, quién declaró que veía en ella «una película llena de humor negro«. Acaba de ser llevada al cine por Mikel Aguirresarobe y pronto se estrenará en salas. Después llegaría Conductas desviadas (Espasa 2002) y acaba de terminar El negro imaginario.
Ahora está acabando de montar La cámara lúcida, una segunda parte de Queridísimos intelectuales (del placer y el dolor) que incluirá secuencias de ficción basadas en su novela Quién, premiada con el Nadal en 1997. En esta próxima entrega, el propio Cañeque ha escrito e interpretado 7 papeles distintos y, como en Queridísimos intelectuales, ha compuesto la música con su piano.
The best exotic Marigold Hotel, 2011, 118 min. (Reino Unido)
Hispano Foxfilm
[rating=0]
Dirección: John Madden
Intérpretes: Judi Dench (Evelyn Greensdale), Maggie Smith (Muriel Donnelly), Bill Nighy (Douglas Ainslie), Dev Patel (Sonny Kapoor), Celia Imrie (Madge), Ronald Pickup (Norman Cousins), Tom Wilkinson (Graham Dashwood), Penelope Wilton (Jean), Lillete Dubey (Sra. Kapoor)
Guion: Ol Parker
Fotografía: Ben Davis
Música: Thomas Newman
Montaje: Chris Gill
Producción: Graham Broadbent, Peter Czernin
El exótico Hotel Marigold se supone que es la solución que la India propone a los ciudadanos más selectos de Reino Unido para que disfruten de su jubilación –un lugar donde poder pasar su edad dorada rodeados de suntuosos servicios y comodidades–, bueno, así es hasta que siete jubilados con una perentoria necesitad de cambio se presentan a la entrada de este complejo vacacional, no precisamente muy acondicionado. Así comienza una cómica, romántica y conmovedora aventura en un lugar lleno de inesperados placeres, que es recreada en la gran pantalla por algunos de los más distinguidos y consumados actores del cine actual.
Quienes llegan a la excesivamente cálida ciudad de Jaipur, con la única esperanza de poder iniciar una nueva vida y cada uno con su propio y personal equipaje, son: la afligida y asfixiada económicamente Evelyn, el desencantado juez del Tribunal Supremo Graham, la belicosa pareja conformada por Douglas y Jean, los convencionales y ávidos de amor Norman y Madge, y Muriel, cuyo único objetivo es que le arreglen cuanto antes su cadera y abandonar la India inmediatamente y para siempre. Todos ellos se encuentran a merced del ingenuamente ambicioso y joven propietario del hotel Sonny Kapoor, que heredó de su padre este antiguamente sofisticado edificio y que aún tiene la esperanza de convertirlo en un lujoso hotel de primera categoría. Por ahora, lo que sólo puede ofrecer probablemente es caos, pero Sonny compensa esa carencia de recursos con su gran entusiasmo.
Aun así, los nuevos residentes se sienten horrorizados al descubrir que algunas «mejoras» de la propiedad están absolutamente paralizadas, provocando la incertidumbre, en el mejor de los casos, en servicios tan elementales como el agua, la electricidad y el teléfono. Igualmente, se sienten desorientados por una India repleta de contrastes, que es al mismo tiempo embriagadora y aterradora, tradicional y moderna, hermosa y extraña. Al principio, estos siete recién llegados se muestran inseguros acerca de lo que el futuro puede depararles. Sin embargo, a medida que empiezan a establecer nuevas amistades y a realizar inesperados descubrimientos, comienzan a dejar atrás su pasado.
Las aventuras de estos jubilados se iniciaron en la mente de la novelista británica Deborah Moggach, que imaginó a un grupo de pensionistas de escasos recursos económicos que se ven obligados a «deslocalizarse» en la India, cada uno de ellos dispuesto (o forzado) a intentar reubicarse en un exótico escenario por un precio menor al habitual en este tipo de residencias. El libro recibió muchos elogios por sus personajes, quienes, a una edad en la que la mayoría de la gente se toma la vida con calma y se queda en un entorno conocido, se embarcan en la mayor aventura de su vida. Los productores Graham Broadbent y Peter Czernin advirtieron su potencial para realizar una inusual y original película.
Dirige John Madden (Portsmouth, Hampshire, 1949), quien estudió en el Clifton College y en Cambridge. Empezó su carrera profesional como director artístico en la Compañía Shakespeare de Oxford y Cambridge, antes de trabajar en la BBC. Se trasladó a Estados Unidos en 1975 para desarrollar dramas radiofónicos con Earplay, el proyecto nacional de la Radio Pública. Después de ganar el Prix Italia por la dirección de la obra Wings, para Earplay, empezó a dirigir obras de teatro en Yale, en el National Theatre de Londres y en Broadway, donde fue nominado a un Premio Drama Desk. En los escenarios estrenó la obra Grown Ups, de Jules Feiffer; Beyond Therapy, de Christopher Durang, y Caritas, de Arnold Wesker, mientras enseñaba en la Escuela de Arte Dramático de Yale. En 1984 empezó a dirigir para BBC y cadenas privadas. Entre sus numerosos telefilms destacan Poppyland y The Widowmaker, así como la serie After the War. Su filmografía se completa con Ethan Frome (1993), Golden Gate (1994), Su majestad Mrs. Brown (1997), Shakespeare enamorado (1998), La mandolina del capitán Corelli (2001), La verdad oculta (2006), Killshot (2008) y La deuda (2010).
El perfecto desconocido, 2011, 92 min. (España)
Alfa Pictures
[rating=0]
Dirección: Toni Bestard
Intérpretes: Colm Meaney (Mark O’Reilly), Ana Wagener (Isabel), Carlos Santos (Amancio), Natalia Rodríguez (Celia), Vicky Peña (Francina), Biel Durán (Toni), Carme Feliu (Vecina)
Guion: Arturo Ruiz Serrano
Fotografía: Nicolás Pinzón Sarmiento
Música: Alejandro Román
Montaje: Martí Roca
Producción: Miquel Verd
Mark O’Reilly, un misterioso viajero, llega a un pequeño pueblo mallorquín y se instala discretamente en un viejo comercio abandonado. Los vecinos pronto se entusiasmarán creyendo que Mark pretende reabrir el local y ello reanimará el pueblo. Pero un detalle pasa desapercibido para todos: Mark no tiene intención alguna de abrir la tienda. Ni siquiera habla castellano. Las verdaderas intenciones del viajero en la isla se ocultan detrás de una vieja fotografía polaroid, que le ha llevado hasta allí en busca de respuestas.
El director mallorquín Tony Bestard, que debuta como director de largometrajes, declara que «a partir de un sueño del guionista Arturo Ruiz comenzamos a construir la historia durante el Festival de Cine de Gijón. En un primer momento, hicimos una versión muy próxima a la comedia, pero cuando decidí trasladar la historia a Mallorca, lugar donde me he criado, ésta se oscureció. Por eso, en la versión final nos encontramos con un guion que mezcla comedia y drama, dos géneros que fluyen muy bien en este proyecto”.
Toni Bestard (Mallorca, 1973), se diplomó por la Escuela de Cinematografía y Artes Audiovisuales de Madrid (TAI). Lleva desde 1999 trabajando en el mundo audiovisual, como director, productor y ocasionalmente guionista. Figura destacada en el mundo del cortometraje, sus trabajos en este campo han recibido más de un centenar premios en festivales nacionales e internacionales. Sus dos últimos cortometrajes, Equipajes y el corto documental El anónimo Caronte, han recibido sendas nominaciones a los Premios Goya al Mejor Cortometraje en las ediciones de 2007 y 2008. En los últimos años, además ha trabajado como realizador en televisión y en el mundo de la publicidad. Paralelamente a su actividad profesional, también trabaja en el campo de la docencia, impartiendo clases de Realización y Producción Audiovisual en la Universidad de las Islas Baleares.
Está protagonizada por el irlandés Colm Meaney ya que según el director «era muy importante que el personaje principal de El perfecto desconocido fuera extranjero. El idioma jugaba un papel vital en la historia, y era fundamental que Mark, el recién llegado, no entendiera al resto de personajes que aparecen por la tienda en la que acababa de instalarse. En cambio esos personajes creen que Mark si les entiende, y para ellos el extranjero es algo así como alguien a quién uno puede contarle su vida, sin temor a que el resto del pueblo se entere. Es alguien que sabe escuchar. Hay tres idiomas que coexisten en la película (castellano, inglés y catalán), siendo el reflejo de la multiculturalidad que se vive en Mallorca desde hace años«.
Mirror, mirror, 2012, 00 min. (USA)
Tripictures
[rating=0]
Dirección: Tarsem Singh
Intérpretes: Julia Roberts (La Reina), Lily Collins (Blancanieves), Armie Hammer (Príncipe Alcott), Sean Bean (Rey), Nathan Lane (Brighton), Mare Winningham (Panadera Margaret), Michael Lerner (El Barón), Robert Emms (Charles Renbock), Jordan Prentice (Napoleón)
Guion: Melissa Wallack, Jason Keller
Fotografía: Brendan Galvin
Música: Alan Menken
Montaje: Robert Duffy, Nick Moore
Producción: Bernie Goldman, Ryan Kavanaugh, Brett Ratner
Blancanieves es una princesa en el exilio. Siete valerosos y rebeldes enanitos la ayudarán a preparase para que pueda reclamar su derecho al trono que le pertenece por nacimiento y también a conseguir al Príncipe.
Esta versión de la historia actualiza el personaje. Dirige Tarsem Singh (India, 1961), quien en los años noventa destacó como uno de los grandes valores del videoclip, ámbito en el que realizó el aclamado vídeo Losing My Religion de R.E.M. También realizó numerosos anuncios para televisión. Estudió en un internado en el Himalaya en la India y se fue a Estados Unidos a los veinticuatro años de edad. Es su segundo largometraje tras La celda (2000), The Fall. El sueño de Alexandria (2006) e Inmortals (2011).
La famosa cantante española Soraya Arnelas, es la encargada de interpretar el tema principal I Believe, un tema inspirado en Bollywood. La película cuenta con un presupuesto de más de 130 millones de dólares.
Man on a ledge, 2012, 00 min. (USA)
Aurum
[rating=0]
Dirección: Asger Leth
Intérpretes: Sam Worthington (Nick Cassidy), Elizabeth Banks (Lydia Mercer), Jamie Bell (Joey Cassidy), Ed Harris (David Englander), Edward Burns (Jack Dougherty), Anthony Mackie (Mike Ackerman), Titus Welliver (Nathan Marcus), Genesis Rodriguez (Angie), Kyra Sedgwick (Suzie Morales)
Guion: Pablo Fenjves, Chris Gorak, Erich Hoeber, Jon Hoeber
Fotografía: Paul Cameron
Música: Henry Jackman
Montaje: Kevin Stitt
Producción: Lorenzo di Bonaventura, Mark Vahradian
Cuando Nick Cassidy, un antiguo agente de policía de Nueva York que ahora es un preso fugado, entra en el famoso Hotel Roosevelt de la calle 45 con la avenida Madison, en la ciudad de Nueva York, se dirige a uno de los pisos más altos y se sube a la cornisa, pone en peligro mucho más que su propia vida. Una ciudad entera está a punto de quedarse paralizada, incluidos ciertos individuos muy nerviosos que guardan grandes secretos. La decisión de infarto de Cassidy de subirse a la cornisa de un rascacielos de la ciudad no solamente desata una auténtica vorágine de medios, sino que pone en una situación comprometida a Lydia Spencer, una activa negociadora del departamento de policía de Nueva York, que trata de convencerlo para que salga de la cornisa, mientras tiene que vérselas con un rival del departamento, que cree que ella tiene un conflicto de intereses. Sin embargo, cuanto más tiempo pasa Lydia intentado llegar a la raíz del problema de Cassidy, más se da cuenta de que este ex policía podría albergar segundas intenciones al crear tal revuelo.
Al borde del abismo era un guión escrito por Pablo F. Fenjves, cuyos derechos esperaba adquirir Lorenzo di Bonaventura durante su época de presidente de Warner Bros. Más adelante, lo adquiriría a través de su sello, di Bonaventura Pictures. El guión se quedó atascado por el camino en MGM Studios, donde mostraron interés por quedárselo. Luego fue a parar a Paramount, con intención de asignárselo a Paramount Vantage. Tres meses después, Paramount Vantage cerró sus puertas y el guión volvió a quedarse en el limbo.
Pero di Bonaventura y Vahradian no lo dieron por perdido. De pronto, Sam Worthington (Avatar) mostró interés por él, y Summit lo compró esa misma semana. Decidieron incorporar al proyecto al director Asger Leth, que tenía experiencia en documentales, para ponerse al mando de la cinta y que se convirtiera así en su primer largometraje de ficción. Fue una decisión que tenía a los productores especialmente entusiasmados, porque las cualidades que había demostrado para contar historias reales eran precisamente las que andaban buscando.
Es el primer largo dirigido por Asger Leth, hijo del cineasta Jørgen Leth, tras el impactante documental Ghosts of Cité Soleil (2006).
Almanya – Willkommen in Deutschland, 2011, 97 min. (Alemania)
Golem
[rating=0]
Dirección: Yasemin Samdereli
Intérpretes: Vedat Erincin (Hüseyin, de mayor), Fahri Yardim (Hüseyin, de joven), Lilay Huser (Fatma, de mayor), Demet Gül (Fayma, de joven), Aylin Tezel (Canan), Rafael Koussouris (Cenk), Denis Moschitto (Ali), Petra Schmidt-Schaller (Gabi)
Guion: Yasemin Samdereli, Nesrin Samdereli
Fotografía: Ngo The Chau
Música: Gerd Baumann
Montaje: Andrea Mertens
Producción: Andreas Richter, Ursula Woerner, Annie Brunner
Después de vivir 45 años en Alemania como un «Gastarbeiter» (trabajador invitado) turco, Hüseyin Yilmaz, setenta años cumplidos, anuncia a su familia que ha comprado una casa en Turquía y que todos deben volver con él para hacer las reformas necesarias. La familia no se siente en absoluto atraída por la idea y todos empiezan a discutir acaloradamente. Por si no fuera bastante, Canan, una nieta de Hüseyin, decide anunciar que está embarazada y que el padre es su novio inglés, del que nadie sabía nada. Para consolar a su primo Cenk, de seis años, al que trataron de «extranjero» el primer día de colegio, Canan decide contarle la fantástica historia de por qué acabaron todos en Alemania a pesar de no ser alemanes. Viajan en el tiempo a un maravilloso lugar donde una pequeña familia turca descubre una tierra poblada de gigantes rubios que comen cerdo, sacan a unas ratas muy gordas a pasear con correa, beben agua llamada Coca-Cola, adoran a un hombrecito en una cruz de madera y usan un galimatías ininteligible, una tierra llamada Almanya.
Dirige Yasemin Samdereli (Dortmund, 1973), quien estudió en la Escuela de Televisión y Cine de Múnich. A los 20 años empezó a trabajar como ayudante de dirección y guionista. Entre 1994 y 1998 trabajó en el proyecto mediático-pedagógico Das filmende Klassenzimmer, para Bavaria Film. Adquirió más experiencia en producciones como Who Am I/¿Quién soy? (1997), de Jackie Chan; Te wu mi Cheng (El espía accidental) (2000), de Teddy Chan, entre otras, así como en numerosos anuncios.
En 1994 escribió y dirigió su primer corto, Schlüssellöcher, al que siguieron Lieber Gott (1995), Lachnummern (1996), Kismet (2001), por el que fue nominada al Premio Max Ophuls, y Sextasy (2004). Rodó su primer telefilm en 2002, la comedia romántica multicultural Alles Getürkt, y en 2007, la comedia Ich Chefe, du nix. Trabajó como guionista en la premiada serie Türkisch für Anfänger (2006) y participó en el desarrollo del guión de varios episodios de la serie radiofónica Hui Buh. En 2004 trabajó como actriz en el corto Delicious, dirigido por su hermana Nesrin.
Los estrenos de esta semana son Al borde del abismo, de Asger Leth; Al final de túnel, de Eterio Ortega Santillana; Almanya: Bienvenido a Alemania, de Yasemin Samdereli; Blancanieves (Mirror, Mirror), de Tarsem Singh; El exótico hotel Marigold, de John Madden; El perfecto desconocido, de Toni Bestard; Extraterrestre, de Nacho Vigalondo; Queridísimos intelectuales (del placer y el dolor), de Carlos Cañeque; Redención (Tyrannosaur), de Paddy Considine; y Todos los días de mi vida, de Michael Sucsy.