Mes: marzo 2012

Vilamor, 2012, 00 min. (España)
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[rating=0]

Dirección: Ignacio Vilar
Intérpretes: Rubén Rios, Sabela Arán, Mayka Braña, César Cambeiro
Guión: Carlos Asorey, Ignacio Vilar
Fotografía: Alberto Díaz «Bertitxi»
Música: Zeltia Montes
Montaje: Guillermo Represa
Produción: Daniel Froiz

Mientras la nave Enterprise comienza su andadura espacial, las Madres de mayo marchan por primera vez en Buenos Aires y Star Wars llena los cines de todo el mundo, en un maravilloso y recóndito lugar del noroeste español «recién terminada la dictadura de Franco» el tiempo se detiene; y comienza un sueño. Breixo, un joven altruista lleno de buenas intenciones, se topa con los habitantes de una comuna aparecida en las inmediaciones de su aldea, al otro lado del río. A pesar de su cercanía a las fuerzas vivas del pueblo, Breixo se deja seducir por el ideal de un estilo de vida alternativo, y ayuda a los jóvenes comuneros a recuperar la aldea perdida de Vilamor. Sin propiedad privada, trabajando la tierra y en total comunión con la naturaleza, el sueño comienza a hacerse realidad (a pesar de los constantes ataques de las autoridades locales). El horizonte de un mundo nuevo se dibuja en las montañas perdidas de Galicia.

Pero todo se complica cuando Breixo se enamora perdidamente de Sonia, una de las habitantes de la comuna. El amor libre no está hecho para él. Ni las drogas, ni el ateísmo absoluto… Con gran tristeza, abandona Vilamor. No todo el mundo está destinado a vivir este sueño. Treinta y tres años después, convertido en un escritor de éxito y con los ideales oxidados en algún rincón de la memoria, Breixo regresa al lugar donde vivió los mejores años de su vida.

Ignacio Vilar (Petín de Valdeorras, Ourense) se inició en el cine en Barcelona colaborando en diferentes producciones. En 1989 recibe el premio Carlos Velo por su guión Ollo birollo. En 1991 funda con Marina Fariñas la produtora Vía Láctea Filmes con la que comienza una prolífica producción de documentales, series documentales, cortometrajes y largometrajes.

Trailer Vilamor from Vilamor on Vimeo.

Skavabölen pojat, 2009, 123 min. (Finlandia, Alemania)
Paycom Multimedia
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Dirección: Zaida Bergroth
Intérpretes: Rupert: Lauri Tilkanen (Rupert), Iiro Panula (Evert), Ilmari Järvenpää (Rupert, niño), Onni Tommila (Evert, niño), Martti Suosalo (Padre), Tommi Korpela (Ossi), Elina Knihtilä (Anu)
Guión: Antti Raivio, Jan Forsström, Zaida Bergroth
Fotografía: Anu Keränen
Música: Alexander Hacke
Montaje: Nils Pagh Andersen
Producción: Nicole Gerhards, Jarkko Hentula, Hanneke Van Der Tas

1972, Rupert y Evert son dos hermanos con una imaginación desbocada, perdidos en sus juegos de indios y vaqueros y en los romances con las chicas del barrio. Pero todo empieza a desmoronarse cuando Rupert encuentra una carta oculta, que desencadena terribles peleas entre sus padres. Diez años más tarde, Rupert sigue atormentado por sus recuerdos de infancia, tratando de dar sentido a una serie de acontecimientos que condujeron a una tragedia…

Realizada por Zaida Bergroth (Finlandia, 1977), este filme de factura germano finesa estrenado en Finlandia en 2009 y basado en la obra homónima de Antti Raivio, cuenta con las interpretaciones de Lauri Tilkanen, Tommi Korpela, Martti Suosalo y Elina Knihtilä.

Zaida Bergroth realizó estudios de dirección en la Escuela de Cine, Televisión y Diseño de Producción de la Universidad de las Artes y el Diseño de Helsinki. Debutó en la dirección con los cortometrajes Glass Jaw (2004) y Heavy Metal (2006), antes de dar el salto al largo en 2009 con Last Cowboy Standing (2009), que ganó el premio Flash Forward en el Festival de Busan y los galardones al mejor guion y diseño de sonido en los premios finlandeses Jussi. Después de este largo realizó El buen hijo (2011).

The vow, 2012, 104 min. (USA)
Sony Pictures
[rating=0]

Dirección: Michael Sucsy
Intérpretes: Rachel McAdams (Paige), Channing Tatum (Leo), Sam Neill (Bill Thornton), Scott Speedman (Jeremy), Jessica Lange (Rita Thornton), Kim Roberts (Barbara)
Guion: Jason Katims, Abby Kohn, Marc Silverstein, Michael Sucsy
Fotografía: Rogier Stoffers
Música: Michael Brook, Rachel Portman
Montaje: Melissa Kent, Nancy Richardson
Producción: Gary Barber, Roger Birnbaum, Paul Taublieb

Paige y Leo son un joven matrimonio, locos el uno por el otro que viven una vida plena como artistas en Chicago. Durante una nevada nocturna sufren un accidente de tráfico. Leo sale ileso, pero Paige sufre un traumatismo craneal que borra a su marido de su memoria. Cuando ésta sale del coma, Leo es para ella un extraño. De repente, Leo se encuentra en la dolorosa situación de tener que reiniciar la relación que toda su vida había deseado y volver a ganarse el amor de su mujer. Mentalmente Paige regresa a su vida cuando estudiaba derecho cinco años atrás, antes de conocer a Leo y hacerse artista. En un instante, deja de ser la mujer que Leo conocía y encima no recuerda nada de su vida actual. No puede comprender por qué se ha alejado de sus padres, echa de menos su ropa más conservadora y no entiende por qué dejó la universidad y una prometedora carrera de Derecho. Para colmo, Paige cree que aún está comprometida con Jeremy, que todavía la quiere y se muestra reacia a querer a Leo, que lleva una vida menos convencional dedicándose a la música. Incluso le llega a extrañar que alguna vez haya podido amarle.

Dirige Michael Sucsy, quien se crió en Nueva York y Nueva Inglaterra y se graduó en la Escuela de Asuntos Internacionales Edmund A. Walsh por la Universidad de Georgetown. Se sacó un máster en Bellas Artes en cine en el Art Center College of Design. Empezó dirigiendo anuncios publicitarios en Palomar Pictures en Los Ángeles y pronto fue calificado por Shoot! Magazine como uno de los nuevos directores a seguir. Posteriormente, fue nominado para el Premio del Director Joven del Año en el Festival Internacional Publicitario de Cannes en 2002.

En 2003, comenzó a trabajar en Grey Gardens, una película basada en la historia real de los excéntricos familiares de Jackie O’, «la gran Edie» Boubier Beale y «la pequeña Eddie» Bouvier Beale. Tras ver el famoso documental de igual título, Sucsy se inspiró para escribir y dirigir una película narrativa sobre la solitaria vida de madre e hija e inmediatamente se embarcó en lo que se convertiría en un proceso de seis años hasta terminar Grey Gardens. Mientras investigaba y escribía el guión, se levantaba diariamente a las 5 de la mañana para trabajar durante horas antes de dedicarse a tiempo completo en un empleo como ayudante de un abogado del mundo del entretenimiento.

En 2005, dos años después de su idea inicial para Grey Gardens, terminó el borrador. Con Jessica Lange y Drew Barrymore formando parte de la fuerza del guión, el proyecto llegó a HBO, que en 2006 anunció que Grey Gardens entraba en producción. Tras otro año de desarrollo de guión y pre-producción, la fotografía comenzó en octubre de 2007. El film estuvo listo dos meses más tarde, en diciembre de 2007, a tiempo y ajustado al presupuesto.

Después de seis años, el film tuvo notorias premieres antes de estrenarse en la HBO en el Teatro Ziegfeld de Nueva York y en el Teatro Chino Gauman de Hollywood. Grey Gardens se estrenó en HBO en abril de 2009 con una gran acogida por parte de la crítica y público, convirtiéndolo también en un fenómeno para las nuevas generaciones. Recibió múltiples premios como 6 Premios Emmy Primetime incluida Mejor Película hecha para Televisión, el Premio de la Asociación de la Crítica de Televisión como Outstanding Achievement Movies, Mini Series and Specials. Recibió 17 nominaciones a los Emmy Primetime, tres de ellos para Sucsy, igualando el récord de nominaciones recibidas para una película hecha para televisión de todos los tiempos. También ganó el Broadcast Film Critics Award y un Globo de Oro como Mejor Película o Mini Serie Hecha para Televisión. Por Grey Gardens, Michael también estuvo nominado para el premio Directors Guild of America Award for Directorial Achievement in Movies for Television/Mini-Series y el Writers Guild of America Award.

Tyrannosaur, 2011, 91 min. (Reino Unido)
Festival Films
[rating=0]

Dirección: Paddy Considine
Intérpretes: Peter Mullan (Joseph), Olivia Colman (Hannah), Eddie Marsan (James), Paul Popplewell (Bod)
Guión: Paddy Considine
Fotografía: Erik Wilson
Música: Chris Baldwin, Dan Baker
Montaje: Pia Di Ciaula
Producción: Diarmid Scrimshaw

Joseph, un viudo alcohólico y dominado por la violencia, encuentra la esperanza de la redención en Hannah, una trabajadora de la caridad cristiana. Joseph se burla de la fe de Hannah y de su idílica existencia. Sin embargo, pronto descubre que la vida de Hannah no tiene nada de plácida. Según avanza su relación, ambos llegan a darse cuenta de que, a pesar del dolor, el amor y la amistad pueden encontrarse incluso en los lugares más oscuros.

Rodado en Leeds (Reino Unido) surge del primer trabajo del actor Paddy Considine como director, el corto Dog Altogether, que se estrenó en 2007. Rodado en Glasgow, el corto empieza con el personaje de Joseph (Peter Mullan), un hombre perdido en y por su propia ira, y a continuación siguen varias secuencias violentas en las que aparece como acosador y víctima, hasta que conoce a una mujer amable, en una tienda de barrio, que desempeña labores de caridad. Para él, la amabilidad de esa mujer aparece como una luz en medio de la oscuridad. «La idea de Dog Altogether era arrancar la película con un hombre dando patadas a un perro, hasta matarlo, pero que al final el público terminase empatizando con ese hombre«, dice Diarmid Scrimshaw, productor de ambas películas «Paddy ha conseguido eso brillantemente. Estaba claro que Paddy era un guionista y director excepcional«.

Mientras Considine escribía el guión, para el papel de Joseph no podía pensar en otro que no fuese Peter Mullan. «Peter Mullan fue mi única opción, incluso estaba dispuesto a aplazar la película para esperarle. Tiene cualidades que son difíciles de encontrar hoy. Pertenece a esa generación de actores que me encantan, como Lee Marvin y Jack Nicholson. Es un vaquero. Podría, sin problema, convivir con ellos. No hay momento en el que no esté increíble. Es carismático e instintivo y entendió enseguida las cualidades animales de Joseph, así como las sutilezas del personaje. Tiene una capacidad enorme para despertar empatía. Es uno de mis actores favoritos y no hay otro actor del mundo que yo hubiese elegido para el papel«.

Se presentó en el Festival de Cine de Sundance donde consiguió el Premio a Mejor Director, el Premio Especial del Jurado – Actor Dramático para Peter Mullan y el Premio Especial Del Jurado – Actriz Dramática para Olivia Colman.

Extraterrestrial, 2011, 90 min. (España)
Vértigo Films
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Dirección: Nacho Vigalondo
Intérpretes: Michelle Jenner (Julia), Julián Villagrán (Julio), Carlos Areces (Ángel), Raúl Cimas (Carlos)
Guion: Nacho Vigalondo
Fotografía: Jon D. Domínguez
Música: Jorge Magaz
Montaje: Jon D. Domínguez
Producción: Nahikari Ipiña, Nacho Vigalondo

Julio y Julia no se conocen el uno al otro, pero despiertan en la misma cama, después de una borrachera de la que no recuerdan nada. Él se enamora al instante. Ella no. Y por si la situación no fuese lo suficientemente incómoda, Julio y Julia se dan cuenta de que un gigantesco OVNI flota sobre la ciudad.

Segundo largo dirigido por Nacho Vigalondo (Cabezón de la Sal, Cantabria, 1977) tras Los cronocrímenes (2008). Candidato al Oscar en 2005 por su aclamado cortometraje 7.35 de la mañana. Vigalondo es un polifacético artista que compagina sus
proyectos cinematográficos con tareas de interpretación en teatro, cine y televisión. Entre sus trabajos como actor destacan La máquina de bailar, El Síndrome de Svensson o The birthday. También intervino en el spot de Visionlab Tres en un burro.

Según Vigalondo «cuando escribí Extraterrestre mi principal interés era describir la periferia de una invasión extraterrestre. El punto de vista de un puñado de personajes que ven, desde el balcón de un piso en Madrid, un gigantesco OVNI, pero que, pasado el susto inicial, no saben cómo reaccionar porque no tienen ni pajolera idea de lo que hay que hacer. Es tal el vacío de información que sufren que, a medida que pasan los días, hay sitio para una sencilla y triste historia de amor. Si en mi anterior película Los Cronocrímenes, el protagonista era un pelele sometido a la tiranía de la trama, con Extraterrestre he intentado viajar al extremo opuesto y dejar que sean los personajes los que lleven la historia, sin que apenas haya interferencias extrañas. También he querido volver al género que más practiqué en mis cortometrajes, la comedia a escala íntima. En realidad hay más de una explosión. Pero ninguna de ellas vienen desde tan alto como las de La guerra de los mundos«.

Queridísimos intelectuales (del placer y el dolor), 2012, 49 min. (España)
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[rating=0]

Dirección: Carlos Cañeque
Intérpretes: Nuria Amat, Santiago Carrillo, Román Gubern, Carlos Moya, Elena Ochoa, Fernando Savater, Luis González Seara, Antonio Soler, Javier Tomeo, Xavier Rubert de Ventós
Guión: Carlos Cañeque
Fotografía: Manel Capdevila
Música: Carlos Cañeque
Montaje: Andrés Bujardón
Producción ejecutiva: Maite Grau

Un total de 10 intelectuales españoles  filosofan sobre la vida, el erotismo, el humor, la ironía, el sufrimiento, el suicidio y la muerte. Los entrevistados son  Nuria Amat (escritora), Santiago Carrillo (político y periodista), Román Gubern (historiador del cine y catedrático de Medios Audiovisuales), Carlos Moya (catedrático de Sociología), Elena Ochoa (psicóloga, editora y productora), Fernando Savater (filósofo, catedrático de Ética y escritor), Luis González Seara (ex ministro de Universidades e Investigación), Antonio Soler (escritor), Javier Tomeo (escritor) y Xavier Rubert de Ventós (filósofo, catedrático de Estética).

Es el primer largometraje de Carlos Cañeque (Barcelona 1957),  profesor titular de Ciencia Política (Teoría Política) desde hace 23 años en la Universidad Autónoma de Barcelona. Realizó en Madrid las carreras de Filosofía (Autónoma) y de Sociología y Ciencias Políticas (Complutense) y más tarde estudió en la universidad de Yale, donde se doctoró con una tesis sobre la religión y la política en los Estados Unidos: Dios en América. Una aproximación al conservadurismo político-religioso en los Estados Unidos (Península 1988). Es autor de ensayos, novelas y cuentos infantiles (la serie El pequeño Borges imagina La Biblia, La Odisea, El Quijote, etc).

Ha publicado un libro de entrevistas sobre Borges (Conversaciones sobre Borges, Destino 1995) y, junto a Maite Grau, uno sobre Berlanga (Bienvenido Mr Berlanga, Destino 1993) y otro sobre Cioran (Cioran: el pesimista seductor. Sirpus, 2007). Con Quién, su primera novela, ganó el premio Nadal en 1997. Esta obra ha sido comentada por destacados profesores de literatura en universidades extranjeras (Sarmati, Amago, Kunz), así como por autores españoles como Fernando Savater y Pere Gimferrer, quién dijo que «es la novela más insólita y divertida de la historia del premio Nadal«. Su segunda novela, Muertos de amor (Destino 1999) fue presentada en Madrid por Luís García Berlanga, quién declaró que veía en ella «una película llena de humor negro«. Acaba de ser llevada al cine por Mikel Aguirresarobe y pronto se estrenará en salas. Después llegaría Conductas desviadas (Espasa 2002) y acaba de terminar El negro imaginario.

Ahora está acabando de montar La cámara lúcida, una segunda parte de Queridísimos intelectuales (del placer y el dolor) que incluirá secuencias de ficción basadas en su novela Quién, premiada con el Nadal en 1997. En esta próxima entrega, el propio Cañeque ha escrito e interpretado 7 papeles distintos y, como en Queridísimos intelectuales, ha compuesto la música con su piano.

The best exotic Marigold Hotel, 2011, 118 min. (Reino Unido)
Hispano Foxfilm
[rating=0]

Dirección: John Madden
Intérpretes: Judi Dench (Evelyn Greensdale), Maggie Smith (Muriel Donnelly), Bill Nighy (Douglas Ainslie), Dev Patel (Sonny Kapoor), Celia Imrie (Madge), Ronald Pickup (Norman Cousins), Tom Wilkinson (Graham Dashwood), Penelope Wilton (Jean), Lillete Dubey (Sra. Kapoor)
Guion: Ol Parker
Fotografía: Ben Davis
Música: Thomas Newman
Montaje: Chris Gill
Producción: Graham Broadbent, Peter Czernin

El exótico Hotel Marigold se supone que es la solución que la India propone a los ciudadanos más selectos de Reino Unido para que disfruten de su jubilación –un lugar donde poder pasar su edad dorada rodeados de suntuosos servicios y comodidades–, bueno, así es hasta que siete jubilados con una perentoria necesitad de cambio se presentan a la entrada de este complejo vacacional, no precisamente muy acondicionado. Así comienza una cómica, romántica y conmovedora aventura en un lugar lleno de inesperados placeres, que es recreada en la gran pantalla por algunos de los más distinguidos y consumados actores del cine actual.

Quienes llegan a la excesivamente cálida ciudad de Jaipur, con la única esperanza de poder iniciar una nueva vida y cada uno con su propio y personal equipaje, son: la afligida y asfixiada económicamente Evelyn, el desencantado juez del Tribunal Supremo Graham, la belicosa pareja conformada por Douglas y Jean, los convencionales y ávidos de amor Norman y Madge, y Muriel, cuyo único objetivo es que le arreglen cuanto antes su cadera y abandonar la India inmediatamente y para siempre. Todos ellos se encuentran a merced del ingenuamente ambicioso y joven propietario del hotel Sonny Kapoor, que heredó de su padre este antiguamente sofisticado edificio y que aún tiene la esperanza de convertirlo en un lujoso hotel de primera categoría. Por ahora, lo que sólo puede ofrecer probablemente es caos, pero Sonny compensa esa carencia de recursos con su gran entusiasmo.

Aun así, los nuevos residentes se sienten horrorizados al descubrir que algunas «mejoras» de la propiedad están absolutamente paralizadas, provocando la incertidumbre, en el mejor de los casos, en servicios tan elementales como el agua, la electricidad y el teléfono. Igualmente, se sienten desorientados por una India repleta de contrastes, que es al mismo tiempo embriagadora y aterradora, tradicional y moderna, hermosa y extraña. Al principio, estos siete recién llegados se muestran inseguros acerca de lo que el futuro puede depararles. Sin embargo, a medida que empiezan a establecer nuevas amistades y a realizar inesperados descubrimientos, comienzan a dejar atrás su pasado.

Las aventuras de estos jubilados se iniciaron en la mente de la novelista británica Deborah Moggach, que imaginó a un grupo de pensionistas de escasos recursos económicos que se ven obligados a «deslocalizarse» en la India, cada uno de ellos dispuesto (o forzado) a intentar reubicarse en un exótico escenario por un precio menor al habitual en este tipo de residencias. El libro recibió muchos elogios por sus personajes, quienes, a una edad en la que la mayoría de la gente se toma la vida con calma y se queda en un entorno conocido, se embarcan en la mayor aventura de su vida. Los productores Graham Broadbent y Peter Czernin advirtieron su potencial para realizar una inusual y original película.

Dirige John Madden (Portsmouth, Hampshire, 1949), quien estudió en el Clifton College y en Cambridge. Empezó su carrera profesional como director artístico en la Compañía Shakespeare de Oxford y Cambridge, antes de trabajar en la BBC. Se trasladó a Estados Unidos en 1975 para desarrollar dramas radiofónicos con Earplay, el proyecto nacional de la Radio Pública. Después de ganar el Prix Italia por la dirección de la obra Wings, para Earplay, empezó a dirigir obras de teatro en Yale, en el National Theatre de Londres y en Broadway, donde fue nominado a un Premio Drama Desk. En los escenarios estrenó la obra Grown Ups, de Jules Feiffer; Beyond Therapy, de Christopher Durang, y Caritas, de Arnold Wesker, mientras enseñaba en la Escuela de Arte Dramático de Yale. En 1984 empezó a dirigir para BBC y cadenas privadas. Entre sus numerosos telefilms destacan Poppyland y The Widowmaker, así como la serie After the War. Su filmografía se completa con Ethan Frome (1993), Golden Gate (1994), Su majestad Mrs. Brown (1997), Shakespeare enamorado (1998), La mandolina del capitán Corelli (2001), La verdad oculta (2006), Killshot (2008) y La deuda (2010).

El perfecto desconocido, 2011, 92 min. (España)
Alfa Pictures
[rating=0]

Dirección: Toni Bestard
Intérpretes: Colm Meaney (Mark O’Reilly), Ana Wagener (Isabel), Carlos Santos (Amancio), Natalia Rodríguez (Celia), Vicky Peña (Francina), Biel Durán (Toni), Carme Feliu (Vecina)
Guion: Arturo Ruiz Serrano
Fotografía: Nicolás Pinzón Sarmiento
Música: Alejandro Román
Montaje: Martí Roca
Producción: Miquel Verd

Mark O’Reilly, un misterioso viajero, llega a un pequeño pueblo mallorquín y se instala discretamente en un viejo comercio abandonado. Los vecinos pronto se entusiasmarán creyendo que Mark pretende reabrir el local y ello reanimará el pueblo. Pero un detalle pasa desapercibido para todos: Mark no tiene intención alguna de abrir la tienda. Ni siquiera habla castellano. Las verdaderas intenciones del viajero en la isla se ocultan detrás de una vieja fotografía polaroid, que le ha llevado hasta allí en busca de respuestas.

El director mallorquín Tony Bestard, que debuta como director de largometrajes, declara que «a partir de un sueño del guionista Arturo Ruiz comenzamos a construir la historia durante el Festival de Cine de Gijón. En un primer momento, hicimos una versión muy próxima a la comedia, pero cuando decidí trasladar la historia a Mallorca, lugar donde me he criado, ésta se oscureció. Por eso, en la versión final nos encontramos con un guion que mezcla comedia y drama, dos géneros que fluyen muy bien en este proyecto”.

Toni Bestard (Mallorca, 1973), se diplomó por la Escuela de Cinematografía y Artes Audiovisuales de Madrid (TAI). Lleva desde 1999 trabajando en el mundo audiovisual, como director, productor y ocasionalmente guionista. Figura destacada en el mundo del cortometraje, sus trabajos en este campo han recibido más de un centenar premios en festivales nacionales e internacionales. Sus dos últimos cortometrajes, Equipajes y el corto documental El anónimo Caronte, han recibido sendas nominaciones a los Premios Goya al Mejor Cortometraje en las ediciones de 2007 y 2008. En los últimos años, además ha trabajado como realizador en televisión y en el mundo de la publicidad. Paralelamente a su actividad profesional, también trabaja en el campo de la docencia, impartiendo clases de Realización y Producción Audiovisual en la Universidad de las Islas Baleares.

Está protagonizada por el irlandés Colm Meaney ya que según el director «era muy importante que el personaje principal de El perfecto desconocido fuera extranjero. El idioma jugaba un papel vital en la historia, y era fundamental que Mark, el recién llegado, no entendiera al resto de personajes que aparecen por la tienda en la que acababa de instalarse. En cambio esos personajes creen que Mark si les entiende, y para ellos el extranjero es algo así como alguien a quién uno puede contarle su vida, sin temor a que el resto del pueblo se entere. Es alguien que sabe escuchar. Hay tres idiomas que coexisten en la película (castellano, inglés y catalán), siendo el reflejo de la multiculturalidad que se vive en Mallorca desde hace años«.

Mirror, mirror, 2012, 00 min. (USA)
Tripictures
[rating=0]

Dirección: Tarsem Singh
Intérpretes: Julia Roberts (La Reina), Lily Collins (Blancanieves), Armie Hammer (Príncipe Alcott), Sean Bean (Rey), Nathan Lane (Brighton), Mare Winningham (Panadera Margaret), Michael Lerner (El Barón), Robert Emms (Charles Renbock), Jordan Prentice (Napoleón)
Guion: Melissa Wallack, Jason Keller
Fotografía: Brendan Galvin
Música: Alan Menken
Montaje: Robert Duffy, Nick Moore
Producción: Bernie Goldman, Ryan Kavanaugh, Brett Ratner

Blancanieves es una princesa en el exilio. Siete valerosos y rebeldes enanitos la ayudarán a preparase para que pueda reclamar su derecho al trono que le pertenece por nacimiento y también a conseguir al Príncipe.

Esta versión de la historia actualiza el personaje. Dirige Tarsem Singh (India, 1961), quien en los años noventa destacó como uno de los grandes valores del videoclip, ámbito en el que realizó el aclamado vídeo Losing My Religion de R.E.M. También realizó numerosos anuncios para televisión. Estudió en un internado en el Himalaya en la India y se fue a Estados Unidos a los veinticuatro años de edad. Es su segundo largometraje tras La celda (2000), The Fall. El sueño de Alexandria (2006) e Inmortals (2011).

La famosa cantante española Soraya Arnelas, es la encargada de interpretar el tema principal I Believe, un tema inspirado en Bollywood. La película cuenta con un presupuesto de más de 130 millones de dólares.

Man on a ledge, 2012, 00 min. (USA)
Aurum
[rating=0]

Dirección: Asger Leth
Intérpretes: Sam Worthington (Nick Cassidy), Elizabeth Banks (Lydia Mercer), Jamie Bell (Joey Cassidy), Ed Harris (David Englander), Edward Burns (Jack Dougherty), Anthony Mackie (Mike Ackerman), Titus Welliver (Nathan Marcus), Genesis Rodriguez (Angie), Kyra Sedgwick (Suzie Morales)
Guion: Pablo Fenjves, Chris Gorak, Erich Hoeber, Jon Hoeber
Fotografía: Paul Cameron
Música: Henry Jackman
Montaje: Kevin Stitt
Producción: Lorenzo di Bonaventura, Mark Vahradian

Cuando Nick Cassidy, un antiguo agente de policía de Nueva York que ahora es un preso fugado, entra en el famoso Hotel Roosevelt de la calle 45 con la avenida Madison, en la ciudad de Nueva York, se dirige a uno de los pisos más altos y se sube a la cornisa, pone en peligro mucho más que su propia vida. Una ciudad entera está a punto de quedarse paralizada, incluidos ciertos individuos muy nerviosos que guardan grandes secretos. La decisión de infarto de Cassidy de subirse a la cornisa de un rascacielos de la ciudad no solamente desata una auténtica vorágine de medios, sino que pone en una situación comprometida a Lydia Spencer, una activa negociadora del departamento de policía de Nueva York, que trata de convencerlo para que salga de la cornisa, mientras tiene que vérselas con un rival del departamento, que cree que ella tiene un conflicto de intereses. Sin embargo, cuanto más tiempo pasa Lydia intentado llegar a la raíz del problema de Cassidy, más se da cuenta de que este ex policía podría albergar segundas intenciones al crear tal revuelo.

Al borde del abismo era un guión escrito por Pablo F. Fenjves, cuyos derechos esperaba adquirir Lorenzo di Bonaventura durante su época de presidente de Warner Bros. Más adelante, lo adquiriría a través de su sello, di Bonaventura Pictures. El guión se quedó atascado por el camino en MGM Studios, donde mostraron interés por quedárselo. Luego fue a parar a Paramount, con intención de asignárselo a Paramount Vantage. Tres meses después, Paramount Vantage cerró sus puertas y el guión volvió a quedarse en el limbo.

Pero di Bonaventura y Vahradian no lo dieron por perdido. De pronto, Sam Worthington (Avatar) mostró interés por él, y Summit lo compró esa misma semana. Decidieron incorporar al proyecto al director Asger Leth, que tenía experiencia en documentales, para ponerse al mando de la cinta y que se convirtiera así en su primer largometraje de ficción. Fue una decisión que tenía a los productores especialmente entusiasmados, porque las cualidades que había demostrado para contar historias reales eran precisamente las que andaban buscando.

Es el primer largo dirigido por Asger Leth, hijo del cineasta Jørgen Leth, tras el impactante documental Ghosts of Cité Soleil (2006).

Almanya – Willkommen in Deutschland, 2011, 97 min. (Alemania)
Golem
[rating=0]

Dirección: Yasemin Samdereli
Intérpretes: Vedat Erincin (Hüseyin, de mayor), Fahri Yardim (Hüseyin, de joven), Lilay Huser (Fatma, de mayor), Demet Gül (Fayma, de joven), Aylin Tezel (Canan), Rafael Koussouris (Cenk), Denis Moschitto (Ali), Petra Schmidt-Schaller (Gabi)
Guion: Yasemin Samdereli, Nesrin Samdereli
Fotografía: Ngo The Chau
Música: Gerd Baumann
Montaje: Andrea Mertens
Producción: Andreas Richter, Ursula Woerner, Annie Brunner

Después de vivir 45 años en Alemania como un «Gastarbeiter» (trabajador invitado) turco, Hüseyin Yilmaz, setenta años cumplidos, anuncia a su familia que ha comprado una casa en Turquía y que todos deben volver con él para hacer las reformas necesarias. La familia no se siente en absoluto atraída por la idea y todos empiezan a discutir acaloradamente. Por si no fuera bastante, Canan, una nieta de Hüseyin, decide anunciar que está embarazada y que el padre es su novio inglés, del que nadie sabía nada. Para consolar a su primo Cenk, de seis años, al que trataron de «extranjero» el primer día de colegio, Canan decide contarle la fantástica historia de por qué acabaron todos en Alemania a pesar de no ser alemanes. Viajan en el tiempo a un maravilloso lugar donde una pequeña familia turca descubre una tierra poblada de gigantes rubios que comen cerdo, sacan a unas ratas muy gordas a pasear con correa, beben agua llamada Coca-Cola, adoran a un hombrecito en una cruz de madera y usan un galimatías ininteligible, una tierra llamada Almanya.

Dirige Yasemin Samdereli (Dortmund, 1973), quien estudió en la Escuela de Televisión y Cine de Múnich. A los 20 años empezó a trabajar como ayudante de dirección y guionista. Entre 1994 y 1998 trabajó en el proyecto mediático-pedagógico Das filmende Klassenzimmer, para Bavaria Film. Adquirió más experiencia en producciones como Who Am I/¿Quién soy? (1997), de Jackie Chan; Te wu mi Cheng (El espía accidental) (2000), de Teddy Chan, entre otras, así como en numerosos anuncios.

En 1994 escribió y dirigió su primer corto, Schlüssellöcher, al que siguieron Lieber Gott (1995), Lachnummern (1996), Kismet (2001), por el que fue nominada al Premio Max Ophuls, y Sextasy (2004). Rodó su primer telefilm en 2002, la comedia romántica multicultural Alles Getürkt, y en 2007, la comedia Ich Chefe, du nix. Trabajó como guionista en la premiada serie Türkisch für Anfänger (2006) y participó en el desarrollo del guión de varios episodios de la serie radiofónica Hui Buh. En 2004 trabajó como actriz en el corto Delicious, dirigido por su hermana Nesrin.

Viene una chica, 2012, 84 min. (España)
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[rating=0]

Dirección: Chema Sarmiento
Intérpretes: Borja González Carpintero (Tino), Javier Martínez (Logio), Cristina Marcos (Mina), Andrea Franco Delejido (Bego), Carlos González Otero (Baldo), Luz Divina Pereira (Elvira), Quintiliano Ferrero Alonso (Don Rosendo)
Guión: Chema Sarmiento, Luis Mateo Díez
Fotografía: Damien Dufresne
Música: Maximo Olóriz, Roberto Escribano
Montaje: Marino García Fernandez
Producción: Javier Muñiz, Fabrice Bonniot

Tino es el protagonista de esta historia. Tiene 17 años y una particularidad que le diferencia de la mayor parte de la gente: el síndrome de Down. Tino hace sus estudios en Amidown, centro especializado de una ciudad de provincias. En el momento en que nos acercamos a él, su mundo está configurado principalmente por sus amigos del colegio, con los que comparte muchas horas de formación, y por su hermana Licia (que le adora) y la pandilla de ésta. También está su primo Baldo que recaba su ayuda, sin darle momento de respiro, como mensajero en sus cuitas amorosas con Elvira. Esta película cuenta lo que va a ser un período decisivo en su vida, las circunstancias en que descubre tanto el amor como las pequeñas desdichas que conlleva. Y cómo, a través de una serie de peripecias divertidas, se va a preparar para enfrentarse a la vida con una mirada nueva.

La película se basa en la obra del ahora Académico de la Lengua, Luis Mateo Díez, quien publicó un libro de cuentos y microrrelatos titulado Los males menores. Según el director «por razones de producción el guión quedó durmiendo durante años. Circunstancias que no viene al caso detallar, hicieron que volviera a leerlo en Diciembre del 2009 y ello me incitó nuevamente a intentar realizarlo. Hablé con Luis Mateo y escribimos una nueva versión, más adaptada a nuestros días y a las posibilidades de mi productora, Impromptu S.L. El principal cambio de la nueva versión era que tanto el protagonista como la mitad del reparto eran jóvenes con síndrome de Down. Nos pusimos en contacto con una Asociación de Padres de Hijos con Síndrome de Down: Amidown. Les contamos nuestro proyecto e inmediatamente nos dieron su apoyo con entusiasmo. Según nos dijeron, apreciaban particularmente que la película fuera protagonizada por un muchacho-down cuando en realidad su tema no es esa cuestión específica, sino que cuenta las divertidas peripecias un joven como otro cualquiera, Tino, y la manera en que va a encontrar su sitio en la vida a través de sus primeras contrariedades amorosas«.

Chema Sarmiento, el director, es licenciado en filosofía por el instituto “Angelicum” de Santander y en Historia del Arte por la Universidad de Valladolid. Curso estudios de cine en Francia (IDHEC, 33a promoción) especializándose en Realización y Montaje. Ha trabajado como ayudante de realización y montador jefe. Como director ha hecho numerosos corto-metrajes tanto documentales como de ficción. Su opera prima fue Los Montes, y su primer largometraje, El Filandón, realizado en 1984. Su documental Homenaje al viento fue premiado en el Festival Etnográfico de Huesca en 1989.

Extremely loud and incredibly close, 2011, 129 min. (USA)
Warner Bros.
[rating=0]

Dirección: Stephen Daldry
Intérpretes: Tom Hanks, Sandra Bullock, Thomas Horn, John Goodman, Max Von Sydow, Viola Davis, Jeffrey Wright, Zoe Caldwell
Guion: Eric Roth
Fotografía: Chris Menges
Música: Alexandre Desplat
Montaje: Claire Simpson
Producción: Scott Rudin

La película es una adaptación del aclamado best seller de Jonathan Safran Foer, que narra la historia de la joven mente de Oskar Schell, un ingenioso neoyorquino de once años que, tras descubrir una llave entre las posesiones de su difunto padre, decide registrar con apremio toda la ciudad en busca de la cerradura que abrirá. Un año después de que su padre muriera en el World Trade Center, el día que Oskar llama «El día fatídico», decide mantenerse unido al recuerdo del hombre que un día le enseñó a través de los juegos a enfrentarse a sus peores temores. Cuando Oskar recorre los cinco distritos de Nueva York en busca de la cerradura perdida, conoce a un montón de personas diferentes, supervivientes a su manera, que le hacen descubrir cosas sobre el padre al que extraña, la madre de la que se siente tan distanciado y el ajetreado, peligroso y confuso mundo que le rodea.

Cuarta película del británico Stephen Daldry (Dorset, Reino Unido, 1961), tras Billy Elliot (2000), Las horas (2002) y The reader (El lector) (2008).  Anteriormente fue director de la Royal Court Theatre y ha dirigido más de cien obras teatrales, así como el cortometraje Eight (1998).

En 2005, el novelista Jonathan Safran Foer, famoso por su mezcla de comedia incisiva y tragedia en su novela debut Todo está iluminado, publicó su continuación, Tan fuerte, tan cerca. Su segunda novela fue, por un lado, la traviesa historia de un niño inusualmente precoz y sensible que inventa artilugios fantásticos, sueña con astrofísica, colecciona inmensas bases de datos aleatorios y se enfrasca en una quijotesca odisea por toda la ciudad de Nueva York. Al mismo tiempo, la novela fue el primer trabajo literario importante sobre la tragedia de las familias afectadas por el 11-S y un estudio sobre cómo la imaginación de un niño puede ayudarle a superar un miedo abrumador y una pérdida incomprensible ante las consecuencias de un suceso que ninguna lógica sería capaz de explicar.

Cuando el director Stephen Daldry leyó el libro le impactó sobre todo el punto de vista subjetivo de Oskar. Oskar, un niño poco común que, a pesar de tener una inteligencia excepcional, muestra comportamientos excéntricos y obsesivos que podrían situarlo en el marco del autismo, describe el mundo que le rodea con una mezcla particular de ingenuidad y perspicacia, nerviosismo y audacia, así como de incomprensión y necesidad de entender. A Daldry le intrigaba especialmente cómo este punto de vista, la imaginación de un niño, podía combinar pensamientos, recuerdos, listas de ideas y fantasías improvisadas con pura emoción, todo en el momento en que la vida en la familia de Oskar y el mundo que le rodea cambian por completo.

We need to talk about Kevin, 2011, 112 min. (Reino Unido, USA)
Vértigo Films
[rating=0]

Dirección: Lynne Ramsay
Intérpretes: Tilda Swinton (Eva Khatchadourian), John C. Reilly (Franklin), Ezra Miller (Kevin, adolescente), Jasper Newell (Kevin, 6-8 años), Rock Duer (Kevin, bebé), Ashley Gerasimovich (Celia)
Guion: Lynne Ramsay, Rory Kinnear
Fotografía: Seamus McGarvey
Música: Jonny Greenwood
Montaje: Joe Bini
Producción: Jennifer Fox, Luc Roeg, Robert Salerno

Eva deja a un lado su carrera y sus ambiciones para dar a luz a Kevin. La relación entre madre e hijo es difícil desde los primeros años. Cuando Kevin cumple 15 años hace algo irracional e imperdonable a ojos de la comunidad. Eva lucha con sus propios sentimientos de dolor y responsabilidad. ¿Alguna vez quiso a su hijo? ¿Cuánto de lo que ha hecho Kevin es culpa suya?.

Presentada en la sección oficial del Festival de Cine de Cannes, la película está dirigida por Lionel Shriver (Carolina del Norte, 1957), periodista y escritora que estudió en la Universidad de Columbia y ha vivido en Nairobi, Belfast y Bangkok, aunque en la actualidad reside en Londres. Después de varias novelas, en el año 2005 ganó el prestigioso Premio Orange con Tenemos que hablar de Kevin, una novela que ha suscitado fuertes polémicas y se ha convertido en un best-seller internacional que ha consagrado a la autora.

Ramsay alcanzó reconocimiento por primera vez en 1996 con su corto Small Deaths, su trabajo de graduación en la National Film and Television School de Inglaterra que ganó el Premio del Jurado en Cannes. Le siguió Kill the Day (1996), y Gasman (1997), ganadores del Premio del Jurado en Clermont Ferrand y de nuevo en Cannes respectivamente. Ramsay se convirtió de repente en uno de los más brillantes nuevos talentos del cine británico. Su aclamado debut en la pantalla grande, Ratcatcher (1999), es un oscuro film de redención ambientado en el Glasgow de los 70 golpeado por las huelgas. La película inauguró el Festival de Edimburgo y le valió el BAFTA en el año 2000. Su siguiente película, Morvern Callar (2002), adaptación de la novela de culto de Alan Warner, es la historia de una joven cajera de un supermercado que descubre que su novio se ha suicidado, y de las secuelas posteriores y el mundo que se abre ante ella.

La montaña rusa, 2012, 110 min. (España)
Alta Classics
[rating=0]

Dirección: Emilio Martínez-Lázaro
Intérpretes: Verónica Sánchez, Alberto San Juan, Ernesto Alterio, Ara Malikian, Luis Bermejo, Sara Martín, Cristina Zapata, Marisa Zapata, Gabriel Chamé
Guion: Daniela Fejerman, Emilio Martínez-Lázaro
Fotografía: Teo Delgado
Música: Roque Baños
Montaje: Iván Aledo
Producción: Carlos Bernases

Comedia romántica sobre el sexo, el amor y sus muchas y complicadas combinaciones. Tres amiguitos de la infancia que vuelven a encontrarse muchos años después: una mujer y dos hombres. Un triángulo: en un vértice, el sexo; en otro, el amor; y en medio… nuestra protagonista hecha un lío.

Dirige Emilio Martínez-Lázaro (Madrid), quien estudió el bachillerato con los jesuitas, y Física en la Universidad Complutense. Escribió crítica de cine en las revistas Griffith y Nuestro Cine. De 1968 a 1971 dirigió cortometrajes y mediometrajes en precarias condiciones técnicas. A continuación dio sus primeros pasos en el cine profesional colaborando con Jesús Franco en diversos cometidos y con Gonzalo Suárez como ayudante de dirección. En el año 1973 realizó reportajes de actualidad en televisión. Como guionista ha trabajado para Jesús Franco, la productora Profilmes, Carlos Aured, León Klimowski, Mur Oti, Alfonso Ungría, Ricardo Franco y Elías Querejeta. También para Televisión Española adaptando a Dostoievski.

Su filmografía filmografía se completa con Las palabras de Max (1977), que consiguió el oso de Oro en el Festival de Cine de Berlín, Sus años dorados (1980), Lulú de noche (1985), El juego más divertido (1987), Amo tu cama rica (1991), Los peores años de nuestra vida (1994), Carreteras secundarias (1997), La voz de su amo (2001),  El otro lado de la cama (2002), Los 2 lados de la cama (2005) y Las 13 rosas (2007).

Según el director «nos gustaba imaginar que Nabokov hubiera sonreído ante este planteamiento de ficción. Y también su denostado Freud. Lo cierto es que a Daniela y a mí nos hizo gracia, y probamos a ver adónde nos conduciría. Se trataba de partir de las fantasías infantiles sobre la sexualidad y la vida adulta, ese mundo que de niños se nos antoja algo tan misterioso e incomprensible. Y de ver cómo esas fantasías infantiles generan expectativas, se convierten en aspiraciones secretas que nos acompañan durante años. Y cómo esas expectativas se van viendo defraudadas por la realidad de la vida adulta«.

No es esta la primera vez que el director colabora con Daniela Fejerman. Hace años escribió con ella y con Inés París un guión que no llegó a rodarse. Martínez-Lázaro añade que «me gustan mucho sus tres películas, especialmente la primera, A mi madre le gustan las mujeres, y la tercera, 7 minutos. Daniela me pidió que leyera el guión de esta última y colaboré con tres o cuatro cosillas. Así que ya sabíamos que nos íbamos a entender. Lo que más nos costó encajar en el guión fue la culpabilidad de Ada, que fue surgiendo poco a poco hasta dar sentido a la segunda parte de la película y ayudar a terminarla. También había que suavizar y hacer más cercano el personaje de Ernesto Alterio, para que no quedara como un monstruo. Lo que hicimos fue invertir los deseos de la pareja en lo más alto de su romance. Ada tomaba el lugar de Lorenzo y viceversa. Esto nos proporcionó buenas situaciones de comedia. Creo que también a Daniela el humor le parece una forma superior de expresión. Después de rodar Las 13 rosas, donde tuve que batallar con demasiadas actrices y situaciones y figurantes, parece que la vuelta a la comedia romántica, con esta historia tan pequeñita, casi sin ambientes, con tres personajes nada más ante la cámara, debería haber sido una liberación. Nada de eso. Esta película, con su parte dramática, con sus escenas de sexo, pero sobre todo con su ironía, difícil de manejar en medio del alud de sentimientos, ha sido muy complicada de hacer. Si no hubiera tenido unos actores tan buenos, y no la hubiéramos preparado tanto, habría salido muy mal«.

Les herbes folles, 2009, 104min. (Francia, Italia)
Karma Films
[rating=0]

Dirección: Alain Resnais
Intérpretes: Mathieu Amalric, Sabine Azéma, André Dussollier, Anne Consigny, Emmanuelle Devos, Michel Vuillermoz, Sara Forestier, Nicolas Duvauchelle
Guion: Alan Resnais, Laurent Herbiet
Fotografía: Eric Gautier
Música: Mark Snow
Montaje: Hervé de Luze
Producción: Jean-Louis Livi

Marguerite no contaba con que le robaran el bolso al salir de la tienda. Y menos aún con que el ladrón tirara lo que había dentro en un aparcamiento. En cuanto a Georges, de haberlo sabido, no se habría agachado a recogerlo. Entre estos dos personajes que no tenían ninguna probabilidad de encontrarse, va a establecerse una relación sentimental llena de sobresaltos e imprevistos.

Basada en la novela L’Incident, de Christian Gailly, la película consiguió el Premio Especial del Jurado del Festival de Cine de Cannes 2009.

Dirige Alain Resnais, una de las más importantes figuras del cine moderno. Comenzó realizando cortos documentales a finales de los años 40, la mayoría sobre temas de arte, como Van Gogh (1948), Gauguin (1950) y Guernica (1950). Su logro documental más importante es la elegía de 31 minutos Noche y niebla (1956), que para el entonces crítico François Truffaut fue la mejor película alguna vez hecha. En ella examina en forma estructurada los campos de concentración del Holocausto, superponiendo escenas documentales en blanco y negro, con filmación contemporánea en color.

Su ascenso a la fama coincide con otros directores de la Nueva Ola Francesa como Godard, Truffaut o Chabrol. Su mayor reconocimiento cinematográfico llegó con Hiroshima mon amour en 1959, con la que ganó el premio de la Crítica Internacional en el Festival de Cannes. Su filmografía se completa con Hiroshima mon amour (1959), El año pasado en Marienbad (1961), Muriel (1963), La guerra ha terminado (1966), Loin du Vietnam (1967), Te amo, te amo (1968), Stavisky (1974), Providence (1976), Mi tío de América (1980), La vie est un roman (1983), L’Amour à mort (1984), Mélo (1986), I want to go home (1989), Contre l’oubli (1991), Smoking/No smoking (1993), On connait la chançon (1998), Pas sur la bouche (2003) y Asuntos privados en lugares públicos (2006).

Resnais declara que decidió adaptar al cine la novela a cine ya que «el productor Jean-Louis Livi me había pedido que filmara una película para él. Inicialmente, se acordó que sería la adaptación de una obra de teatro. Yo ya había leído una docena de obras, cuando me topé con una novela de Christian Gailly, un escritor cuya voz encantadora, irónica y melancólica me chocó profundamente en una emission de Alain Veinstein en France Culture. Esta novela me cautivó hasta el punto de leer otra inmediatamente y de llamar al día siguiente a Jean-Louis Livi. Le dije: «Ese sonido, esa Blue Note que llevamos buscando desde hace algunas semanas, creo que tal vez la he encontrado.» La escritura de Gailly es tan musical que me di cuenta de que si hablaba con alguien después de terminar uno de sus libros, lo hacía hablando como sus personajes. Sus diálogos son como solos o duetos a la espera de ser dichos por los actores. Irène Lindon, la directora de «Edicions de Minuit» que publicó los trece libros de Gailly, nos comunicó que los derechos cinematográficos de doce de ellos estaban disponibles. Así que solicité un encuentro con Gailly. Me dio total libertad para escoger el libro que deseara, teniendo en cuenta que yo sólo había leído cuatro, pero mostró cierta preocupación por la idea de que la película alterara su agenda, ya que quería dedicar toda su energía a la nueva novela que estaba escribiendo. Por tanto, le propuse tímidamente no molestarle nunca, ni tampoco pedirle escenas adicionales o asesoramiento sobre la selección o la adaptación de los actores, así como no mostrarle una copia estándar de la película que el aprobaría o no. Vi entonces cómo una sonrisa aparecía en su rostro. Los siguientes días leí las novelas que me faltaban por descubrir y le propuse a Livi llevar a la pantalla El incidente, lo que él había ya pensado por su parte. Este libro era más caro que otros para filmar, pero Livi, con la ayuda de la productora ejecutiva Julie Salvador, consideró que se podía intentar«.

The devil inside, 2012, 83 min. (USA)
Paramount Pictures
[rating=0]

Dirección: William Brent Bell
Intérpretes: Fernanda Andrade, Simon Quarterman, Evan Helmuth, Suzan Crowley, Ionut Grama, Bonnie Morgan, Brian Johnson
Guion: William Brent Bell, Matthew Peterman
Fotografía: Gonzalo Amat
Música: Brett Detar, Ben Romans
Montaje: William Brent Bell, Tim Mirkovich
Producción: Matthew Peterman, Morris Paulson

En 1989, los servicios de emergencia recibieron una llamada al 112 de Maria Rossi confesando que había asesinado brutalmente a tres personas. 20 años después, su hija Isabel), trata de comprender la verdad de lo sucedido esa noche y viaja al Hospital de Centrino para depravados mentales en Italia, donde su madre ha sido encerrada para determinar si es una enferma mental o está poseída por demonios. Isabel decide reclutar a dos jóvenes exorcistas que podrían curar a su madre usando métodos poco convencionales que combinan la ciencia y la religión y terminan enfrentándose cara a cara con el mal en estado puro en forma de cuatro poderosos demonios que poseen a María.

Segundo largo dirigido por William Brent Bell (Lexington, Kentucky) tras Stay alive (2006). El cineasta trabajó en la legendaria productora de Roger Corman y fue primer ayudante de dirección y director de la segunda unidad en películas independientes como Assignment Berlin, Midnight Blue, Star Maps, así como en la producción de Roger Corman para televisión Bucket of Blood.

Contraband, 2012, 1100 min. (USA, Reino Unido)
Universal Pictures
[rating=0]

Dirección: Baltasar Kormákur
Intérpretes: Mark Wahlberg, Kate Beckinsale, Ben Foster, Lukas Haas, Giovanni Ribisi, J.K. Simmons, Diego Luna, Caleb Landry Jones, David O’Hara
Guion: Aaron Guzikowski
Fotografía: Barry Ackroyd
Música: Clinton Shorter
Montaje: Elísabet Ronaldsdóttir
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Baltasar Kormákur, Stephen Levinson, Mark Wahlberg

Mark Wahlberg encabeza el reparto de este thriller acerca de un hombre decidido a no volver a entrar en un mundo que se esforzó en dejar, y a proteger a su familia a toda costa. La historia transcurre en Nueva Orleans y explora el feroz mundo clandestino del contrabando internacional, poblado por delincuentes dispuestos a todo, policías corruptos, peligros y sobornos, donde la lealtad es un bien escaso y la muerte espera a la vuelta de la esquina.

Hace tiempo que Chris Farraday dejó el mundo de la delincuencia, pero cuando su cuñado Andy mete la pata en un asunto de drogas encargado por su implacable jefe Tim Briggs, Chris se ve obligado a volver a hacer lo que mejor se le da, pasar contrabando, para pagar la deuda de Andy. Chris es un legendario contrabandista y no tarda en reunir a un equipo de primera con la ayuda de su mejor amigo, Sebastian, y realizar un último viaje a Panamá para traer millones de dólares en billetes falsos.

Pero las cosas no salen como estaba previsto y con solo unas horas para hacerse con el dinero, Chris deberá hacer uso de sus oxidadas habilidades y superar una traicionera red criminal con brutales narcos, polis y sicarios, antes de que su esposa Kate y sus hijos se conviertan en objetivos.

En 2008, el guionista Arnaldur Indriðason y el guionista y director Óskar Jónasson crearon el thriller escandinavo Reykjavik-Rotterdam. La película, protagonizada y producida por Baltasar Kormákur, sigue las andanzas de un guarda de seguridad llamado Kristófer que se ve envuelto en el contrabando de alcohol cuando acepta un trabajo a bordo de un carguero de contenedores que sale de Reikiavik, en Islandia, rumbo a Róterdam, en Holanda.

El thriller fue un éxito no solo en Islandia, sino en toda Europa. Dos años después, Baltasar Kormákur habló con su representante acerca de la posibilidad de hacer una versión más internacional. Este se puso en contacto con los cineastas británicos Tim Bevan y Eric Fellner, que decidieron desarrollar el proyecto con su productora Working Title.

Después de pensar en quién sería el guionista más apropiado para reinventar la historia dirigida a un nuevo público, el cineasta se inclinó por el prometedor guionista Aaron Guzikowski, algo en lo que Liza Chasin y Evan Hayes, los dos productores ejecutivos de Working Title, estuvieron totalmente de acuerdo.

Dado que el estado de Luisiana es un lugar de paso de muchos barcos que recorren el mundo y que gran parte del contrabando estadounidense pasa por allí, los productores, el realizador y el guionista visitaron la zona y decidieron que la cintatranscurriría en Nueva Orleans, y no en Islandia.

Contraband está rodada íntegramente en decorados naturales en diversos barrios de Nueva Orleans y en la ciudad de Panamá. Bajo la creativa mirada del director de fotografía Barry Ackroyd, el thriller fue filmado usando cámaras múltiples con el propósito de captar la acción en tiempo real. Muy al principio de la producción, el equipo de diseño viajó a la ciudad de Panamá para decidir qué escenas debían rodarse allí mismo.

El hecho de usar más de una cámara ofrece mayor libertad a los actores para improvisar sin que tengan que preocuparse tanto por permanecer en el encuadre de una sola cámara. Baltasar Kormákur confiaba plenamente en que Barry Ackroyd, un experto director de fotografía de películas de acción, captara los movimientos de los actores.

Baltasar Kormákur (nacido el 27 de febrero de 1966) es un actor, director y productor de cine y teatro de origen hispano-islandés. Es conocido en el mundo del cine por algunas de sus películas como 101 Reykjavík, que protagonizó Victoria Abril, El mar o Verdades ocultas. Su padre es el pintor barcelonés residente en Islandia Baltasar Sabater.

The ides of march, 2011, 101 min. (USA)
Wide Pictures
[rating=0]

Dirección: George Clooney
Intérpretes: Ryan Gosling, George Clooney, Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Marisa Tomei, Jeffrey Wright, Evan Rachel Wood, Max Minghella
Guion: George Clooney, Grant Heslov, Beau Willimon
Fotografía: Phedon Papamichael
Música: Alexandre Desplat
Montaje: Stephen Mirrione
Producción: George Clooney, Grant Heslov, Brian Oliver

Stephen Meyers es un idealista y brillante comunicador. Es el segundo de a bordo de la campaña presidencial del gobernador Mike Morris, en quien confía ciegamente. Durante las primarias de Ohio, Tom Duffy el jefe de campaña del máximo oponente de Morris, ofrece a Meyers un puesto de trabajo. Al mismo tiempo, las negociaciones de Morris para conseguir el apoyo adicional de un senador de Carolina del Sur se estancan. Y la joven becaria Molly Sterns capta la atención de Stephen. Los republicanos guardan varios ases bajo la manga, Meyers puede haberse confiado en exceso y Molly guarda un secreto. ¿Qué es más importante: la carrera, la victoria o la verdad?.

«Consideraría esta película un thriller político. No diría que es necesariamente un film político» –comenta George Clooney, quien dirige, produce, coescribe, y protagoniza la película. Dado que la historia se centra más en el proceso electoral que en las ideas políticas en sí mismas, Clooney dice que atraerá por igual a los seguidores de ambos partidos. «Supongo que si usted es demócrata preferirá el principio de la película, y si, por el contrario, es republicano, se inclinará por el final. La cinta avanza con la tesitura de meterse con todos. Si se trata de un film político, lo es sin insistir en una determinada dirección, y justo eso era lo importante para nosotros«.

Los orígenes de la película se retrotraen al verano de 2004. Fue entonces cuando Beau Willimon, un joven escritor que no hacía mucho había dejado de trabajar con el personal de la esperanzada campaña presidencial de Howard Dean en Iowa, escribió un primer borrador de su pieza teatral Farragut North. Willimon recurrió a su propia experiencia para tramar esta historia de intriga política y traición tras las escenas de una campaña presidencial.

La obra se estrenó en 2008 en el Atlantic Theater Company de Nueva York, para trasladarse en 2009 al Geffen Playhouse de Los Ángeles. Finalmente, cayó en manos de un empleado de Smokehouse Pictures, la productora de George Clooney y Grant Heslov. Amigos de hace mucho, Clooney y Heslov habían colaborado previamente en la nominada a varios Oscars Buenas noches, y Buena suerte (2005); así como en Ella es el partido (2008); Los hombres que miraban fijamente a las cabras (2009); y El americano (2010).

Llevar la pieza teatral a la pantalla cinematográfica implicó hacer diversos cambios, y no es el menor que el gobernador Morris, el candidato, sea uno de los personajes, pues nunca aparece en la obra. «El candidato no existe en la pieza teatral, nunca pronuncia palabra«, –informa Clooney–. «Con miras a establecer una buena historia, ideamos un personaje, un candidato en el que Stephen cree, en el que todo el mundo cree, para poder destrozarlo. Al principio, tiene una apariencia inocente, honorable, hasta que descubres que se trata del más deshonesto de todos«.

Los realizadores también cambiaron el título, lo que Clooney justifica: «Farragut North es un gran título para la pieza, pero para un film se nos antojaba un poco demasiado concreto. Enmarcamos las primarias en el 15 de marzo, y en la cinta pueden percibirse algunos temas shakesperianos«.

Con el guión listo, Clooney y Heslov planificaron el rodaje para 2008. Pero entonces, bastante oportunamente, los políticos entraron en acción. «En 2008, llevábamos trabajando en el guión en torno a un año y medio«, –explica Clooney–. «Y entonces, Obama fue elegido, y había tanta esperanza, todo el mundo estaba tan feliz, que no parecía el momento adecuado para hacer la película, pues la gente se mostraba demasiado optimista ¡para un film tan cínico! Hacia un año más tarde, todos volvían a ser cínicos, y entonces nos pareció que podíamos hacer la película«.

Es el cuarto largometraje que dirige George Clooney (Lexington, Kentucky, 1961), tras Confesiones de una mente peligrosa (2002), Buenas noches, y buena suerte (2005) y Ella es el partido (2008).

Cuchillo de palo, 2010, 91 min. (España)
–
[rating=0]

Dirección: Renate Costa
Intérpretes: Miguel Auad Petunia, Renate Costa, Manuel Cuenca
Guión: Renate Costa
Fotografía: Carlos Vásquez
Montaje: Núria Esquerra
Producción: Susana Benito

La realizadora paraguaya Renate Costa hace en Cuchillo de palo varios retratos: el de su tío Rodolfo; el de su familia (en especial el de su padre); el de la represión del régimen de Alfredo Stroessner hacia los homosexuales; y el del miedo y los prejuicios todavía arraigados en la sociedad paraguaya. Si bien la cineasta aparece y guía las entrevistas, la primera persona es un rasgo de enunciación tenue, enmarcado por el pudor, el respeto y la justa distancia ante la historia de su propia familia. El tío Rodolfo fue alguien que vivió perseguido, encarcelado y reprimido, y fue uno de los gays incluidos en «los 108», una lista que convirtió hasta al propio número en estigma. Rodolfo, según se cuenta en la película, murió de tristeza. Con singular sensibilidad, concisión y rigor, Costa hace un film político y personal a flor de piel –las entrevistas con su padre Pedro y el relato de un velorio tienen especial impacto– que emociona con las mejores armas.

Consiguió la Biznaga de Plata al mejor documental en el Festival de Cine Español de Málaga.

Renate Costa (Asunción, Paraguay, 1981), se graduó en Dirección y Producción Audiovisual en el Instituto Profesional de Artes y Ciencias de la Comunicación del Paraguay. Se especializó en Realización Documental en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Baños, Cuba. Desde 2006 vive en Barcelona donde obtuvo el Máster en Documental de Creación por la Universitat Pompeu Fabra con el desarrollo de Cuchillo de Palo / 108.

John Carter, 2012, 132 min. (USA)
The Walt Disney Company
[rating=0]

Dirección: Andrew Stanton
Intérpretes: Taylor Kitsch, Willem Dafoe, Lynn Collins, Samantha Morton, Mark Strong, Ciarán Hinds, Dominic West, James Purefoy, Daryl Sabara, Polly Walker, Bryan Cranston, Thomas Haden Church
Guion: Andrew Stanton, Mark Andrews, Michael Chabon
Fotografía: Dan Mindel
Música: Michael Giacchino
Montaje: Eric Zumbrunnen
Producción: Jim Morrison, Colin Wilson, Lindsey Collins

La película narra la historia de John Carter, un veterano de guerra y antiguo capitán del ejército, que viaja inexplicablemente a Marte donde se ve envuelto en un conflicto de proporciones épicas entre los habitantes del planeta. Entre ellos se encuentran Tars Tarkas y la cautivadora Princesa Dejah Thoris. En un mundo al borde del colapso, Carter redescubre su humanidad al comprender que la supervivencia de Barsoom y su pueblo está en sus manos.

En 2012 se celebra el centenario de la creación de John Carter, el personaje de Edgar Rice Burroughs. Se trata del héroe espacial que aparecía en la serie y que ha hecho las delicias de varias generaciones con sus fascinantes aventuras en Marte. En concreto, esta película se basa en Una Princesa de Marte, la primera novela de Burroughs, nacido en Chicago y conocido por escribir y crear Tarzán que sigue siendo uno de los personajes de ficción más populares de todos los tiempos.

Con el paso del tiempo, Carter se ha convertido en un paradigma del héroe en todos los ámbitos de la cultura popular, desde los libros cómics, la ilustración y la animación, la televisión y ahora el cine. Está claro que este personaje ha servido de inspiración a las mentes más creativas del siglo pasado.

El director y guionista Andrew Stanton, explica que ha querido llevar la nobvela a la gran pantalla en su primera incursión en el género de acción real porque «leí estos libros en la edad perfecta. Tenía unos diez años y me entusiasmó la idea de un ser humano que viaja a Marte y encuentra unas criaturas asombrosas que viven en un mundo totalmente nuevo y extraño para él. Es decir, un extraño en tierra extraña. Era una visión muy romántica del género de ciencia ficción y aventuras. Siempre pensé que sería genial llevarlo al cine«. Stanton añade: «John Carter es una auténtica epopeya con acción, romance e intrigas políticas. La historia se escribió hace muchos años así que fue pionera en ese tipo de relatos. Un cómic antes de que existieran los cómics, una historia de aventuras antes de convertirse en un género propio«.

Andrew Stanton (Rockport, Boston, Massachusetts, 1965) dirigió y coescribió el guión de WALL•E de Disney•Pixar, que fue galardonada con los Premios de la Academia y un Globo de Oro a la Mejor Película Animada de 2008. Stanton ha sido una de las grandes fuerzas creadoras de Pixar Animation Studios desde 1990, cuando se convirtió en el segundo animador (y noveno empleado) en incorporarse al grupo de pioneros de la animación por ordenador del Estudio. Como Vicepresidente y creativo, actualmente dirige y supervisa todos los largometrajes y cortometrajes que se realizan en los Estudios. Stanton debutó como director con un largometraje que batió récords, Buscando a Nemo (2003), galardonada con un Oscar en la categoría de Mejor Largometraje de Animación en 2003, siendo este el primer Premio de la Academia que Pixar Animation Studios recibía por un largometraje. Fue coguionista de Toy Story (Juguetes), Bichos, una aventura en miniatura y Monstruos S.A., así como de Toy story 2, los juguetes vuelven a la carga. Además, fue codirector en Bichos, una aventura en miniatura. Se licenció en animación de personajes en el California Institute of the Arts (CalArts), donde realizó dos películas como estudiante. Comenzó su carrera profesional en los años ochenta en Los Ángeles, como animador en el estudio Kroyer Films de Bill Kroyer y como guionista en Mighty Mouse, The New Adventures (1987), de Ralph Bakshi.

This means war, 2012, 97 min. (USA)
Hispano Foxfilm
[rating=0]

Dirección: McG
Intérpretes: Reese Witherspoon, Chris Pine, Tom Hardy, Til Schweiger, Angela Bassett, Chelsea Handler, Abigail Spencer
Guion: Timothy Dowling, Simon Kinberg
Fotografía: Russell Carpenter
Música: Christophe Beck
Montaje: Nicolas De Toth
Producción: Simon Kinberg, James Lassiter, Robert Simonds, Will Smith

Chris Pine y Tom Hardy encarnan a dos agentes de la CIA que son los más mortíferos del mundo, además de inseparables camaradas y amigos íntimos… hasta que ambos se enamoran de la misma mujer. Quienes en el pasado contribuyeron a aplastar a naciones enemigas enteras, recurren ahora a sus incomparables habilidades y a una colección inacabable de artilugios de alta tecnología para plantar cara al peor enemigo al que cada uno de ellos se haya enfrentado jamás: su respectivo ex amigo del alma.

Dirige McG (Joseph McGinty Nichol) (Kalamazoo, Michigan, 1970), quien comenzó su carrera dirigiendo campañas de publicidad para compañías como Gap y Coca Cola, y ha dirigido más de 50 vídeos musicales para artistas como Sublime y Wyclef Jean. Su filmografía se completa con Los ángeles de Charlie (2000), Los ángeles de Charlie, al límite (2003), Equipo Marshall (2006) y Terminator Salvation (2009). McG es el fundador de Wonderland Sound & Vision, una productora de cine y televisión con un acuerdo con Warner Bros. Bajo su liderazgo, Wonderland Sound & Vision ha crecido y se ha convertido en una entidad multifacética que ha marcado una diferencia por la manera en que produce y entrega su contenido.

Después de finalizada la fotografía principal, McG y sus equipos se entregaron al trabajo de montar, incorporar la música, mezclar y dar los últimos toques a los efectos visuales. Más adelante, durante este periodo de posproducción, proyectarían la película a grupos de espectadores seleccionados para evaluar sus reacciones y afinar la película. Las proyecciones lograron calificaciones sobresalientes que revelaron que la cinta gusta a hombres, mujeres, solteros y parejas. Esto, y una positiva recomendación verbal posterior, llevaron al estudio a elegir una fecha de estreno inesperada: El Día de los Enamorados, que cae en el 14 de febrero, martes. (La mayoría de las películas se estrenan en viernes, a tiempo para el fin de semana). Pero a McG, el estreno en ese festivo le pareció perfecto. «Después de todo«, señala, «¡todo el mundo necesita un poco de acción en el Día de los Enamorados!«.

Intouchables, 2011, 115 min. (Francia)
A Contracorriente Films
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Dirección: Eric Toledano, Olivier Nakache
Intérpretes: François Cluzet, Omar Sy, Audrey Fleurot, Anne Le Ny, Clotilde Mollet, Alba Gaïa Bellugi, Cyril Mendy, Christian Ameri
Guión: Eric Toledano, Olivier Nakache
Fotografía: Mathieu Vadepied
Música: Ludovico Einaudi
Montaje: Dorian Rigal-Ansous
Producción: Nicolas Duval-Adassovsky, Laurent Zeitoun, Yann Zenou

Tras un accidente de parapente, Philippe, un rico aristócrata, contrata a Driss como asistente y cuidador, un joven procedente de un barrio de viviendas públicas que ha salido recientemente de prisión… En otras palabras, la persona menos indicada para el trabajo. Juntos, van a mezclar a Vivaldi y ‘Earth, Wind & Fire,’ la dicción elegante y la jerga callejera, los trajes y los pantalones de chándal… Dos mundos van a chocar y van a tener que entenderse mutuamente para dar lugar a una amistad tan demencial, cómica y sólida como inesperada, una relación singular que genera energía y los hace… ¡intocables!.

La película, que clausuró el Festival de Cine de San Sebastián 2012, ha sido uno de los grandes éxitos de la historia del cine francés con cifras de taquilla que alcanzan los 19,2 millones de espectadores y más de 120 millones de euros.

Avalada por los productores de Los Seductores, la película está dirigida por una pareja de directores franceses Olivier Nakache y Eric Toledano, y está protagonizada por François Cluzet (Pequeñas Mentiras sin Importancia) y Omar Sy (Micmacs). La idea para llevar adelante la cinta se retrotrae a 2003 y según Nakache «en cierta velada, estuvimos viendo un documental que nos marcó: A la vie, a la mort. Trataba sobre un muy improbable encuentro entre Philippe Pozzo di Borgo, que se había quedado tetraplégico tras un accidente practicando parapente, y Abdel, un joven procedente de las viviendas sociales contratado para cuidarle. En aquella época, acabábamos de rodar Je préfère qu’on reste amis (2005). Probablemente, no éramos aún lo suficientemente maduros en aquel momento para abordar aquel tema, pero el documental se quedó en nosotros. Y a menudo lo veíamos de nuevo… y, tras Tellement proches (2009), sentimos que quizá ya era el momento de trabajar la historia«.

Eric Toledano y Olivier Nakache se conocieron a principios de los años noventa. En 1995, dirigieron juntos su primer corto, Le jour et la nuit, con Zinedine Soualem y Julie Mauduech. Sin embargo, fue su segundo corto, Les petits souliers, el que logró atraer la atención sobre el tándem. Inspirado en su mutua experiencia (las rondas de Santa Claus que habían afrontado en Navidades para hacer algo de dinero), e interpretado por un reparto excelso de actores más o menos desconocidos aún en aquella época (Gad Elmaleh, Atmen Kélif, Jamel Debbouze y Roschdy Zem), la película fue elegida para el Festival de Cortometrajes de Clermont-Ferrand, y para el Festival de Cine de París, donde se hizo con el Premio del público de 1999, así como para varios otros Festivales de Francia y del extranjero, en los que también se granjeó una docena de galardones.

Al haber frecuentado los campos de verano como líderes de actividades, los dos compañeros siguieron juntos su trabajo recurriendo una vez más a su pasado como fuente de inspiración. Así, en 2001, se estrenó el corto Ces jours heureux (con Lorant Deutsch, Omar Sy, Fred Testot, Lionel Abelanski y Barbara Schulz), que llevaba las semillas de lo que se convertiría en Aquellos días felices (Nos jours heureux, 2006), el que sería su segundo largometraje. La película, otro gran éxito, se hizo acreedora de muchos premios (El premio del jurado y el del público en el Festival de Comedia de Meudon, en su edición de 2001; el premio del público en Poitiers y Sarlat, aquel mismo año).

En 2003, Eric Toledano y Olivier Nakache abordaron su primer largo juntos, Je préfère qu’on reste amis. Este proyecto quedó marcado por el encuentro con Gérard Depardieu, y el comienzo de la colaboración de los cineastas con Jean-Paul Rouve. Éste último se reunió con ambos directores para Aquellos días felices, que cuando se estrenó, en 2006, obtuvo gran éxito de crítica y público. Entonces, el tándem realizó Tellement proches, que trata el tema de la familia en estos tiempos que corren. Protagonizaban la cinta Vincent Elbaz, Isabelle Carré, Omar Sy, François-Xavier Demaison y Joséphine de Meaux.

Dictado, 2012, 95 min. (España)
Filmax
[rating=0]

Dirección: Antonio Chavarrías
Intérpretes: Juan Diego Botto, Bárbara Lennie, Nora Navas, Mágica Pérez, Marc Rodríguez, Ágata Roca, Cristina Azofra
Guion: Antonio Chavarrías
Fotografía: Guillermo Granillo
Música: Zacarías M. de la Riva, Joan Valent
Montaje: Martí Roca
Producción: Antonio Chavarrías

Daniel acepta acoger en su casa a Julia, la hija de un amigo de la infancia que acaba de suicidarse. Mientras Laura, su mujer, va consiguiendo que Julia recobre las ganas de vivir, Daniel empieza a sentir como amenazas algunas de las acciones de la niña, que despiertan dentro de él miedos y sentimientos de un pasado que había decidido enterrar.

Presentada en la sección oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín 2012, la película es un thriller psicológico dirigido por Antonio Chavarrías (L’Hospitalet de Llobregat, Barcelona), guionista y director de películas como Las vidas de Celia (2006), Volverás (2002), Susanna (1995) y Manila (1991). En 1990 fundó Oberon Cinematogràfica, desde donde ha producido numerosos largometrajes, tanto propios como de otros directores.

Con esta película, el diriector declara que «quise construir una historia que creciese como una amenaza. Una amenaza inconcreta que poco a poco fuese adueñándose de todos los personajes hasta hacerlos víctimas de un peligro incierto pero cada vez más real e inmediato. También quería saber si podía contar una historia dominada por el mal pero sin personajes malvados. Quería saber hasta qué punto el mal puede nacer de la inocencia y puede crecer en un entorno luminoso, racional, cotidiano y con personajes que sólo buscan la felicidad. Y sí, es posible. Sólo hace falta darle un motivo para después sembrar la semilla de la desconfianza y alimentarla con la culpa y el miedo«.