Día: 10 de febrero de 2012

À moi seule, de Fréderic Videau

Segunda película francesa a competición en el primer día de competición. Desde luego, la Berlinale se ha pasado en acumulación gala en el arranque del festival. En dos días, tres películas de esa nacionalidad.

De todas ellas, con diferencia, la mejor fue la proyectada en la ceremonia de apertura del festival, LES ADIEUX À LA REINE, de Benoît Jacquot. La presente es un arriesgado ejercicio psicológico, que no cuaja en ningún momento su delicado y enrevesado objetivo por lo timorato de la puesta en escena empleada por su realizador.

Á MOI SEULE narra o, mejor dicho, observa la relación que se establece entre un joven trabajador de una empresa maderera y la adolescente que tiene secuestrada en un habitáculo subterráneo de su hogar desde hace cinco años. El film arranca con una secuencia que concluye con la decisión de él de dejarla escapar de allí. El guion plantea, pues, un constante ir y venir temporal, pues el eje que sostiene el avance de los hechos es la memoria de la joven.

Hay que reconocerle el riesgo que Videau asume al involucrarse en una propuesta que va complejizándose según va quedando manifiesta la atracción afectiva que la joven siente por su celador. Éste también manifestará, poco a poco, un sincero sentimiento amoroso hacia ella. El film falla precisamente por lo pacato, lo escasamente tenso de la disposición tras la cámara del realizador.

De ahí que Á MOI SEULE resulte más teórica que verosímil. Conocedor de la cautela con la que ha aproximarse a la peliaguda relación central, Videu se excede en prevenciones y en distanciamiento. Su película resulta letalmente moderada: la cargante mesura hace que se pierda todo interés en unos personajes que muy pronto agotan su particularidad.

Una adhesión más arrojada sobre los personajes podría haber dado algunas claves más viscerales que hicieran que el espectador sintiera la tortura de ambos. Esto no ocurre jamás. Una realización plana, una música horrenda y algún salto temporal no bien justificado –se echa en falta alguna explicación más sobre los primeros años de convivencia- terminan por diluir las posibilidades de un film que, a todas luces, hubiera necesitado un Polanski que en modo alguno tiene.

En definitiva, flojísimo el cartel que nos ha deparado la Berlinale en su primer día de programación completa. La representación francesa se ha cubierto de gloria flácida y de impacto pedante y pretencioso. Esperemos que la organización haya tenido el detalle de endiñarnos lo peor para el principio.

Aujordd´hui, de Alain Gomis

Tercer largometraje del desconocido Alain Gomis, AUJORD´HUI se pretende la crónica de una desesperación insalvable. Un hombre senegalés, fuerte, sano, con toda la vida por delante, de súbito, nota la llamada en su cuerpo de su propia defunción. Satché, como si de una maldición se tratara, sabe que hoy va a morir: nada podrá impedirlo. Unas voces en off superpuestas a la primera imagen del film pronuncian las clásicas “Érase una vez”.

Gomis parece querer situar al espectador en el terreno de la leyenda, del relato etnográfico contemporáneo, en ese atávico peso intangible que es lo sobrenatural hecho creencia positiva: su personaje central es víctima de un designio frente al que nada puede hacer. De hecho la primera secuencia del film es la del llanto de toda su familia ante esa certeza. Varias escenas nos acercan a una especie de duelo en el que él está presente sentado en una silla.

El problema principal de la propuesta es lo desaprovechado que está este interesante punto de partida. A partir de la salida del hogar materno, el film es una mera contemplación del paseo que el protagonista da por toda su pueblo para ver espacios y seres queridos por última vez. Gomis se esfuerza notablemente en no decantar la narración por el terreno de la tragedia lloricosa y desgarrada. Su observación privilegia un sano pasmo festivo que, en los primeros momentos, sorprende.

Sin embargo, poco a poco, el interés de la historia se diluye hasta la más absoluta de la intrascendencia. No hay nada más que el mirar lo que Satché mira. No casa en absoluto la captación realista del director con el cariz telúrico de ese ser condenado orgánicamente a un final inminente. Un film al que le pesa como una losa la presunta trascendencia que lo aniquila. Se diría que estamos ante un sucedáneo africano del Gus Van San t más radical: el de GERRY, por ejemplo.

El realizador es incapaz de conseguir una cierta trascendencia narrativa a los espacios que transita el hombre determinado a su extinción. Únicamente al final, una sola escena permite vislumbrar lo que debiere haber sido el resto del film: el reencuentro con la esposa y los pequeños hijos. El rechazo de aquella en un primer momento permite una tensa incomodidad que eleva por momentos la insubstancialidad campante, de una obra lentamente hermética, y, más que ligera, vacía.

Berlinale – día 2

Tres película inauguran la sección oficial a concurso de la Berlinale 2012. Destaca Extremely Loud & Incredibly Close, de Stephen Daldry, por tercera vez en la Berlinale tras The hours y The reader. La cinta se basa en la novela de Jonathan Safran Foer, y relata el esfuerzo de un niño por superar la muerte del padre, desaparecido en los ataques del 11 de septiembre de 2001. «Hay muchas historias que contar, supongo que habrá muchas más historias que deberían ser contadas sobre el 11 de septiembre y lo que ocurrió, por qué ocurrió y las consecuencias de lo ocurrido, con las que vivimos constantemente«, declara el cineasta. Protagonizada por el veterano actor sueco Max von Sydow, quien no pronuncia ni una palabra en toda la película, asegura haber dicho mucho, porque «no hay diferencia entre alguien que habla escribiendo y otro que habla normal, ambos son seres humanos con el mismo tipo de cualidades psicológicas«. Alain Goumis, por su parte, relata en su tercer largometraje, Aujourd’hui, el último día de vida de un hombre obligado a rendir cuentas con su pasado. Según una tradición senegalesa, a veces la muerte avisa a la gente su llegada con 24 horas de anticipación y cuando una mañana Satché se despierta encuentra a todo el barrio que lo despide con una oración fúnebre en vida. Finalmente, A moi seule, es una producción francesa de Frédéric Videau en la que se relata la experiencia que vivió Natascha Kampusch, la joven austríaca que pasó ocho años secuestrada por un técnico de comunicaciones.

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Estrenos USA 10 de febrero de 2012

Los estrenos de esta semana en Estados Unidos son Journey 2: the mysterious Island, de Brad Peyton, secuela de Viaje al Centro de la Tierra (2008), también en 3D, que cuenta en su su reparto con Dwayne Johnson, Michael Caine y Luis Guzmán quienes llenan el vacío dejado por Brendan Fraser, que protagonizó la primera película; la cinta de suspense El invitado, dirigida por el sueco de ascendencia chilena Daniel Espinosa y protagonizada por Denzel Washington; The Vow, comedia romántica de Michael Sucsy, con Channing Tatum como un marido que hará lo imposible por volver a enamorar a su esposa (Rachel McAdams) cuando ella se despierta de un profundo coma con una severa pérdida de memoria; así como la versión en 3D de Star Wars. Episodio I. La amenaza fantasma. Por otro lado, llega a los cines Nueva York la película española Chico & Rita, con motivo de su candidatura al Oscar a la mejor película de animación.(10/02/12)

El Ayuntamiento de Donosti mantiene la dotación para el Festival

El Gobierno municipal de Bildu en San Sebastián mantiene la aportación de un millón de euros destinada al Zinemaldia. El proyecto presupuestario total asciende a 351,5 millones de euros, lo que supone un 11% menos que en las cuentas de 2011. El proyecto de presupuestos de 2012 pretenden mantener e incluso aumentar ligeramente el gasto social al tiempo que establece una reducción del 39% de la inversión pública.(10/02/12)

Tan fuerte, tan cerca, de Stephen Daldry

De sorprendente inclusión en las nominaciones a los próximos Oscar (ha tumbado a WAR HORSE, de Steven Spielberg), TAN FUERTE TAN CERCA, es la esperada nueva obra del autor de BILLY ELLIOT y EL LECTOR. Ya vista, podemos decir que nos hallamos ante la menos interesante de todas sus obras. No es, ni mucho menos, un film desdeñable, pero sí en el que se le ha ido más la mano en cuanto a las ansias por agarrar la emoción del espectador a cualquier costa evidente. La obra ofrece un asunto central demasiado tentador en ese sentido.

TAN FUERTE, TAN CERCA nos propone una sensible indagación en la tragedia personal de las víctimas del acontecimiento histórico que más ha tambaleado los cimientos de la estabilidad internacional del presente sigo: los atentados del 11 de Septiembre en la ciudad de Nueva York. El film se centra en Oskar, un niño cuyo padre es uno de los miles de fallecidos tras el derrumbe de las Torres Gemelas.

Así pues, partimos desde un ser que no ha sabido salir aún del shock que le ha supuesto esa pérdida tan fatídica. Las primeras imágenes del film inciden en la intensa complicidad habida entre padre e hijo. La relación con la madre, en cambio, apenas sí tiene presencia alguna. Tras el fallecimiento de aquel, el menor se encierra en un íntimo coto de acechanzas, del que a nadie quiere hacer partícipe.

El asunto central del film principia en el hallazgo casual de un sobre, con una llave dentro, que el padre tenía escondido en un jarrón. En el sobre se lee el apellido Black. La curiosidad por saber qué cerrojo abrirá esa llave lleva al chaval a iniciar una desesperada búsqueda. Decidirá ir a visitar, tras comprobarlo en un listín telefónico, a todas las personas que, con ese apellido, viven en Nueva York.

Por lo tanto, la película se centrará, de un lado, en la descripción del carácter contumaz, abatido, irascible y voluntarioso del protagonista, y, de otro, en los esfuerzos que emprenderá para saldar el enigma de esa llave oculta. Éste segundo apartado permitirá la variopinta incorporación de un buen número de personajes que irán poniendo a prueba el tesón del joven.

El principal lastre que torpedea la hondura dramática de TAN FUERTE TAN CERCA es lo reiterativo de su avance narrativo. La variedad de encuentros con personajes apellidados Black determina una concatenación de excentricidades que no abundan en el desarrollo interior del personaje principal. El film desbarra por una suerte de pintoresca superficialidad, que no beneficia a la verosimilitud de la peripecia emprendida por el niño.

Sólo la aparición de un anciano que tiene alquilada una habitación en le piso de la abuela del chaval eleva el tono del relato por encima de esa insistencia en la rareza incomunicativa de Oskar: en la relación que surgirá entre ambos el film cuaja una serenidad y una hondura que ha sido despreciada con anterioridad en aras de un mero pincelado aislado y sesudo del chaval.

Sin embargo, la ausencia del personaje interpretado por Max Von Sydow hace que el film derrape inapelablemente por el camino de una superficialidad telefílmica no vista hasta ahora en ninguna de sus tres obras anteriores. La media hora final adolece de sentimentalismo reconfortador. Campa a sus anchas la tentación de ese buenismo comercial tan del gusto de estas piadosas obras hollywoodienses. La superación del luto personal queda abaratada de forma flagrante.

Cuesta reconocer, pues, en TAN FUERTE, TAN CERCA la elegancia y el pudor observativos que Daldry dirimió, por ejemplo, en LAS HORAS. Da la impresión que su carrera va iniciando el mismo periplo domesticado del sueco Lasse Hallström (de MI VIDA COMO UN PERRO a CHOCOLAT) : estimables realizadores que, en aras de un reconocimiento público masivo y premiado, desprecian su inquietud inicial para manufacturar consumible comercialidad emotiva empaquetada al vacío, con pronta fecha de caducidad impresa.

La creación de la ilusión – Lecciones de cine

VGA

El ciclo dirigido por Manuel Gutiérrez Aragón se propone como objetivo mostrar a través de prestigiosos nombres del cine y de acreditados especialistas la esencia del fenómeno artístico cinematográfico, con el mismo rigor y profundidad metodológica que los usados al abordar el análisis de las artes de la imagen o de la creación literaria.

The Turin horse, de Béla Tarr

Á Torinói Ló, 2011, 146 min. (Hungría, Francia, Alemania, Suiza, USA)
Paco Poch Cinema
[rating=0]

Dirección: Béla Tarr y Ágnes Hranitzky
Intérpretes: János Derzsi, Erika Bók, Mihály Kormos

Turín, 1889, Friedrich Nietzsche sale a la calle y se lanza al cuello de un caballo. Al regresar a su casa, el filósofo pronuncia una frase antes de entrar en una fase de silencio hasta el día de su muerte. Lejos de cuestionarse los porqués de la acción de Nietzsche, la película se pregunta: ¿qué pasó con el caballo? La película retrata la rutina de un padre y una hija que viven en medio de la nada y que ven como su caballo ha decidido no moverse más. Anunciada como la última película de Béla Tarr, este filme de carácter apocalíptico e imágenes hipnóticas supone un monumental broche de oro a la carrera de un cineasta que siempre ha flirteado con lo fantástico.

Libremente inspirado en un episodio que marca el final de la carrera como filósofo de Friedrich Nietzsche: el 3 de enero de 1889, en la plaza Alberto de Turín, Nietzsche se lanzó llorando al cuello de un caballo agotado y maltratado por su cochero. Luego se desmayó. Después de este acontecimiento, que constituye el prólogo de la película de Béla Tarr, el filósofo dejó de escribir y se hundió en la locura y el mutismo. Sobre esta base, The Turín Horse explora los destinos del cochero, su hija y el caballo, en una atmósfera de pobreza que anticipa el final del mundo.

Béla Tarr (Pécs, 1955), tras estudiar cine y teatro, comenzó una colaboración con el escritor László Krasznahorkai que ha durado hasta la actualidad. Sátántangó (1994), su obra magna, de siete horas y Werckmeister Harmoniak (2000) lo convirtieron en uno de los directores más importantes del cine contemporáneo. Con esta cinta, de sólo 30 planos, consiguió el Oso de Plata – Gran Premio del Jurado y el Premio FIPRESCI de la Crítica en el Festival de Cine de Berlín.

Star Wars: Episodio I: La amenaza fantasma 3D, de George Lucas

Star Wars: Episode I – The phantom menace 3D, 1999, 136 min. (USA)
Hispano Foxfilm
[rating=0]

Dirección: George Lucas
Intérpretes: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Ian McDiarmid, Pernilla August, Oliver Ford Davies, Hugh Quarshie, Terence Stamp, Keira Knightley, Ray Park, Samuel L. Jackson

Reestreno en 3D del primer episodio de La guerra de las galaxias donde se relatan las andanzas de Anakin Skywalker, de 9 años de edad, que todavía no sabe que acabará convirtiéndose en el perverso Darth Vader, padre de Luke Sywalker. Un joven Obi-Wan Kenobi será su mentor y guía por el camino de la fuerza.

George Lucas es el alma mater de la saga La guerra de las galaxias a la que parecía haber exprimido hasta la saciedad. Pues no, aún le queda la edición en 3D de toda la serie. Dirigió su primera película THX 1138, en 1970 y un año después creó su propia compañía, Lucasfilm Ltd. Antes de rodar la primera entrega de la serie realizó American Grafitti. Lucas también fue productor ejecutivo de otra famosa saga, En busca del arca perdida, dirigida por Steven Spielberg. En 1988 dirigió Willow.

War horse (Caballo de batalla), de Steven Spielberg

War horse, 2011, 146 min. (USA, Reino Unido)
The Walt Disney Company
[rating=0]

Dirección: Steven Spielberg
Intérpretes: Jeremy Irvine, David Thewlis, Emily Watson, Toby Kebbell, David Kross, Peter Mullan, Niels Arestrup, Eddie Marsan, Benedict Cumberbatch, Tom Hiddleston, Celine Buckens

Este relato sobre un chico llamado Albert y su querido Joey, un caballo de granja, se inicia con el estallido de la Primera Guerra Mundial. El padre de Albert vende a Joey a la caballería del ejército británico para luchar en el frente. Joey será testigo de un extraordinario periodo de la Historia con la Gran Guerra como trasfondo. A pesar de los obstáculos que encuentra en su camino, su coraje será fuente de inspiración para todos los que se cruzan con el noble animal. Albert no puede olvidar a su amigo y abandona su hogar para luchar en los campos de batalla de Francia. Allí busca incansablemente a su amigo para traerlo sano y salvo a casa.

La novela War Horse se publicó por primera vez en 1982 y pronto se convirtió en un clásico de la biblioteca familiar ya que su canto al amor y a la lealtad encandiló a grandes y pequeños. El libro se adaptó al teatro y fue un enorme éxito internacional. Allí fue donde Steven Spielberg se enamoró de la historia. Por otro lado, tras ver la adaptación teatral en Londres, la productora Kathleen Kennedy llevó el proyecto a al director. Conmovida por la obra, Kennedy de inmediato pensó que sería una maravillosa película y Spielberg, el director que sabría dar vida a su emotiva historia en la pantalla grande. «La historia me pareció absolutamente fascinante. Me conmovió profundamente«, recuerda el cineasta. «Me parecía una historia muy sincera, y me di cuenta que se podía hacer una película para toda la familia sobre la aventura de un chico y su caballo que se ven separados por el destino. Espero que la gente se identifique con esta historia y la comparta. Su ternura y su mensaje son absolutamente universales y van a llegar al público de todos los países«. Es la segunda película dirigida por Steven Spielberg en 2011 junto a Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, y la primera de su filmografía que edita digitalmente.

Three, de Tom Tykwer

Three, 2010, 119 min. (Alemania)
Karma Films
[rating=0]

Dirección: Tom Tykwer
Intérpretes: Sophie Rois, Sebastian Schipper, Devid Striesow

Berlin. Época actual. Hanna y Simon son una pareja que viven juntos desde hace años. El amor, el trabajo, el sexo y la vida cotidiana se entremezclan en una combativa armonía. Son atractivos, modernos, maduros, sin niños, cultivados y con los pies en la tierra. Pero Hanna conoce a Adam. Y Adam conoce a Simon. E inesperadamente los tres se enamoran.

Tom Tykwer, que se dio a conocer internacionalmente con Corre Lola corre (1998), siguió una carrera irregular que incluye grandes producciones como El perfume, historia de un asesino (2006) o, más recientemente The international (2009), que inauguró ese año el Festival de Cine de Berlín. Ahora retorna Alemania y declara que “el amor, el trabajo, la vida cotidiana y la muerte se funden en esta historia de una manera muy diferente. Es una película sobre la cercanía y la distancia, sobre la soledad y la presión de pareja, sobre los peligros de la intimidad y la tentación de las responsabilidades familiares. Gira en torno a los deseos, esperanzas, enigmas y contradicciones de tres personas de treinta y tantos años que han tenido que cuestionarse el supuesto «éxito» en sus vidas. ¿Qué significa hoy en día vivir «adecuadamente» en lo referente a lo social. emocional, político o personal?”. La película se presentó en la sección oficial del Festival de Cine de Venecia y consiguió los Premios del Cine Alemán a mejor director, montaje y actriz (Sophie Rois).

The French kissers, de Riad Sattouf

The French kissers, 2009, 90 min. (Francia)
Karma Films
[rating=0]

Dirección: Riad Sattouf
Intérpretes: Vincent Lacoste, Anthony Sonigo, Alice Trémolière, Julie Scheibling, Valeria Golino, Iréne Jacob

Hervé, 14 años, es un adolescente desbordado por sus impulsos, poco agraciado físicamente y medianamente listo que vive solo con su madre. En el colegio, va tirando, mal que bien, rodeado de sus buenos amigos. Salir con una chica, eso es lo que moviliza todo su pensamiento. Desgraciadamente en ese campo, acumula fracaso tras fracaso, aunque no pierde la esperanza. Un día, sin entender muy bien cómo, se entera de que Aurore, una de las chicas más guapas de su clase, está a por él… Está rodeado por una galería de personajes variopintos y que se las traen: Camel, fan del heavy habitado por fantasmas similares a los suyos, Benjamin y Meryl, adolescentes complejos y acomplejados, Loïc, Anas y Mohamed, típicos jóvenes machos dominantes, Mahmoude, la cabeza de turco, Mégane y Sadia, las chicas blandas que parecen vivir al ralentí, Aurora y Laura, las chicas guapas, que están aprendiendo a manejar el poder que ejercen sobre los chicos, y muchos más. Hervé trata de crecer en este pequeño mundo en perpetua mutación, este mundo de la adolescencia en donde aprendemos a dominar las emociones.

Primer largometraje de Riad Sattouf (París, 1978), quien ha publicado un gran número de álbumes de cómics y colabora con un varios periódicos y revistas. La película consiguió el César a la mejor ópera prima y se presentó en la Quincena de los Realizadores del Festival de Cine de Cannes y en el Festival de Cine de Gijón. Su título, Les beaux gosses, significa Los chicos guapos.

Papá, soy una zombi, de Ricardo Ramón y Joan Espinach

Papá, soy una zombi, 2012, 80 min. (España)
Barton Films
[rating=0]

Dirección: Ricardo Ramón y Joan Espinach

Cinco años después del traumático divorcio de sus padres, Dixie se ha convertido en una adolescente arisca, que quiere escapar del odioso mundo en que vive. En la escuela se ríen de ella por su actitud introvertida y su aspecto gótico, e incluso su mejor amiga le esquiva, para poder flirtear a escondidas con el chico que le gusta a Dixie. El padre de Dixie se lleva a su amada hija a la feria en un loable intento por alegrarle las penas, pero las cosas se tuercen de tal manera para Dixie que la niña ya no lo soporta más y acaba estallando. Queriéndose morir, la jovencita huye por el bosque bajo la tormenta. De pronto, un rayo impacta contra un árbol y este se le desploma encima. Al despertar, descubre que se encuentra enterrada dentro de la tumba de un cementerio y es… ¡una zombi!

Película de animación con la que debutan en la dirección de largometrajes Ricardo Ramón y Joan Espinach, quienes cuentan con una amplia experiencia en el mundo de la animación. La cinta consiguió el Premio del Público del Festival de Cine de Gijón donde se presentó dentro de la sección Enfants Terribles, y fue nominada alos Premios Goya a la Mejor Película de Animación. El proyecto llevó su tiempo ya que la primera versión de guión es del año 2006, y desde entonces se trabajaron sobre nuevas versiones del guion y con diseños de personajes y decorados.

Lo mejor de Eva, de Mariano Barroso

Lo mejor de Eva, 2012, 93 min. (España)
TriPictures
[rating=0]

Dirección: Mariano Barroso
Intérpretes: Leonor Watling, Miguel Ángel Silvestre, Nathalie Poza

Eva, una juez con mucho futuro, lleva años entregada exclusivamente a su profesión. Cree profundamente en la justicia y no está dispuesta a hacer concesiones, vengan de donde vengan. Un día le toca instruir el asesinato de una bailarina de striptease. Y ante ella aparece un testigo del caso, el novio de la víctima, Rocco, un gigoló solícito y amable que está dispuesto a ayudarla. A cambio, Eva tendrá que darle algunas claves de su propia identidad. Pero la vida íntima de Eva es un misterio, una caja fuerte que nadie sabe cómo abrir. Nadie excepto Rocco, un gigoló especializado en mujeres esquivas y solitarias.

Cinco años después de Hormigas en la boca, Mariano Baroso estrena Lo mejor de Eva, completando una filmografía poco prolífica que incluye títulos como Mi hermano del alma (1993), Éxtasis (1996), Los lobos de Washington (1999) o Kasbah (2000). La película está protagonizada por Leonor Watling y José Ángel Silvestre, quien sigue intentando superar el éxito y encasillamiento que le proporcionó la serie de televisión Sin tetas no hay paraíso, a pesar de que interpreta a un gigoló.

El invitado, de Daniel Espinosa

Safe house, 2012, 115 min. (USA)
Universal Pictures
[rating=0]

Dirección: Daniel Espinosa
Intérpretes: Denzel Washington, Ryan Reynolds, Brendan Gleeson, Robert Patrick, Sam Shepard, Liam Cunningham, Vera Farmiga

Denzel Washington interpreta al renegado más peligroso de la CIA, que vuelve a reaparecer en Sudáfrica después de diez años, asombrando a toda la comunidad del espionaje. Cuando unos mercenarios atacan el piso franco al que ha sido asignado, un agente novato (Ryan Reynolds) se ve obligado a ayudarle a escapar. El maestro de la manipulación juega con su joven protector, poniendo a prueba su moralidad y su idealismo. Pero no les queda más remedio que mantenerse con vida lo suficiente como para descubrir quién quiere verles muertos.

Cuarta película dirigida por el realizador sueco de origen chileno Daniel Espinosa (sus padres huyeron de Chile a Suecia en 1977 como refugiados políticos, el mismo año en el que él nació) tras The Babylon Disease (2004), Outside Love (2007) y la exitosa Dinero fácil (2010). El título de la película en su versión original es Safe House, que podría traducirse como “piso franco”.

 

Declaración de guerra, de Valérie Donzelli

La guerre est déclarée, 2011, 100 min. (Francia)
Golem
[rating=0]

Dirección: Valérie Donzelli
Intérpretes: Valérie Donzelli, Jérémie Elkaïm, César Dessix, Gabriel Elkaïm, Brigitte Sy, Elina Lowensohn, Michèle Moretti, Philippe Laudenbach, Bastien Bouillon

Una pareja, Roméo y Juliette. Un niño, Adam. Una lucha, la enfermedad. Y, sobre todo, una gran historia de amor, la suya. Así de simple es la sinopsis de esta película dirigida por Valérie Donzelli que se llevó tres premios en el Festival de Cine de Gijón 2011, incluido el de mejor película, además de los de interpretación femenina y masculina, y que se presentó en la Semana de la Crítica del Festival de Cine de Cannes. Protagonizada por la propia directora y por su pareja, Jérémie Elkaïm, la cinta es en cierta medida autobiográfica debido a que ambos tuvieron un hijo que enfermó gravemente, aunque no relata exactamente su propia historia. Es el segundo largo de Valérie Donzelli, tras La reine des pommes (2009) y hay que destacar que las escenas del Hospital están rodadas con una cámara fotográfica,  una Canon y con luz natural, con el objetivo de ser discretos y evitar que se pensase que se estaba rodando una película. Los únicos planos rodados en 35 mm son los del final porque son a cámara lenta y la cineasta quería que salieran bien, algo mucho más difícil de conseguir con una cámara fotográfica.