Categoría: Crónica

Oslo, 31 de agosto (Oslo, 31. august, 2011), supone la segunda película del director noruego Joachim Trier, ha participado en los festivales más prestigiosos incluyendo el Festival de Cannes, Toronto y Sundance. Hizo su debut con el film Reprise, que recibió numerosos premios internacionales incluyendo el Discovery Award en el Festival de Toronto. También fue nombrado por Variety como unos de los directores a seguir en el Festival de Sundance. En la película Anders pronto finalizará un tratamiento en un centro de desintoxicación. Como parte de su terapia, le autorizan a ir a la ciudad para asistir a una entrevista de trabajo. Aprovechando este permiso, se queda en la ciudad vagando y reuniéndose con gente que hacía tiempo que no veía. A sus 34 años, Anders es inteligente, guapo y de buena familia pero está profundamente perturbado por las oportunidades que ha desaprovechado y por las personas a las que ha decepcionado. Todavía es joven, pero siente que su vida ya ha terminado. El día se termina y se presenta una larga noche en la que los errores del pasado suscitarán la posibilidad del amor, de una nueva vida y de la esperanza de imaginar un porvenir a partir del día siguiente. Está interpretada por Anders Danielsen, que ya había trabajado con el director de en su anterior trabajo.

El lobo de Wall Street, de Martin Scorsese, no podrá verse en las salas de Cinesa, la principal compañía de exhibición cinematográfica del país, al no haber alcanzado un acuerdo con la distribuidora Universal en las condiciones económicas. La respuesta que está dando Cinesa a los espectadores a través de Twitter es que «las condiciones exigidas por la distribuidora nos resultaban inasumibles y no podremos estrenarla. Lamentamos las molestias«. El conflicto comenzó en realidad el pasado mes de octubre, cuando Cinesa, que cuenta con 509 pantallas en 42 cines y 20 millones de espectadores, decidió no programar la película de David Trueba Vivir es fácil con los ojos cerrados. La historia se repitió con las siguientes películas de Universal, todas excepto Futbolín: Plan en las Vegas, Bienvenidos al fin del mundo, La leyenda del samurai, 47 Ronin y A propósito de Llewyn Davis. En el caso de El lobo de Wall Street, Universal afirma que «la oferta está en línea con lo acordado en el pasado reciente» con la empresa exhibidora, que tiene su sede en Barcelona.

El director Martin Scorsese se asoma al abismo sumiéndose en el mundo de la variedad delictiva más contemporánea: las altas finanzas, en El lobo de Wall Street (The wolf of Wall Street, 2013). El resultado es un viaje épico al corazón de la embriaguez producida por la codicia, la adrenalina, el sexo, las drogas y la producción constante de dinero fácil. Basada en un hecho real, la película cuenta el inverosímil auge y la continua caída al reino del placer de Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio), el corredor de bolsa neoyorquino que, junto a sus alegres colegas, amasaron una descomunal fortuna estafando millones de dólares a inversores. La película sigue la alucinante transformación de Jordan Belfort, desde que era un hombre honrado recién llegado a Wall Street hasta convertirse en un auténtico forajido de las acciones. Después de amasar una enorme fortuna en un tiempo récord, Jordan se la gasta de la forma más absurda en mujeres, tranquilizantes, cocaína, coches, su esposa (una supermodelo) y un deseo ilimitado de poseerlo todo. Mientras su empresa, Stratton Oakmont, alcanza la cima y él se entrega a los placeres más hedonistas, la SEC (Comisión de Títulos y Bolsa) y el FBI se acercan a su imperio de excesos.

Los hermanos Aitor y Amaia Merino dirigen Asier y yo (Asier ETA biok, 2013), una película sobre la que uno de sus directores, Aitor, comenta que «Asier y yo crecimos juntos en las conflictivas calles del País Vasco de mediados de los ochenta. Después, tomamos caminos distintos. Yo me trasladé a vivir a Madrid para perseguir mi sueño de ser actor, mientras que Asier continuó en Pamplona realizando actividades de claro compromiso político. En marzo de 2002, Asier desapareció; se había integrado en ETA. Tras ser detenido, pasó los siguientes ocho años en prisión. Durante todo ese tiempo, a mis amigos de Madrid les hablaba mucho de Asier, de lo especial que era para mí nuestra amistad. Pero inevitablemente, la convesación derivaba en preguntas para las que yo no encontraba respuesta: ¿Cómo hacerles entender mi amistad con un militante de ETA? ¿Cómo hacerles entender qué pudo llevarle a tomar una decisión que a mí mismo me costaba asimilar? En cuanto Asier salió de prisión, tomé una cámara con el objetivo de hacer una película en la que trataría de responder a esas preguntas, y de paso, por qué no, acercar posturas. Sin embargo, mi plan no resultaría tan sencillo como yo esperaba…».

Casanova conoce a un nuevo sirviente que será testigo de los últimos momentos de su vida. De los ambientes galantes, libertinos del siglo dieciocho, en un castillo suizo a los últimos días en pobres y sombrías tierras septentrionales. Allí su visión racionalista, y su mundo de ligereza y mundanidad sucumbirá ante una fuerza nueva, violenta, esotérica y romántica representada por Drácula y su poder eterno. Historia de mi muerte (Història de la meva mort, 2013) obtuvo el premio a la mejor película en el Festival de Cine de Locarno.

Albert Serra (Girona, 1975) es un director y productor de cine cuyo primer largometraje fue Crespià, the film not the village (2003), que no llegó a estrenarse comercialmente. Honor de cavalleria (2006), su segunda película, se presentó en el Festival Internacional de Cine de Cannes de 2006. En el 2008 volvería a Cannes para presentar El Cant dels Ocells su tercera película.

Casi tres décadas después del estreno de la mítica Shoah, Claude Lanzmann recupera una serie de entrevistas con Benjamin Murmelstein, el último presidente del Consejo Judío del campo de concentración de Theresienstadt y único superviviente de aquellos que ocuparon este cargo. Las entrevistas se grabaron en Roma durante 1975 y quedaron fuera del montaje de Shoah. En El último de los injustos (Le dernier des injustes, 2013) el director se introduce en los escenarios reales en los que se desarrollaron los acontecimientos, haciendo especial hincapié en el campo de Theresienstadt, considerado un «campo modelo» para enmascarar la imagen de uno de los hechos más abyectos de la historia del siglo XX. A través de las entrevistas descubrimos la extraordinaria personalidad de Murmelstein: dotado de una inteligencia deslumbrante y gran valor, que, junto con una memoria incomparable, lo convierten en un narrador irónico, sarcástico y auténtico.

Claude Lanzmann (París, 1925) fue uno de los organizadores de la resistencia en el Instituto Blaise Pascal de Clermont-Ferrand en 1943. Participó en el movimiento urbano de la resistencia y después luchó con los maquis en los alrededores de Auvernia. En 1952, en su estancia en la Universidad de Berlín como profesor adjunto durante el bloqueo de Berlín, conoció a Jean-Paul Sartre y a Simone de Beauvoir, con los que inició una amistad. Desde entonces, ha contribuido periódicamente en la revista Les Temps Modernes, de la que actualmente es director. Hasta 1970 sus actividades estaban divididas entre una firme lealtad hacia Israel, que visitó por primera vez en 1952, y mantenerse fiel a sus convicciones anticolonialistas. Signatario del Manifiesto de los 121, que denunciaba la represión de Argelia y apelaba a la objeción de conciencia, fue uno de los diez acusados. Entonces publicó una edición especial de Les Temps Modernes dedicada al conflicto árabe-israelí, en el que por primera vez los árabes y los israelíes presentaban conjuntamente sus razonamientos. Desde 1970, Claude Lanzmann ha trabajado exclusivamente en cine. Ha dirigido la película Israel, Why, cuya intención parcial era dar una respuesta a sus antiguos compañeros anticolonialistas, quienes se negaban a comprender que haber querido la independencia de Argelia no estaba reñido con querer la supervivencia de Israel. Se estrenó en el Festival de Nueva York el 7 de octubre de 1973, unas horas después del comienzo de la Guerra de Yom Kippur. Claude Lanzmann empezó a trabajar en Shoah en el verano de 1974 y la realización de esta película le supuso una ocupación a jornada completa durante 12 años. Tras su emisión mundial en 1985, la película fue considerada un evento muy importante tanto histórica como cinematográficamente. Desde entonces, Shoah ha tenido sólidas repercusiones. Después de Israel, Why y Shoah salió una película sobre las Fuerzas de Defensa de Israel, Tsahal, que trataba del miedo y de la conquista del valor, de las armas, de la reapropiación judía por la fuerza y la violencia. Era la última parte de la trilogía en la que Claude Lanzmann llevaba años trabajando. A Visitor from the Living (1997), su cuarta película, estaba basada en una entrevista que Maurice Rossel le concedió en 1979 durante el rodaje de Shoah. Constituye un documento único en los anales de la Segunda Guerra Mundial. El delegado berlinés del Comité Internacional de la Cruz Roja de 1942, Maurice Rossel, fue el único miembro de la organización que visitó Auschwitz en 1943. También inspeccionó el «gueto modelo» de Theresienstadt en junio de 1944. Sobibor, October 14, 1943, 4 p.m., la quinta película de Lanzmann, formó parte de la Sección Oficial del Festival de Cannes en 2001 (fuera de competición).

Agosto (August: Osage County, 2013), de John Wells narra la turbadora, pero también divertida y emotiva historia de las temperamentales mujeres de la familia Weston, cuyas vidas toman caminos separados hasta que una crisis familiar las vuelve a reunir en la casa del Medio Oeste americano donde crecieron y con la inestable mujer que las crió. La película se basa en la obra teatral de Tracy Letts Agosto: Condado de Osage, que debutó en Broadway en diciembre de 2007 tras presentarse en el legendario Steppenwolf Theatre de Chicago ese mismo año. Resultó ganadora de un premio Pulitzer y cinco premios Tony en 2008, incluido el premio a la mejor obra, y se estrenó con gran éxito en numerosas ciudades del mundo, entre ellas Madrid y Barcelona. Amparo Baró, Carmen Machi y Alicia Borrachero interpretaron los papeles principales bajo la dirección de Gerardo Vera en el Teatro Valle-Inclán. La cinta está interpretada por un reparto de lujo que incluye a Meryl Streep, Julia Roberts, Ewan McGregor, Chris Cooper, Abigail Breslin, Benedict Cumberbatch, Juliette Lewis, Margo Martindale, Dermot Mulroney, Julianne Nicholson, Sam Shepard y Misty Upham.

John Wells (Virginia, USA, 1957) es uno de los guionistas, directores y productores más prolíficos de la televisión, el cine y el teatro. A lo largo de las últimas dos décadas, ha sido el motor creativo de algunas de las series de mayor éxito de la televisión estadounidense, como Urgencias, El ala oeste de la Casa Blanca y Turno de guardia. Antes de Agosto, Wells escribió y dirigió The Company Men, película estrenada en 2011 y protagonizada por Ben Affleck, Kevin Costner, Tommy Lee Jones y Chris Cooper. Nacido en Alexandria (Virginia) y criado en Denver (Colorado), Wells estudió Bellas Artes en la Universidad Carnegie-Mellon de Pittsburgh, y seguidamente obtuvo la maestría en Cine y Televisión en la Universidad del Sur de California, donde actualmente ocupa un puesto en el Consejo Asesor Ejecutivo de Televisión.

The grandmaster (Yi dai zong shi, 2013) es la esperada película del aclamado director Wong Kar Wai. Fueron necesarios seis años de planificación y tres años de producción para llevar a buen puerto esta épica historia inspirada en la vida y la época de Ip Man, el legendario maestro de Kung Fu. El relato transcurre en el tumultuoso periodo republicano, inmediatamente después de la caída del último emperador, cuando el país se sumió en el caos y la guerra. La edad de oro de las artes marciales chinas. Rodada en espectaculares localizaciones, desde los paisajes nevados del noreste de China, al sur subtropical, Wong Kar Wai ha realizado una película de Kung Fu como no se ha visto antes. Para asegurarse de que la cinta retratase las artes marciales chinas y el mundo de los maestros con una autenticidad sin precedentes, el cineasta se documentó durante años y se rodeó de un auténtico batallón de instructores durante el rodaje, como el conocido coreógrafo de acción Yuen Wo Ping (Matrix, Kill Bill, Tigre y dragón), que diseñó las escenas de combate. Las tres superestrellas internacionales que protagonizan la película, Tony Leung, Ziyi Zhang y Chang Chen, aceptaron trabajar con maestros de Kung Fu durante varios años para interpretar sus papeles. Inauguró la Berlinale 2013, fuera de competición.

Wong Kar Wai (Shanghái, China, 1956) se trasladó a Hong Kong a los cinco años con sus padres. Empezó trabajando como guionista y en 1988 dirigió su primera película, As tears go by (El fluir de las lágrimas), invitada a la Semana de la Crítica de Cannes. Su segundo largometraje, Días salvajes, ganó cinco premios en el Festival de Hong Kong, entre ellos los de Mejor Director y Mejor Película. Fundó la productora Jet Tone en 1992 y durante los dos años siguientes preparó y rodó Este crontraveneno del Oeste. Chungking express, rodada muy rápidamente durante una pausa en la posproducción de su película anterior, que fue su primer éxito mundial. A continuación realizó la segunda parte del díptico, Fallen angels (Ángeles caídos). En 1997 se trasladó a Argentina para rodar Happy together, premiada en Cannes con el galardón al Mejor Director. A partir de entonces, todas sus películas se han estrenado en el festival francés, Deseando amar, por la que Tony Leung ganó el Premio al Mejor Actor, en 2000; el largometraje 2046, en 2004, así como su primera película rodada en inglés, My blueberry nights, en 2007. Fue presidente del jurado en Cannes 2006. También ha realizado numerosos cortos, entre los que destacaremos Six days, para el músico DJ Shadow; The Follow, con Clive Owen y There’s Only One Sun. En 2004 dirigió el episodio The Hand de la película Eros. En 2007 dirigió el corto I Traveled 9000 km to Give It to You, para el proyecto de Gilles Jacob, Chacun son cinéma, estrenado en Cannes.

Hua, una joven profesora de Beijing acaba de llegar a París. Exiliada en una ciudad desconocida, pasa el tiempo entre su pequeño apartamento y la Universidad, mientras se debate a la deriva entre antiguos amantes y sus nuevas conquistas francesas. Conoce entonces a Matthieu, un joven trabajador que se enamora locamente de ella. Poseído por un insaciable deseo por su cuerpo, él trata a Hua como a un perro. Comienza entonces una intensa historia marcada por los apasionados abrazos de Matthieu y su violento abuso verbal. Cuando Hua decide dejarle, descubre la fuerza de su adicción, y el vital papel que él ha venido a jugar en su vida como mujer. Presentada en el Festival de Cine de Venecia 2011 dentro de la sección Venice Days, Love and Bruises (2011), se basa en una novela de autobiográfica de Jie Liu-Falin y está protagonizada por Tahar Rahim (Un profeta)  y la modelo Jalil Lespert.

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Llewyn Davis (Oscar Isaac) ha llegado a una encrucijada. Se enfrenta a un despiadado invierno neoyorquino con la guitarra a cuestas para abrirse camino como músico mientras intenta superar tremendos obstáculos, algunos creados por él mismo. Sobreviviendo gracias a la generosidad de amigos y extraños, y trabajando donde puede, las desventuras de Llewyn le llevan desde los cafés del Village hasta un club vacío en Chicago – en una odisea con la esperanza de realizar una prueba para el magnate de la música Bud Grossman – y de vuelta. Rebosante de música interpretada por Oscar Isaac, Justin Timberlake y Carey Mulligan (en el papel de los amigos casados de Llewyn y afincados en el Village), así como por Marcus Mumford y Punch Brothers, A propósito de Llewyn Davis (Inside Llewyn Davis, 2013) – en la tradición de O Brother – nos lleva a la música de otros tiempos. Épica a escala intimista, la película es la cuarta colaboración de los hermanos Coen con el productor musical T Bone Burnett, galardonado por los Grammy y los Oscar.

La película Ida, del director polaco Pawel Pawlikowski, una historia en blanco y negro sobre la vida de una novicia católica que descubre sus raíces judías, triunfa en la 51 edición del Festival de Cine de Gijón al ganar cinco premios del certamen, entre ellos el de mejor largometraje. La cinta logra además el premio del jurado joven, el Gil Parrondo a la mejor dirección artística y el de mejor guión, mientras que su protagonista, Agata Trzebuchowska, logra el galardón a la mejor actriz. El premio especial del jurado, presidido por Patrice Leconte, reconoce a Los extraños peces gato, de la directora mexicana Claudia Sainte-Luce.

Los grupos de exhibición Cinesa y Yelmo Cines han obtenido datos positivos después de poner en marcha una iniciativa por la cual las entradas de cine, entre el lunes y el miércoles de esta semana, costaban 3,50 euros. La afluencia de espectadores en las salas de Cinesa se multiplicó por cuatro y fue de 191.976 personas, frente a las 43.341 que se registraron, a precio normal, en el mismo periodo de la semana anterior, según datos de Cinesa, uno de los principales grupos de exhibición de España, con 42 salas (509 pantallas) y unos 20 millones de espectadores. Yelmo Cines ha registrado también un incremento en la cantidad de espectadores, que en este caso ha ascendido a 112.021 personas, lo que supone un 162,33 % más de asistentes a las salas de cine que en la semana anterior, según sus datos. Además, respecto a la recaudación, la cadena de cines ha visto cómo las cifras de la taquilla han ascendido hasta un 114 % -como ocurrió el martes- en comparación con la semana pasada.

Invierno de 1915. Crónica de la vida de Camille Claudel, internada por su familia en un sanatorio en el sur de Francia, a la espera de la visita de su hermano, Paul Claudel. No volverá a esculpir a pesar de haber hecho excelentes obras de arte. Protagonizada por Juliette Binoche, Camille Claudel, 1915 (2013), de Bruno Dumont está libremente inspirada en la correspondencia y la obra de Paul Claudel y en las cartas e informes médicos de Camille Claudel. Dumont, nacido en marzo de 1958, fue profesor de filosofía antes de dedicarse al cine. Premiado varias veces en Cannes y en otros festivales de cine, sus películas a menudo muestran la fealdad de la violencia extrema. No escribe guiones tradicionales para sus películas. Habituado a castings anónimos, es la primera vez que Bruno Dumont trabaja con una estrella, ofreciendo a Juliette Binoche el papel, quizás, más conmovedor de su carrera. Su filmografía incluye Hors Satan (2011), Hadewijch (2009), Flandres (2006), Twenty Nine Palms (2003), L’Humanité (1999) y La Vie de Jésus (1997).

Heli (2013) es el tercer largo de Amat Escalante después de los proyectos Sangre y Los Bastardos, que obtuvo el Premio a Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes. Cuenta la historia de un remoto pueblo donde la población se encuentra dividida con dos únicas posibilidades para ganarse la vida: trabajar en una ensambladora de automóviles en un puesto mediocre en el que no podrán aspirar a mucho más, o trabajar para el cártel de drogas de la región. Una elección complicada entre la seguridad sin pretensiones, y vivir de forma holgada sabiendo que en cualquier momento todo puede acabar. Una mirada que acerca una realidad que se vive en el día a día de miles de familias en el país azteca. Amat Escalante es un cineasta autodidacta procedente de la ciudad de Guanajuato (Méjico), que comenzó a trabajar en el cine a la edad de quince años. Tras realizar dos cortometrajes, escribió y realizó su primer film, Sangre, rodado en su ciudad natal, que presentó en la Selección Oficial Un Certain Regard del Festival de Cannes en 2005, lo que le mereció el Premio FIPRESCI de la crítica internacional. Tres años más tarde, Escalante filmó su segundo largometraje, Los bastardos, que vuelve a presentar en la Selección Oficial Un Certain Regard.

Una familia de Tokio (Tokyo kazoku, 2013), de Yôji Yamada, que ganó la Espiga de Oro en el Festival de Cine de Valladolid, es un homenaje a Cuentos de Tokio, de Yasujiro Ozu y celebra el cincuenta aniversario de Yamada como director. Tras el enorme éxito de la «trilogía del samurái» (compuesta por El ocaso del samurái, The Hidden Blade y Love and Honor), su conmovedor drama Kabei: Our Mother y su reciente trabajo About Her Brother, cintas todas ellas presentadas en el Festival de Cine de Berlín y ganadoras de numerosos premios, el legendario director Yoji Yamada presenta su última película, que está concebida como homenaje a la película más célebre de Ozu, quien fue mentor de Yamada en los legendarios estudios Shochiku en Ofuna. Un anciano matrimonio, formado por Shukichi Hirayama (Isao Hashizume) y Tomiko (Kazuko Yoshiyuki), viaja a Tokio desde su hogar en una pequeña isla en Hiroshima para visitar a sus tres hijos. El primogénito, Koichi (Masahiko Nishimura), dirige un hospital. La hija mediana, Shigeko (Tomoko Nakajima) lleva un salón de belleza. El hijo menor, Shuji (Satoshi Tsumabuki), es escenógrafo. Aunque los tres quieren que sus padres tengan una estancia agradable en Tokio, todos ellos están ocupados con sus trabajos, y los ancianos no se sienten a gusto en la capital. Un día, Tomiko visita el piso de Shuji, donde se lleva la agradable sorpresa de conocer a Noriko, la novia de su hijo. Pero, poco después, Tomiko se desploma en casa de Koichi, lo que causa una conmoción en la familia…

Después de Elisa K ,codirigida con Judith Colell, Jordi Cadena adapta de nuevo un texto de Lolita Bosch, La Por (El Miedo) (2013). En este caso, una novela juvenil llamada M, que reflexiona sobre la violencia de género. En la cinta Manuel tiene dieciséis años y nunca habla con nadie de lo que pasa en su familia. Nunca habla de que, por las mañanas, cuando su padre se levanta, él ya está despierto. Nunca habla de los morados que su madre tiene en diferentes partes del cuerpo. Ni tampoco habla del miedo que él, su madre y su hermana pequeña sienten cuando están en casa con su padre. Por eso a Manuel le gusta ir al instituto, porque mientras está allí no está en casa. Hoy el profesor les explica qué es la herencia genética y Manuel no puede dejar de pensar en eso durante todo el día: ¿Seré como mi padre? Entonces Manuel toma una decisión: buscar trabajo para sacar del infierno en el que viven a su madre y a su hermana, aunque eso le suponga separarse de su novia, dejar el baloncesto y apuntarse al bachillerato nocturno. Es la decisión más importante que ha tomado nunca. Es una decisión adulta.

Oscar y su familia dejan los campos de arroz del Norte de Filipinas para mudarse a la asfixiante ciudad de Manila. Allí, Oscar cree tener un golpe de suerte cuando le ofrecen un trabajo estable en una compañía de camiones blindados, pero se trata de un trabajo peligroso con un alto índice de mortalidad. Consiguió el premio del público en el Festival de Cine de Sundance. Todo empezó con una pelea. El director Sean Ellis estaba visitando a un amigo en Manila cuando presenció una imagen que le impactó. Dos empleados de una compañía de furgones blindados discutían violentamente. Llevaban armas M16, cascos Kevlar y chalecos antibalas y estaban gritándose frente al furgón. La cosa terminó cuando uno de los dos le dio una patada al vehículo y, acto seguido, ambos subieron de mala gana y se alejaron. Esa escena fue suficiente para estimular la imaginación del guionista y director Sean Ellis. Así ,18 meses más tarde, con una sinopsis de 20 páginas con un claro planteamiento, nudo y desenlace, Sean Ellis tomó un vuelo a Los Ángeles para reunirse con su amigo el guionista Frank E Flowers. Durante dos semanas ambos trabajaron sin descanso en un guión que diera cuerpo a la historia y se convirtiera en la base del filme. Ellis nació en 1970 en Brighton (Reino Unido), y en la segunda mitad de los 90 trabajó como fotógrafo de moda en revistas como iD, The Face, Visionaire, Dazed & Confused o las ediciones de Vogue en Francia, Japón y Estados Unidos. Entró en contacto con el audiovisual dirigiendo aclamados videoclips musicales y posteriormente anuncios para firmas como Jean-Paul Gaultier, 02, Land Rover o Rimmel. En su libro 365, A Year in Fashion recoge fotografías personales y comerciales tomadas durante 1999. Sean Ellis también ha colaborado con David Lynch en una serie de fotografías que fue publicada en Harper’s Bazaar.

El Festival Internacional de Cine Documental y Cortometraje de Bilbao (ZINEBI) rinden homenaje al cineasta cántabro Paulino Viota (Santander, 1948) en un acto al que asisten el cineasta Víctor Erice, el crítico Miguel Marías y el musicógrafo José Luis Téllez. El homenaje sirve también para presentar la edición en DVD de la filmografía completa del autor mediante un cofre que, bajo el título «Paulina Viota. Obras 1966-1982«, guarda todos sus trabajos cinematográficos. El cofre incluye piezas cortas rodadas en Super 8 y 16 milímetros, así como los mediometrajes y largos del director. En total nueve títulos: Las ferias (1966), José Luis (1967), Tiempo de busca (1967), Fin de un invierno (1968), Duración (1970), Contactos (1970), Jaula de todos (1971), Con uñas y dientes (1978) y Cuerpo a cuerpo (1982).

El montaje de cuatro horas de Nymphomaniac aprobado por el director danés Lars Von Trier se proyectará en las salas dividido en dos partes de dos horas cada una que se estrenarán con un mes de diferencia. Tras el revuelo generado a raíz de las declaraciones de uno de los productores, Golem Distribución, que llevará la película a las salas de cine españoles, confirma que finalmente se estrenará una única versión internacional aprobada por el director, en dos partes de dos horas de duración. La primera parte llegará en forma de gran estreno mundial el próximo miércoles 25 de diciembre. La segunda parte se podrá ver en cines un mes más tarde, el viernes 24 de enero.

Barcelona cuenta a partir de hoy con una nueva y pequeña sala de cine, Zumzeig, en la que se proyectarán películas de autor como L’encerclement. La democracia en las redes del neoliberalismo, de Richard Brouillette, y L’age atomique, de Hélena Klotz, estrenos en España. El artífice de este proyecto, Esteban Bernatas, señala que el nuevo espacio debe ser punto de encuentro de cinéfilos y personas que disfruten de la experiencia cinematográfica. La sala, de setenta plazas y ubicada en pleno barrio de Hostafrancs, proyectará cine de autor europeo, cine independiente norteamericano, documentales, obras audiovisuales de artistas visuales o mediometrajes. Zumzeig Cinema, con un pequeño bar, está concebido «como un lugar de cultura y contracultura, de posición y de margen, de actualidad y de memoria«, según sus creadores. La idea es exhibir una media de cinco películas semanales, repartidas en una veintena de pases, con unas prestaciones acústicas y de sonido de calidad, y tres proyectores, uno digital, otro de 35mm y otro de 16mm.

Paulina García, ganadora del Oso de Plata a la mejor actriz en el Festival de Cine de Berlín por este trabajo, interpreta a Gloria, una mujer de 58 años que está sola en la vida. Para compensar el vacío, llena sus días de actividades y por las noches busca el amor en el mundo de las fiestas para solteros adultos, donde solo consigue perderse en una serie de aventuras sin sentido. Esta frágil felicidad en la que vive se altera cuando conoce a Rodolfo, un hombre de 65 años, recientemente separado, que se obsesiona con ella. Gloria comienza un romance, pero éste se complica por la enfermiza dependencia de Rodolfo hacia sus hijos y su ex mujer. Esta relación, a la que Gloria se entrega porque intuye que podría ser la última, acabará por hacerla estrellarse contra la cruel realidad del mundo. Gloria deberá reconstruirse para enfrentar con nuevas fuerzas su definitiva entrada a la vejez. Gloria (2013) está dirigida por Sebastián Lelio (Ciudad de Mendoza, Argentina, 1974), quien ha dirigido diversos cortometrajes, videos musicales y películas de ficción. En el 2003 estrenó Cero, un documental basado en material inédito de la caída de las Torres Gemelas, en codirección con Carlos Fuentes. Dirigió también dos temporadas de la exitosa serie documental Mi mundo privado, junto a Fernando Lavanderos, nominada a los premios Emmy. Su primer largometraje se estrenó en 2005, en San Sebastián, La sagrada familia. Rodada en tres días y editada durante casi un año, este filme participó en más de cien festivales y recibió veinticho premios nacionales e internacionales. Después de ese primer éxito, vino Navidad (2009). Escrita en La Résidence del Festival de Cine de Cannes, la cinta fue estrenada en la Quincena de Realizadores de ese mismo año. El año del tigre, su tercer largometraje, fue estrenado en el Festival de Cine de Locarno de 2011. La consagración definitiva le ha llegado con Gloria, que obtuvo el premio Cine en Construcción del Festival de Cine de San Sebastián de 2012 y fue estrenado en el Festival de Cine de Berlín.

Sandra Bullock y George Clooney protagonizan Gravity (2013), un thriller dirigido por Alfonso Cuarón en el que Bullock interpreta a una brillante ingeniera especializada en medicina en su primera misión en un transbordador, con el veterano astronauta que encarna Clooney, al mando de su último vuelo antes de retirarse. Pero en un paseo espacial aparentemente de rutina se desencadena el desastre. El transbordador queda destruido, dejando a ambos completamente solos, unidos el uno al otro y dando vueltas en la oscuridad. El terrible silencio les indica que han perdido cualquier vínculo con la Tierra… y cualquier posibilidad de rescate. A medida que el miedo se va convirtiendo en pánico, cada bocanada de aire consume el poco oxígeno que queda. Pero el único camino a casa solo puede encontrarse adentrándose más y más en la aterradora extensión del espacio. Gravity fue coescrita por Alfonso Cuarón y su hijo, Jonás, en la que es su primera colaboración oficial. «Me entusiasmaron las ideas de Jonás para la película«, dice Alfonso. «Estaba muy intrigado con su sentido del ritmo en una situación de vida o muerte que trataba principalmente el punto de vista de un solo personaje. Pero, al mismo tiempo, situar la historia en el espacio la hacía inmediatamente más amplia y ofrecía inmensas posibilidades metafóricas«. Jonás Cuarón añade: «El concepto de espacio nos interesaba a ambos; es un escenario donde no hay una manera fácil de sobrevivir, a miles de kilómetros de lo que llamamos hogar, así que era perfecto para una película sobre superar las adversidades y sobre tener que encontrar el camino de vuelta a casa. También queríamos que fuera una historia realista, lo que requería que investigáramos ampliamente para familiarizarnos con la exploración espacial de cara a pintar un escenario verosímil«. La filmografía de Alfonso Cuarón se completa con Sólo con tu pareja (1991), La princesita (1995), Grandes esperanzas (1998), Y tu mamá también (2001), Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004), Paris, je t’aime (2005) (segmento «Parc Monceau«) e Hijos de los hombres (2006).

Ana tiene 28 años. Se siente útil y satisfecha en su trabajo rutinario ayudando a otros. Sin embargo, fuera de su jornada laboral, Ana tiene serios problemas para relacionarse. Es socialmente torpe e incluso agresiva con las personas más cercanas y queridas. Ana no puede controlar este comportamiento ni sus emociones, por las que sufre y se atormenta, sintiéndose culpable. En el fondo sólo querría estar bien consigo misma y con los demás: ser feliz. Sin embargo, su conducta autodestructiva y autolesiva no hace sino aislarla aún más. Ana padece lo que los psiquiatras llaman Trastorno Límite de la Personalidad o síndrome borderline. Pero ella no lo sabe. Ganadora del Premio especial del jurado y Concha de Plata a la mejor actriz para Marian Álvarez en el Festival de Cine de San Sebastián, La herida (2013) está dirigida por Fernando Franco, quien se enfrenta a su primer largo tras más de una década trabajando de montador de largometrajes, con un guión fruto de la colaboración con Enric Rufas, reputado dramaturgo y guionista habitual de Jaime Rosales. La película trata un tema de interés social que prácticamente es invisible para el ciudadano común. Habla de un mal que afecta a gran cantidad de individuos (un 2% de la población joven) y a sus familias que, a causa de una profunda desinformación al respecto, son incapaces de identificar el problema y sus raíces.

Los madrileños cines Renoir Cuatro Caminos, pertenecientes a Alta Films, cierran su puestas. Hoy será el último día en el que se podrán ver películas en estas salas, por lo que los cines Renoir en Madrid se reducirán a los Princesa, Plaza de España y Retiro. Alta Films cesó su actividad cinematográfica a mediados del pasado mes de mayo, y la empresa se quedó reducida a la explotación de las salas de Madrid y las de los Renoir Floridablanca de Barcelona, en manos de un par de gestores. Un mes antes, Enrique González Macho, Presidente de la Academia del Cine Español, había hecho públicas sus dificultades económicas para seguir adelante con la empresa. El grupo llegó a contar con 200 salas de cine en toda España.

La película Pelo malo de la cineasta venezolana Mariana Rondón consigue la Concha de Oro del 61 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, que entrega el presidente del jurado de esta edición, el director Todd Haynes, quien explica que la decisión ha sido unánime. La Concha de Plata al Mejor Director ha recaído en el mexicano Fernando Eimbcke por Club Sándwich, mientras que la de Plata a la Mejor Actriz es para Marian Álvarez por su papel en La herida, película de Fernando Franco que también recibe el Premio Especial del Jurado, y la de Plata al Mejor Actor para Jim Broadbent por su interpretación en Le week-end, de Roger Michell. El Premio al Mejor Guión es otorgado a los franceses Bertrand Tavernier, Antonin Baudry y Christopher Blain por Quai d’Orsay , que también obtiene el premio de la FIPRESCI, y Pau Esteve Birba recibe el galardón de la mejor fotografía por Caníbal, de Manuel Martín Cuenca.

Concluyen las proyecciones a concurso de la sección oficial de la presente edición del Festival de Cine de San Sebastián con la proyección de La herida, del montador sevillano Fernando Franco, un retrato descarnado sobre una mujer con trastorno límite de la personalidad que le produce una enorme infelicidad. Aunque el proyecto comenzó como idea para un documental, el resultado es un recorrido por solo un trozo de la vida de Ana, una enferma que no sabe que lo es. Protagonizada por Marian Álvarez, dirige Fernando Franco (Sevilla, 1976), y es su primer largometraje tras años como montador de títulos como Blancanieves, de Pablo Berger, o No tengas miedo, de Montxo Armendáriz.

La Espuma de los Días (L’écume des jours, 2013) es la poética y surrealista historia de Colin (Romain Duris), un joven idea lista e imaginativo, y Chloé (Audrey Tautou), una chica que parece ser la personificación de la letra de la canción “Mood Indigo” de Duke Ellington hecha realidad. Su idílico matrimonio sufre un revés cuando Chloé cae enferma por un nenúfar que empieza a crecer en su corazón. Para pagar sus facturas médicas en este París de fantasía, Colin debe emprender una serie de trabajos a cada cual más rocambolesco, mientras que alrededor de ambos, su apartamento va desintegrándose, y sus amigos –entre ellos, el talentoso Nicolás, y Chick, gran fan del filósofo Jean-Sol Partre– comienzan a desaparecer. Adaptación cinematográfica de la novela de Boris Vian, dirige Michel Gondry (Versalles, Francia, 1963) tras Human nature (2001), ¡Olvídate de mí! (2004) y La ciencia del sueño (2007), El Avispon Verde (2011) y The We And The I (2012). Gondry comenzó como realizador de video-clips de artistas como Björk, Rolling Stones, White Stripes, Chemical Brothers, Foo Fighters, Kylie Minogue, Massive Attack, Cibo Matto o Radiohead, y en publicidad destacan sus trabajos Drugstore, Mermaids y Bellybuttons, para Levi’s o Smarienburg para Smirnoff. En 2003 se publicó The work of director Michel Gondry, un DVD que recopila sus trabajos, además de un libro con dibujos, entrevistas y fotografías.

La realizadora bosnia Jasmila Zbanic y el egipcio de origen armenio afincado en Canadá Atom Egoyan protagonizan la penúltima jornada de competición del Festival de Cine de San Sebastián. En For Those Who Can Tell no Tales, la nueva película de la directora bosnia, ganadora de un Oso de Oro en Berlín con Grbaviva, se enfrenta a las violaciones como arma de guerra desde el punto de vista de una turista australiana que protagonizó esos hechos en la vida real. La cinta recupera para la memoria colectiva la violación y asesinato de 200 mujeres musulmanas en la ciudad bosnia de Visegrado, donde se sumaron 3.000 víctimas durante la contienda. Atom Egoyan, por su parte, presenta Condenados, donde recrea un suceso ocurrido en 1994 en un pequeño pueblo del sur de Estados Unidos cuando aparecieron los cadáveres torturados de tres niños de ocho años en un lago y se acusó a otros tantos adolescentes, declarados seguidores de ritos satánicos, en un juicio sin pruebas. Egoyan asegura que la cinta no «juzga» lo que pasó. Como dramaturgo «lo puedo exponer«, dice, y dirigir a los actores para crear un equilibrio emocional y «dar una perspectiva más objetiva, paradójicamente, porque los actores son más naturales que las personas reales«. Así mismo el actor, cantante, bailarín y «showman» australiano Hugh Jackman recibe el Premio Donostia, con el que el Festival le reconoce una carrera «versátil, brillante e imparable«, y asegura que siempre recordará esta noche: «Nunca olvidaré esta ciudad» y dedica el premio al equipo de Prisioneros, su última película, dirigida por el canadiense Denis Villeneuve, que presenta en el festival y que se proyecta a continuación de la gala.

La Confederación de Productores Audiovisuales Españoles (FAPAE) presenta la memoria correspondiente al último año cinematográfico en el marco del Festival de Cine de San Sebastián. El presidente de FAPAE, Joxé Portela, acompañado del presidente de la Asociación Estatal de Cine (AEC), José Antonio Félez, y del presidente de RTVE, Leopoldo González-Echenique, y del director de TVE, Ignacio Corrales, hace públicos datos de la taquilla en España, facilitados por Rentrak, según los cuales a fecha 22 de septiembre, la recaudación de las salas de cine en España en general ha descendido un 13,5 por ciento, casi un 20 por ciento en el caso del cine español con 40,7 millones de euros de taquilla frente a los 47,6 millones de 2012. Los espectadores han caído un 15,8 por ciento, también casi un 20 por ciento en el caso de los de películas españolas con un total de 5,9 millones de espectadores frente a los 7,3 de 2012. La cuota de mercado por recaudación del cine español asciende a 11,3 por ciento, porcentaje similar al del pasado año, y hasta este mes se han estrenado 61 películas españolas (24% menos que en 2012), diez de las cuales superan el millón de euros de recaudación. En cuanto a los rodajes, Félez indica que hasta el pasado día 15 se han notificado el inicio de 92 de largometrajes, lo que supone un descenso del 28,7 por ciento con respecto al ejercicio anterior cuando se contabilizaron 129, de los cuales 65 son películas de ficción, una de animación y 26 documentales.

A pesar de que los protagonistas de la película, Nicole Kidman y Colin Firth, no estarán en Donostia, genera expectación la proyección de Un largo viaje, de Jonathan Teplitzky, arrebantando el protagonismo a Fernando Eimbcke y su Club Sándwich. Ésta última cuenta la estrecha relación entre Paloma y Víctor, su hijo de 15 años, y los cambios que se darán en ese vínculo especial cuando él comienza a descubrir el amor y el sexo. En cuanto a la película de Teplitzky, se basa en la historia real de Eric Lomax, un oficial británico fascinado desde su infancia por los ferrocarriles y que durante la Segunda Guerra Mundial fue capturado por los japoneses y enviado a un campo de trabajo en la línea férrea entre Birmania y Tailandia. Así mismo, la película La Salada, del argentino Juan Martín Hsu, obtiene el premio de la industria Cine en Construcción a proyectos rodados pero no terminados, que consiste en que una serie de empresas –Daniel Goldstein, Deluxe-Spain, Dolby, Laserfilm, Nephilim producciones, No Problem Sonido y Vértigo Films– garantizan la postproducción y la distribución de la película en España. La Salada, primer largometraje de Martín Hsu, es un mosaico sobre la inmigración en Argentina a través de tres historias que ocurren durante una feria: un padre y su hija coreana que se preparan para un casamiento concertado, un boliviano recién llegado al país y un vendedor de DVD taiwanés que busca novia.

15 años y un día, la última cinta de la directora y guionista Gracia Querejeta, será la candidata española al Oscar a mejor película en lengua extranjera. La película, que narra la relación entre un adolescente conflictivo y su abuelo -un ex militar-, ganó el pasado abril el primer premio del Festival de Cine de Málaga. La película representará también a España en los premios Ariel del cine mexicano. Las cintas que optarán finalmente al Oscar a mejor película extranjera las escogerá la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de Hollywood a principios del próximo año. La ceremonia de la 87 edición de los Oscar será en marzo de 2014.

David Trueba presenta en la competición oficial del Festival de Cine de San Sebastián Vivir es fácil con los ojos cerrados, una película que el realizador define como un «western» donde «el vaquero, en vez de a caballo va en un Seat 850 y es un profesor de colegio«. Ambientada en la España franquista de los 60, la película se inspira en la revolución que supuso para muchos jóvenes de entonces la visita de John Lennon a Almería, donde rodó una película y se inspiró para componer su famosa canción de «Campos de fresas«. El guion, también escrito por Trueba, está plagado de anécdotas sacadas de la vida real, empezando por el personaje que interpreta Javier Cámara, un profesor que existe y realmente sacaba las letras de las canciones oyendo radio Luxemburgo para enseñar inglés a sus niños. Por su parte, los aplausos y las risas respaldan la propuesta ácida y simpática del veterano director francés Bertrand Tavernier, Quai d’Orsay, una crítica sarcástica y desternillante de la política francesa, que el realizador no quiere hacer universal. Basada en un famoso cómic que parodia al político Dominique de Villepin, la cinta cuela al espectador en los despachos de la sede ministerial francesa con un ritmo frenético pero no precipitado, explica, porque quería hacerlo creíble. Tavernier señala, además, que «ignoro a los políticos españoles, ya tengo bastante con los franceses, solo conozco a los que salen en la prensa: el presidente, o el ministro de Cultura«, y añade que hace declaraciones «que suelen ser aberrantes, bastante mediocres y que evidencian que no conoce bien la cultura, aunque eso les pasa también a los de la Comisión Europea«.

La cuarta jornada del Festival incluye a concurso la proyección de Caníbal, de Manuel Martín Cuenca, y la austriaca October November, de Götz Spielmann. Cuenca dirige su mirada al sastre más prestigioso de Granada, interpretado por Antonio de la Torre, pero también un asesino en la sombra. No tiene remordimiento, ni culpa… hasta que Nina aparece en su vida. Por ella, conoce la verdadera naturaleza de sus actos y surge por primera vez el amor. La cinta de Spielmann se ambienta en una pequeña población de los Alpes austríacos donde hay un hotel ya cerrado. El director señala que «me molesta enormemente la banalidad con la que se muere hoy en día en el cine y por eso, porque la muerte es algo grande y es un misterio grande y un hecho fundamental en nuestra vida, no debería ser triviliazada ni reducirse a una idea con la que se juega, porque pones en cuestión también la vida«. En la sección Perlas se presenta Gloria que hace un año era un proyecto más que pasaba por la sección En Construcción del Festival de San Sebastián en busca de financiación para poder completarse. Sebastián Lelio y Paulina García, director y protagonista de la cinta, no sólo ganaron el año pasado el premio En Construcción, sino que desde entonces no han dejado de cosechar halagos y premios en festivales de todo el mundo; el principal, el Oso de Plata a la mejor actriz en la pasada Berlinale. Por otro lado, cineastas como Daniel Sánchez Arévalo, Borja Cobeaga o Jonás Trueba contarán cómo ven a sus mayores en la serie documental «Cineastas Contados» que se presenta en el Festival. La idea, inspirada en la serie de André S. Labarthe y André Bazin «Cineastes de notre temps«, es que cada uno de los directores jóvenes dirija, de manera personal y libre, un largometraje documental sobre algún veterano. Así, Cobeaga abordará la figura de Enrique Urbizu, Sánchez Arévalo la de Almodóvar, Félix Viscarret se enfrentará a Carlos Saura, Jonás Trueba a José Luis García Sánchez, Javier Rebollo ha elegido a Francisco Regueiro y Virginia García del Pino a Basilio Martín Patiño.

El director François Dupeyron presenta a concurso Mon âme par toi guérie, un filme de personajes desesperados cuyo protagonista tiene el don de sanar enfermos. Ganador de la Concha de Oro hace catorce años con ¿Qué es la vida?, Dupeyron muestra a un hombre divorciado que acaba de perder a su madre, de la que ha heredado el poder de sanar y del que se resiste a hacer uso. El realizador galo toma el título para su película de un verso de Baudelaire, «Mi alma por ti curada«. Además, provoca muy buena impresión Le week-end, dirigida por Roger Michell, autor de una de las películas más taquilleras de la historia, Notting Hill, que cuenta con un buen guión de Hanif Kureishi, autor, entre otras, de Mi hermosa lavandería. La cinta se centra en un matrimonio de profesores británicos, magníficamente interpretados por Jim Broadbent y Lindsay Duncan, que regresa a París muchos años después de su luna de miel para intentar revitalizar su matrimonio. Meg siente que merece una vida mejor, pero se muestra insegura y desamparada sin su marido Nick. Finalmente Carmen Maura se convierte en la primera actriz española en recoger el Premio Donostia del Festival de Cine de San Sebastián por su larga y premiada trayectoria, que incluye la proyección, fuera de concurso, de Las brujas de Zugarramurdi, de Álex de la Iglesia.

El Museo de Arte del condado de Los Ángeles (LACMA) estrena una exposición sobre el legado artístico del prestigioso director de fotografía mexicano Gabriel Figueroa, prolífico e influyente autor cuyo trabajo fue clave para construir la identidad del cine de su país. Esta muestra es una nueva versión de la presentada en México en 2008 por la Fundación Televisa, responsable también de organizar esta exhibición con la colaboración de LACMA y la Academia de Hollywood. «Under The Mexican Sky: Gabriel Figueroa-Art and Film» cuenta con cerca de 300 objetos relacionados con el fotógrafo que van desde secuencias de películas a pinturas, bocetos, carteles, documentos e instantáneas que se distribuyen de forma temática por varias salas del museo. A pesar de la distancia, Figueroa trabajó en rodajes fuera de Estados Unidos para directores como John Ford, John Huston, Norman Foster y Daniel Mann, y fue requerido por Elia Kazan en 1950, como atestigua una carta que se puede leer en la exposición en la que el famoso cineasta le pide que haga con él el filme Viva Zapata (1952). Curiosamente el mismo año del debut de esa producción, Kazan denunciaría a Figueroa por simpatizante comunista ante el Comité de Actividades No-Americanas de la Cámara de Representantes de Estados Unidos, si bien desde finales de la década anterior el mexicano ya estaba siendo investigado por el FBI. Gabriel Figueroa falleció con 90 años en 1997 tras una vida en la que trabajó en más de 200 películas, algunas dirigidas por Luis Buñuel, y obtuvo una nominación al Óscar por La noche de la iguana (1964).

Pelo malo, la propuesta más interesante de las dos películas que se proyectan hoy en la sección oficial, participó en el Cine en Construcción de Toulouse, lo que supone un estímulo para esta sección que cada año, pasa prácticamente desapercibida en la vorágine del Festival. Es el tercer largometraje de Mariana Rondón tras A media noche y media (2000) y Postales de Leningrado (2007) y cuenta la historia de Junior, un niño mulato de 9 años que no tiene padre, al que le crece un pelo obstinadamente rizado y cuya obsesión es alisárselo para la foto de la escuela. La otra cinta a concurso es Enemy, de Denis Villeneuve, sobre un profesor que lleva una vida monótona hasta que descubre la existencia de un actor de poca monta que es físicamente igual que él. Protagonizada por Jake Gyllenhaal, se trata de una versión de la obra del Premio Nobel de Literatura portugués José Saramago, El hombre duplicado, a la que no hace una gran favor. Así mismo, Juan Antonio Bayona recibe el Premio Nacional de Cinematografía, y solicita, en presencia del Ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, que «se tome conciencia» del momento difícil que vive el cine, para añadir que “no llegaremos a ningún sitio si no valoramos la cultura y la educación como los cimientos sobre los que aposentar nuestra sociedad«.

Comienza la 61ª edición del Festival de Cine de San Sebastián con la proyección de Futbolín, de Juan José Campanella, primera película de animación que inaugura el Certamen en sus ya más de sesenta años de historia. En la ceremonia inaugural, además de la presentación del jurado, esta vez presidido por Todd Haynes, se hace una repaso a las principales secciones de la presente edición y se entrega el Premio Fipresci de la Crítica Internacional a la mejor película del año a La vida de Adele, de Abdellatif Kechiche. Sin lugar a dudas el principal aliciente de una primera jornada, a pesar de que la cinta se proyecte a una hora intempestiva (teniendo en cuenta que su duración es de casi tres horas), en un único pase, y sin ser incluida en la sección Perlas de otros Festivales más aún, teniendo en cuenta que consiguió la Palma de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de Cannes 2013. De Abdellatif Kechiche ya se había estrenado la La escurridiza o cómo esquivar el amor (2003) o la magnífica Cuscús (2007). En La vida de Adele, la joven protagonista de 15 años que da título a la película se enfrenta un complejo proceso de maduración sexual y personal, todo ello bajo la influencia de una exquisita educación literaria propiciada por un «tal vez» idealizado sistema educativo público francés, una familia convencional y un entorno que se diferencia muy poco del que puede rodear a cualquier joven de clase media.

Basada en la famosa novela de François Mauriac, Thérèse D. (Thérèse Desqueyroux, 2012), de Claude Miller, se ambienta en Las Landas, suroeste de Francia, donde las bodas se conciertan para unir tierras y familias. Thérèse Larroque se convierte en la Sra. de Desqueyroux, pero esta joven de ideas vanguardistas no respeta las convenciones de la clase burguesa. Para liberarse del destino que le ha impuesto su cuna, intentará vivir plenamente. Interpretada por Audrey Tautou, la película clausuró el Festival de Cine de Cannes 2013 y había sido llevada al cine anteriormente por Georges Franju en 1962. Es la última película dirigida por Claude Miller, que falleció el 4 de abril de 2012 a los 70 años de edad. Miller comenzó a hacer cine cuando todavía estaba en el Ejército y en 1976 realizó su primer largometraje, La mejor manera de andar. Antes había dado sus primeros pasos en el cine con los cortometrajes La question ordinaire (1969) y Camille ou la comédie catastrophique (1971). La carrera de Miller, que llegó a obtener el Premio del Jurado del Festival de Cannes por La classe de neige (1998), comenzó con su ingreso en el Institut des Hautes Études Cinématographiques (IHEC), que luego se convirtió en La Fémis, que presidió entre 2007 y 2010. Debutó como asistente de Marcel Carné y luego siguió con Michel Deville y Godard; con Truffaut fue director de producción para Las dos inglesas y el amor y comenzó a realizar sus primeros cortometrajes. Mortelle randonnée, en 1983, le unió en la cinematografía francesa a destacados nombres de este arte, como Michel Serrault e Isabelle Adjani y lanzó a las pantallas a Charlotte Gainsbourg, que protagonizó La pequeña ladrona, en 1988. Su carrera recibió el reconocimiento de numerosas candidaturas a los premios César del cine francés, que concedió el premio al mejor guión al director por Arresto preventivo en 1982.

La Sección Oficial de la 58 edición de la Seminci programará fuera de concurso la película colectiva Centro Histórico, compuesta por cuatro capítulos dirigidos por Víctor Erice, Manoel de Oliveira, Pedro Costa y Aki Kaurismäki. El largometraje rinde homenaje a la ciudad portuguesa de Guimerães, Capital Europea de la Cultura en el año 2012 y cada uno de ellos dirige una historia sobre la ciudad. Aki Kaurismäki filma O taskeiro, comedia agridulce sobre la rutina diaria de un tabernero que intenta sacar adelante su negocio. Pedro Costa bucea en el pasado colonial de la ciudad en Sweet Exorcism. Víctor Erice realiza Vidrios Partidos, el único capítulo documental sobre la industria textil de la ciudad y Manoel de Oliveira, el director en activo más longevo con 104 años, finaliza con el capítulo O conquistador, conquistado que, en tono de comedia, juega con el panorama que ofrece la ciudad desde la estatua de Don Alfonso Henriques, rey de Portugal, rodeado de turistas que visitan el centro de la ciudad.

La 58 Semana Internacional de Cine de Valladolid (Seminci), que se celebrará del 19 al 26 de octubre, presentan las películas que conformarán su sección oficial. Las seleccionadas son:

• Tokyo Kazoku (Tokyo Family), de Yoji Yamada, el director más veterano que competirá por la Espiga de Oro, autor de títulos como El ocaso del samurai, que ahora relata la historia de un matrimonio que vive en una pequeña isla en Hiroshima y viaja a Tokio para visitar a sus tres hijos, ocupados con sus propios asuntos. Esta película es una versión con la que Yamada rinde homenaje a Yasujiro Ozu que rodó Tokyo monogatari (Cuentos de Tokio) en 1953. Yoji Yamada ha participado en la Sección Oficial de Seminci anteriormente con La espada oculta (50 edición) y Love and Honor (52 edición).
• Marina, de Stijn Coninx, se basa en los recuerdos infantiles del cantante italo-belga Rocco Granata que logró la fama con la famosa canción que da origen al título de esta película. El belga Coninx participó en Seminci en 1992 con Daens, con la que consiguió la Espiga de Plata.
• Night Moves, de Kelly Reichardt, quien debutó en 1995 con River of Glass. Con Old Joy, logró el máximo galardón en el Festival de Rotterdam, le siguieron Wendy and Lucy y Meek’s Cuttoff, Premio Signis en Venecia y Mejor Director en el Festival de Gijón.
• Au bout du conte, de Agnes Jaoui, cuento protagonizado por la joven Laura en busca de su príncipe azul. Jaoui logró que su primera película, Le Goût des Autres, fuese nominada al Óscar a la Mejor Película de Habla no Inglesa en el año 2000 y recibiera el Premio César a la Mejor Película en 2001.
• Metro Manila, de Sean Ellis, coproducción entre el Reino Unido y Filipinas, que es la tercera película de este cineasta británico y gira en torno al cambio que experimenta una familia que decide trasladarse desde los arrozales de Filipinas hasta la capital de Gran Manila buscando una vida mejor. Sean Ellis ha escrito y dirigido dos cortometrajes: Left Turn y Cashback, una comedia negra premiada en varios festivales de cine y que acabó pasando al gran formato.
• Papusza, de Joanna Kos-Krauze y Krzysztof Krauze, quienes regresan a la Sección Oficial de Seminci con la historia de la primera mujer de etnia romaní que publicó sus poemas. Juntos dirigieron Plac Zbawiciela (Plaza del Salvador), proyectada en la 52 edición y galardonada con la Espiga de Plata y el Premio a la Mejor Actriz.
• La reconstrucción, de Juan Taratuto, argentino que debutó en 2004 con la comedia No sos vos, soy yo, logrando gran éxito de público en Argentina y España. La cinta cuenta con Diego Peretti de nuevo como protagonista que da vida al personaje de Eduardo, un obsesivo y eficiente trabajador que ve como su rutina se rompe al tener que emprender un viaje y reencontrarse con un viejo amigo.
• Omar, de Hany Abu-Assad, cineasta palestino que se fija en la figura de un joven acostumbrado a esquivar las balas de las tropas que vigilan el muro de los territorios ocupados para visitar a Nadia, su amor secreto. Hany Abu-Assad dirigió el largometraje Paradise Now, Globo de Oro a la Mejor película de Habla no Inglesa y nominado a un Óscar de la Academia en la misma categoría representando a Palestina en el año 2005.
• Zéro, de Nour-Eddine Lakhmari, es el tercer largometraje de este director marroquí cuyo protagonista es un policía conflictivo, carente de valores, que un día decide romper con su pasado e implicarse en la búsqueda de una joven desaparecida. Con Casanegra, que dirigió en 2008, batió todos los récords de taquilla en Marruecos y fue nominada para representar a Marruecos en los Premios Oscar de 2010.
• I’m the Same, I’m an Other, de Caroline Strubbe, gira en torno a un hombre en la treintena que huye con una niña de nueve años a la que está unido por un pasado compartido. La belga Caroline Strubbe ha codirigido documentales y con su mediometraje Taxi Dancer, recibió una mención especial en Sundance. Su primera película Lost Persons Area fue seleccionada por la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y se alzó con el premio al Mejor Guion.
• Short Term 12, de Destin Cretton, se desarrolla en un centro de menores y es el segundo largo de este director hawaiano. En el año 2008 dirigió el cortometraje del mismo nombre que fue premiado en Sundance. También ha dirigido documentales como Drakmar: A Vassal’s Journey, Mejor Documental en el Festival de San Diego y I am Not a Hipster, su primera película de ficción que se estrenó en el Festival de Sundance.
• Run & Jump, de Steph Green, es una ópera prima que gira en torno a la historia de Vanetia, un ama de casa irlandesa que lucha por mantener unida a su familia tras el ictus sufrido por su marido que le incapacita mentalmente. Con su corto New Boy, Steph Green obtuvo el premio al Mejor Corto en el Festival de Tribeca y fue nominado a un Oscar en 2008.
• Matterhorn, de Diederick Ebbinge, actor en diversas películas y series de televisión holandesas, además de dirigir varios cortometrajes, debuta como director con la historia de Theo, que posee un don especial y entra en la solitaria vida de Fred, un calvinista serio y maniático, alterando por completo su ordenada existencia.

Completan la Sección Oficial a concurso los largometrajes españoles: Tots volem el millor per a ella, de Mar Coll, que inaugurará el Festival; La Por, de Jordi Cadena y Presentimientos, de Santiago Tabernero.

El Palacio de Bellas Artes de Donostia-San Sebastián es el cinematógrafo más antiguo que se conserva en nuestro país y uno de los escasos que quedan en Europa, anteriores a la Primera Guerra Mundial. Obra del célebre arquitecto Ramón Cortázar su diseño se inspira en el Gaumont-Palace de París. En el año 1982 cesó definitivamente su actividad como sala comercial, siendo la primera sede con que contó la recién fundada Orquesta Sinfónica de Euskadi. Tras llevar largo tiempo clausurado y sin uso, el estado actual de conservación del monumento es deficiente, aunque podría perfectamente rehabilitarse, pues no se encuentra en situación de ruina irreversible. Sin embargo, la empresa propietaria, SADE, persigue su demolición, al objeto de construir un hotel con aparcamiento subterráneo y 92 habitaciones sobre el solar resultante. Un sector muy significativo de la ciudadanía se ha unido para impedir su inminente desaparición, recogiéndose más de 10.500 firmas contra el derribo a través de internet. Asimismo se ha solicitado en el Gobierno Vasco su urgente declaración como Bien Cultural Calificado.

En el 2009 no había representantes oficiales de los distribuidores online en el Festival de Cine de Toronto. Este año, había 37, entre ellos 18 de Netflix, cinco de Hulu y otros tantos de Apple. Vimeo, por ejemplo, ofrecía un adelanto de 10.000 dólares por 30 días de derechos online en exclusiva a las 146 películas que se estrenaron en Toronto. El contrato no impide a los directores llegar a acuerdos por separado con cines o televisión. Aunque acudir directamente a Netflix o Hulu podría no ser lo ideal para muchos cineastas, los directores y productores jóvenes cada vez se sienten más cómodos saltándose los cines por completo. «Esta generación de cineastas ha visto la mayoría de sus películas en la pequeña pantalla, hay menos prejuicios sobre el tamaño de las pantallas, lo cual creo que está abriendo muchas opciones y modelos de negocio«, asegura Ted Sarandos, jefe de contenidos de Netflix. A ello se une la peticion de varios estudios de Hollywood que solicitan datos de recaudación para los canales online como Netflix o Amazon, similares a los que se ofrecen diariamente para los estrenos en salas de cine por empresas como Rentrak.

La película 12 years a slave (12 años de esclavitud), de Steve McQueen consigue el premio del público del Festival de Cine de Toronto. La cinta se basa en las memorias de 1853 de un afroamericano libre que fue vendido y mantenido como esclavo durante la época la que se refoiere el título. El galardón correspondiente a mejor documental es para The square, de Jehane Noujaim. El Premio FIPRESCI de la Crítica recae en Los insólitos peces gato, ópera prima de la realizadora mexicana Claudia Sainte-Luce. Las brujas de Zugarramurdi, de Álex de la Iglesia, ocupa el tercer puesto en el Premio del Público de la sección Midnight Madness, dedicada al cine fantástico y de terror.

La casa de Emak Bakia, de Oskar Alegría, obtiene la «Caracola» al mejor largometraje documental de la 45 edición de la Muestra Cinematográfica del Atlántico, Alcances, un festival dedicado al cine documental y que se celebra en Cádiz. Además de este premio del jurado, dotado con 6.000 euros, la cinta de Oskar Alegría (Pamplona, 1973) recibe el Premio del Público de la muestra. En la presente edición de Alcances han participado 31 cintas (7 largos, 8 mediometrajes y 16 cortos), y también ha sido premiado con la «Caracola» al mejor mediometraje documental Oírse, de David Arratibel, una cinta que muestra, según el jurado, «una experiencia sensorial de manera elegante y sobria, acerca de la subjetividad del silencio«. La «Caracola» al mejor cortometraje documental es para Buenos días resistencia, de Adrián Orr. Esta pieza, según el jurado, «hace un retrato lúcido de la intimidad del despertar; una reflexión vital y estética de las pequeñas odiseas cotidianas«. La 45 muestra Alcances se clausura mañana con una gala en la que la actriz María León recibirá el Premio ASFAAN de la Asociación de Festivales Audiovisuales de Andalucía, y en la que será homenajeado el cineasta Fernando Trueba.