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¿Cómo puede el cine contribuir a la educación y a la inteligencia de una cultura o, digamos, a la comprensión que una cultura tiene de sí misma? ¿Cómo puede el cine, al que habitualmente concebimos como entretenimiento, ser un camino de "mejoramiento moral"? Responder a estas preguntas es el objeto de los ensayos de Stanley Cavell reunidos en este volumen.

Steven Spielberg es el director más taquillero de todos los tiempos y uno de los productores cinematográficos más poderosos del mundo. Pero, ¿esto le convierte en un buen director de cine? El suyo es un caso único en la historia de Hollywood, ya que muy pocos pueden presumir de haber influido en las fobias, curiosidades e interés sociales tantas veces como él.

El estudio de la presencia germánica en Hollywood es patrimonio de la historia del cine. Las películas americanas de Mrunau y Lubitsch, de Lang y Wilder, de Sirk y Preminger pertenecen desde hace tiempo al olimpo de los cinéfilos y de los aficionados al cine. Y el cine americano no sería lo mismo sin el rostro de Peter Lorre o las piernas de Marlene Dietrich. La presente obra propone una nueva mirada sobre este campo, aparentemente tan trillado, pero que ha evolucionado considerablemente desde hace una veintena de años.

Anuario cinematográfico que recoge todos los estrenos cinematográficos del primer semestre de 2008 con un comentario crítico serio e independiente, además de las secciones habituales de fechas, premios y libros. Ilustrado profusamente con fotografías en color de todos los films.

Director, guionista de todas sus películas y ocasionalmente novelista y actor, Terence Davies nació en 1945 en Liverpool, Inglaterra. Pertenece a una familia católica de clase trabajadora y es el más joven de diez hijos. Coetáneo de directores como Derek Jarman, Peter Greenaway y Sally Potter, inició su trayectoria al abrigo del British Film Institute, con un primer cortometraje en el que ya incluía rasgos autobiográficos.

La fecunda producción de cine policiaco y de temática criminal en Japón sigue siendo una gran desconocida en Occidente. Producto de un claro proceso de importación de géneros literarios y cinematográficos foráneos, principalmente americanos, el film noir japonés podría parecer una anécdota en la historia del cine nipón.

Durante los años 50 y 60 del pasado siglo, la comedia fue uno de los géneros más importantes del cine italiano. Entre todos los directores que se dedicaron a aquellas películas en las que el tono cómico no escondía una visión crítica de la sociedad, destaca Mario Monicelli, autor de las piezas más emblemáticas de esta corriente popular que encumbró a actores como Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Marcello Mastroianni, Nino Manfredi o Alberto Sordi.

Este es un libro de intervención, un libro que toma partido: por el cine y por la educación, sostenido por una experiencia de más de veinte años. Y también un libro que no renuncia a ofrecer propuestas concretas para una iniciación a la pedagogía del cine. La hipótesis del cine afirma que "no hay que olvidar que el cine es primero arte, que es también una cultura cada vez más amenazada por la amnesia, y que es finalmente un lenguaje y, como tal, necesita de un aprendizaje".

Libro de la Muestra realizada en colaboración con el Centro Buñuel de Calanda para rendir homenaje a Buñuel en el vigésimo quinto aniversario de su muerte, con la que la Filmoteca Española y el CBC quieren dar a conocer una parte inédita de su obra.

El estudio de algunas de las obras culminantes de cuatro grandes cineastas clásicos (Dreyer, Hitchcock, Ford y Ozu) permite ver cómo se refleja en el estilo de cada uno de ellos su específica forma de ver el mundo y de interpretarlo. Cabe entender, entonces, el film como una construcción hecha con recursos espaciales y temporales, basada en una estructura sintáctica consistente a la que denominamos arquitectura del cine.

Si durante décadas ha reinado de manera indiscutida el tópico que hacía de Buñuel el cineasta de la libertad absoluta entendida, al modo surrealista, como el rechazo de toda ley y de toda deuda, el presente libro hace emerger, como el núcleo más resistente de la filmografía del cineasta, un foco de pánico que, a modo de fantasma irrefrenable, reina en ella aniquilando todo margen posible de libertad.

Blade Runner es una obra maestra del celuloide y una película de culto que, de un modo casi imperceptible, se ha ido consolidando como un clásico en la historia del séptimo arte. Todo ello gracias a una estética sugerente, que marcó un hito en el género de la ciencia ficción, y a una interesantísima reflexión sobre el origen del ser humano y su destino, los riesgos de la manipulación genética y la fugacidad de la vida.

Considerado uno de los principales impulsores de la denominada Nueva Ola del cine taiwanés, que a comienzos de los años ochenta revolucionó el cine de su país, Edward Yang (Shanghái, 1947 - Los Ángeles, 2007) es uno de los cineastas asiáticos más importantes del finales del siglo XX.

Más allá de las estériles (y envejecida) discusiones a propósito de si Raoul Walsh fue o no un autor, de acuerdo con el reparto de etiquetas efectuado en los primeros años sesenta por la que entonces fue denominada "nueva crítica", resulta incuestionable que sí fue un gran cineasta.

La cultura de la Belle Époque idolatraba a los cazadores de imágenes. Los pintores, retratistas y cineastas se habían convertido en notarios de la alegría de vivir burguesa. La saga familiar de los Lumière encarnará el modelo de este arquetipo social.

De entre todos los géneros que componen el Cine Fantástico, el cine de terror es, sin duda, el que más obras maestras ha aportado a la ya larga historia del Séptimo Arte. Un género que ha ido adaptándose a los tiempos, consiguiendo ser reflejo y crisol, casi siempre velado, de las inquietudes que han perturbado al ser humano a través de los tiempos.

Por fin la ficción cinematográfica y televisiva tiene otro lado, tiene un más allá, también en España. Podemos afirmar, sin miedo a equivocarnos, que en los últimos años el panorama audiovisual ha sufrido un cambio definitivo con la irrupción de unas prácticas de filmación que tienen en torno a lo real su objetivo prioritario.

Cuando el cine afronta la necesidad de volver a definir las bases de su relación con los espectadores, se hace más urgente que nunca dar respuesta al reto que apunta hacia la radical sustitución del "valor de uso" de las imágenes por su mero "valor de cambio".

En el presente libro, el lector encontrará, no una nueva teoría sobre el discurso cinematográfico, y por tanto un intento directo de teorizar sobre aquello que es el cine, sino un conjunto de perspectivas. Cada uno de los capítulos tiene por objeto ahondar en la teoría cinematográfica desde algún ángulo analítico complementario.

El análisis cinematográfico se practica desde la escuela hasta la Universidad, en contextos y con objetivos muy diferentes. Estos "principios" no pretenden fijar un marco rígido o establecer un esquema inflexible, sino ofrecer algunas indicaciones útiles, mostrar cuál es la actitud propia y el proceder más adecuado a la hora de llevar a cabo un buen análisis.

Buster Keaton fue un payaso, un gran payaso. Y los grandes payasos de la historia contemporánea como Chaplin, Harold Lloyd o Rivel, lo fueron por la fidelidad que mantuvieron a la personalidad que habían inculcado a sus creaciones.

Era magnífica y exasperante en igual medida. Humphrey Bogart dijo una vez: «Es capaz de noquear a cualquiera que no sea muy grande». Bette Davis era una fuerza de la Naturaleza, un talento iconoclasta, la mujer que personificó las palabras "estrella de cine" durante más de medio siglo, una actriz que ganó dos Oscar de Hollywood y nos dejó una filmografía extraordinaria, repleta de interpretaciones inolvidables.

Este libro, segundo en una excepcional colección dedicada a los grandes estudios cinematográficos, se adentra en el fascinante mundo de Warner Brothers, la productora más espontánea y eficiente de Hollywood. Ningún aficionado al cine desconoce, actualmente, la importancia de las míticas siglas WB.

El cine está sufriendo una transformación que parece anunciar una nueva etapa en la aún breve historia del llamado séptimo arte, y las películas de Abbas Kiarostami son, sin ninguna duda, una referencia imprescindible para entender el origen y el desarrollo de estos cambios.

Con su personalidad indiscutible, David Mamet conoce como nadie cuáles y cómo son los requisitos y las cortapisas que permite - o impiden - hacer carrera en Hollywood y los expone en este libro.

Anuario cinematográfico que recoge todos los estrenos cinematográficos del segundo semestre de 2007 con un comentario crítico serio e independiente, además de las secciones habituales de fechas, premios y libros. Ilustrado profusamente con fotografías en color de todos los films.

La filmografía de la cineasta de Nara es sorprendentemente extensa para sus treinta y ocho años. Casi treinta obras que recorren los fértiles espectros que van del corto al largometraje, del Súper 8 a los 35 mm. o al vídeo digital, de la ficción al documental o de la intimidad de las pequeñas piezas sobre su familia al trabajo con un equipo de rodaje.

A lo largo de las páginas de Cineastas frente al espejo, nos adentraremos en las fértiles intersecciones entre el cine autobiográfico, el diario filmado, el autorretrato, la carta filmada y el cine-ensayo. En primer lugar, se van a tratar varias cuestiones generales con el fin de trazar los contornos de este territorio de escurridizas fronteras. Domènec Font dibuja un panorama de autores y tendencias y propone una cartografía posible.

Historia(s) del cine parte de un proyecto de conferencias dictadas por Godard en 1978. A partir de ellas, y en el curso de casi veinte años de trabajo de archivo y acumulación de documentos, el autor compuso el poema-ensayo que aquí se publica y que, con variadas modificaciones, sirvió como guión del film homónimo.

Antonio Dyaz, productor de cinco largometrajes (dos de ellos escritos y dirigidos por él mismo) nos cuenta el reverso de una industria cinematográfica más imaginaria que real, compartiendo con el lector su experiencia y sus errores, con grandes dosis de consejos prácticos.

"La necesidad de contar historias es inseparable del deseo de ganar dinero". Para David Thompson, la verdad sobre Hollywood se resume en "La ecuación completa", una fórmula integrada por dos factores que no pueden existir el uno sin el otro: el arte y el dinero. Partiendo desde este principio, David Thompson hace un fascinante recorrido de toda la historia del cine, desde sus trepidantes orígenes mudos hasta los últimos fenómenos de el cine americano desde un punto de vista distinto, único y personal.

Franz Kafka fue un apasionado espectador de los primeros días del cinematógrafo tal como revela esta original lectura de sus cartas y diarios. Kafka va al cine indaga en esa pasión que se esconde en las páginas más íntimas del autor checo y sigue el rastro de las películas que le fascinaron en las salas de París, Milán y Múnich, que visitó en sus viajes junto a Max Brod, o en las noches de Praga y Berlín.

A partir de su propia experiencia en rodajes como Hotel o Timecode, el cineasta Mike Figgis va desglosando las razones que le han llevado al cine digital; las prestaciones técnicas que éste ofrece, incluyendo una detallada explicación de las cámaras y los equipos que para Figgis resuelven su nivel de exigencia técnica y artística.

A comienzos del siglo xx; unos visionarios llegaron a un pueblo cerca de Los Ángeles y crearon al tiempo una gigantesca industria y el arte que definiría ese siglo. De entre esos pioneros del cine, hay una figura que destaca por encima de las demás, por la fuerza de su personalidad y por los estudios cinematográficos que creó, paradigma del studio system del Hollywood de la edad de oro: Louis B. Mayer.